El ojo lleno de dientes:

Adriano Rémura: Autonomía o del por qué hacer un proyecto civil

2011-12-15T10:14:00.000-08:00

Autonomía o del por qué hacer un proyecto civil.

Versodestierro es un proyecto que tiene como propuesta el conflicto, y se ha cumplido cabalmente. Desde su creación ha generado controversias, y ha sido fuente de inspiración para nuevos proyectos, también con tendencias conflictivas. Versodestierro promueve la poesía a través de libros, plaquetes, separatas, carteles, volantes, una revista, lecturas, críticas, El Torneo de Poesía Adversario en el Cuadrilátero [este año en su quinta edición], el Semanario Deportivo de Poesía RING y su más reciente propuesta: I Premio Latinoamericano de Poesía Transgresora Verso Destierro. La poesía de poetas nuevos en México, no es de los principales géneros que consuman los lectores en las librerías (pues nadie, o casi nadie, va en busca de poetas desconocidos), por eso Versodestierro se ha dedicado a la difusión de mano en mano, y hasta la fecha (a siete años de su creación) Esta por llegar a los 90 libros publicados y 10 números de la revista del mismo nombre, en donde se han incluido también a poetas con trayectoria (que se han sumado a este trabajo) como Enrique González Rojo, Max Rojas, Raúl Renán y la fallecida Norma Bazúa, entre otros. Ha vendido más de 75 mil ejemplares. La poesía está viva en México y tiene con qué meter las manos. Versos de filo y belleza variable. Versodestierro es una editorial especializada en poesía, dan cuenta de ello sus 8 diferentes colecciones, próximamente se unirá una 9ª colección de poesía para niños bajo la poética de esta editorial, colecciones en donde los contenidos y formatos del libro son trascendentes para una lectura diversa. Paralelo a la poesía se edita cuento, novela, minificción y ensayo. Versodestierro también investiga en cuanto a la producción, distribución y discusión del panorama poético, principalmente de las diversas poéticas asentadas, dentro o fuera de una corriente. Localizar poetas de otras tradiciones, excluidos del marco histórico en la literatura mexicana, como también de autores que en la actualidad estén generando una obra no sólo escrita con oficio, sino con hondura intelectual, reflexión crítica y propuesta estética. Ejemplo de lo anterior es el libro Cuarenta Barcos en Guerra, Antología de Poesía y sus Editoriales. El proyecto ha sido aceptado tanto por cafeteros, como por promotores culturales y otros sectores (con la intensión de que si el lector no va a la poesía, la poesía vaya al lector).

La poesía en México se ha arraigado en la idea de "una tradición". La mayoría de las sociedades se han generado en la idea de una tradición, como en la idea de un origen humano del cual devenimos todos. Sin embargo el mundo no es una humanidad, sino una serie de variantes, siendo exactos, un mundo de posibilidades o posibles variaciones. Son muchos mundos; deltas de un mismo río que se traducen en nuevos ríos, nuevas formas de ser y hacer, según el contexto, la época y la geografía. Esta es la idea que mueve la evolución: la capacidad de transformarse. Por el otro lado está el pensamiento (que hasta ahora ha sido el que rige nuestras acciones) de la permanencia sea de la forma que sea.

Estamos todavía en la época de los apegos. La idea de hogar y trabajo obedece a un orden de rango y escalonamiento dentro de organismos incompatibles a los individuos. La individualidad se convierte en una "paso a seguir", en una réplica de un ser que debería ser esto o aquello para realizarse. Y aunque halla otros medios de realización (y realidad), otras posibilidades del ser; son reprobadas por el halo mental que rige todavía el mundo social que nos determina y absorbe. Esa ha sido la lógica, y esta ha provocado una crisis editorial, en la cual, es lamentable, que incluso proyectos contraculturales terminen siendo financiados por el Estado. Y no porque asumamos que los apoyos "no sean necesarios" o porque pensemos "que no hay una responsabilidad del Estado en promover la cultura". No. Sino porque la naturaleza de la ideas obedece a una ética y una lógica operativa. Esto quiere decir: que en la contradicción obedecemos solamente al apego, y no al desarrollo. ¿Hasta qué grado los proyectos literarios, culturales que prevalecen ahora no son corrientes de un mismo delta? ¿Y de qué forma se dan posibilidades al ser cultural de diversificarse, de crearse una identidad? Se piensa que porque hay muchas publicaciones (que aun así son pocas), hay muchas opciones, y no es así. Lo que hay es una tendencia a hacer la misma revista o a editar a los mismos autores rentables que son inversiones seguras bajo el confort de no arriesgarse a otras posibilidades estéticas, la apuesta altenativa es difundir a un autor que se circula y se vende per se. Nos encontramos con fórmulas prescritas de lo que se supone es una revista. Y vemos que se materializa una y otra vez. Se habla de proyectos independientes, cuando en realidad dependen de una ideología reciclada, y por otra parte, tampoco son capaces de generar una posibilidad de supervivencia propia. Pensar en esto para la mayoría resulta "utópico". Cómo "sobrevivir" sin las becas (los apoyos) que da tal o cual institución. ¿Cómo sobrevivir de mi poesía: de mi trabajo como poeta, como editor? La respuesta para la mayoría han sido los talleres, las conferencias o las plazas. Estamos hablando de que la cultura se convierte en una rama del Estado. Lo cual tampoco es una deshonra, sino una incongruencia de quienes se auto-nombran Independientes cuando en realidad son proyectos alternativos, variaciones del catalogo de escritores del conaculta La libertad está sujeta a la decisión del individuo (del artista en este caso) . Pero las opciones creadas son nulas porque el mismo artista devalúa su trabajo pensando que si las instituciones no lo apoyan, esto quiere decir que su trabajo no vale nada. Se piensa que las opciones son las que hay, y si no se elige una de estas, quedas fuera de la lógica cultural del país. Cuando se crea una nueva opción, lo que procede en el pensamiento general, es el acto de aparentar como si esa otra opción no existiera, o fuese una posición "inferior" de enfrentar la realidad, surge el ninguneo o el indiferentismo. Por ejemplo, cuando se propone variar tanto los contenidos como los conceptos editoriales, y generar medios alternos de distribución y promoción (como venta de mano en mano y la libre circulación en todos los espacios culturales, o no culturales) la actitud, ante esta posibilidad de promulgar la cultura de una manera "personal", es la subestimación. Pareciere que el pensamiento lógico siguiese la idea de que una forma prescrita de enfrentar la realidad es superior a una todavía no efectuada. La posibilidad se presenta entonces como un error, si lo decimos más claramente.
Este ha sido el punto por el cual los proyectos no sobreviven. Los que no han seguido la fórmula creada, han sucumbido. Los demás han aprendido a acoplarse, a moverse en el fuego. El costo: su autonomía. Su individualidad. Con individualidad y autonomía nos referimos a la capacidad de un ser autogestivo, que sea en sí mismo una posibilidad en el mundo editorial, de fondo sería encontrar y proponer una estética y una poética, propias. Las preguntas son: "Hoy en día, ¿qué proyecto es capaz de sobrevivir y crecer sin el apoyo del Estado?, y ¿qué proyecto es capaz de sobrevivir cuando termina el apoyo del Estado?". El que levante la mano es porque ha engendrado la posibilidad del desapego. Una vez trascendida esa parte, ese conflicto medular, el complejo de los de arriba y los de abajo es lo de menos. Entonces, efectivamente, se generaría una igualdad, una posibilidad de confrontación creativa y sobre todo de cooperación. A fin de cuentas la idea de independencia es un acto primario de destetamiento; después lo único que deriva es la autonomía, la cual se enfrentará a todos los avatares de la existencia misma como ser, y de la cual puede generarse una opción posible; una alternativa sólo visible para quien de algún modo ha realizado ese mismo proceso, y que como un ser de igualdad, entrará y saldrá de este espacio con posibles variantes para sus propias acciones. Es ahí donde se gesta la verdadera confrontación de ideas y valores, generando fluidez, agilidad, al agua estancada de la mente. La aparente calma de la tolerancia (en la que se supone vivimos) lleva a fin de cuentas al encubrimiento, a la complicidad e imponderablemente a su explosión. La tolerancia real es la plenitud de la razón en conflicto, y no la sujeción al dogma, al ideal o a la verdad absurda. En concreto, la incertidumbre (como un proceso generativo de realidades) es el alimento de lo posible.

Entonces, ¿cómo vivir de la poesía? ¿Cómo hacer real aquella idea expresada por Luis Rius, en la que el poeta pueda vivir de su trabajo? Algunos piensan el camino es auspiciarse en los grandes nombres de la literatura. Los cuales mucha gente ha escuchado, pero muy poca realmente conoce. Esas son lecturas primeras que garantizan un público expectante. Otros plantean un núcleo, y a partir de un mito en torno a este, generan una nueva idea de grandeza; un rumbo total para la poesía. Esto basado también en la estructura misma de competencia por los recursos que se lanzan para que los artistas se lancen al anzuelo. Las cubetas de pescados son pocas. Pero el hambre es mucha, y el que sobrevive es el más apto, y que los otros se dediquen a otra cosa. Los más aptos hasta ahora han sido los poetas que conocemos. Todavía ahora se mide en preguntas como "¿quién es el mejor poeta vivo de México?" o "¿quién es el mejor poeta de tal o cual generación". El título de "El mejor" es el obsequio que se le da al poeta más poderoso. La poesía por otro lado queda en un lado secundario. El poeta político vive de lo que gana como político y no como poeta: la premisa de que la poesía sea la fuente de vida para el creador sigue siendo utópica. La poesía se vuelve o se traduce en alimento comercial, y los únicos poetas que pueden comer de su obra, son los poetas que ya están muertos. Shakespeare, Cervantes, Neruda, Pessoa. ¿Cómo viviría un poeta vivo de su obra? En principio habría que desmitificar la idea de que las librerías son el centro de los libros y perder el miedo a publicar en editoriales pequeñas (puesto que todo artista piensa que su obra debe ser publicada por editoriales de prestigio, pues de otra forma nadie creería que su obra es buena) y también generar medios alternos de difusión como sitios para la promoción y la venta, donde participen activamente los integrantes del proyecto editorial y puedan exponerlo a los posibles lectores, puesto que a falta de conocimiento de ¿qué son estas publicaciones? es que se quedan empolvadas en las librerías. Difundir de mano en mano, como es la estrategia de Versodestierro, borra de entrada al mediador, la librería, y pone en igual condición al lector, al escritor y al editor, el libro se materializa en vínculo y no en un estrado, un objeto de poder, en donde se monta el escritor para diferenciarse y ser superior al lector. Para Versodestierro las librerías han sido estrategias secundarias a la distribución de mano en mano, en lecturas, encuentros, ferias o en la calle.
Por otro lado se apuesta por buscar el apoyo de otros sectores, la poesía es un arma seductora para los cafés, restaurantes, museos, teatros, plazas, casas de cultura, incluso bares, cantinas y asociaciones civiles O el apoyo mismo de los lectores, adquiriendo estos productos exóticos, o de los poetas que, por qué no, también podrían promover su obra y la de otros, sin temor a los snobs o elitistas. De esta forma se generaría un sistema activo de difusión, un sistema en el que la poesía alcanzaría al lector en los lugares donde se "esconde". Sobre esto, como propuesta, Versodestierro se ha esforzado en llevar la poesía de mano en mano por las calles. Y también de boca en boca aunque se piense que la tradición oral quedó allá con los griegos, con los hombres medievales, y en las comunidades marginadas actuales del mundo. Y en esto el papel de los poetas editores ha sido sustancial.

Enfrentarse a un comercio, que en teoría, obedece a un orden de igualdad, no es real porque existe (como en cualquier rubro) el monopolio que sujeta la ley a sus necesidades generadas de permanencia. Los demás entes comerciales, pequeños, micros, minis, o la próxima eclosión del mercado digital, se pelean entre sí el banquete de las sobras. El comercio macro dicta el punto de partida. La poesía obedece al marco mini del comercio. Y aunque su naturaleza, su lógica ética no es sujetarse a este, en su mayoría los editores miniempresariales tienden a reproducir el esquema, o sujetarse a este. La reproducción de este sistema no sólo es desde el núcleo editorial, sino también del poético, la mayoría de las veces. También la sentencia publicitaria u otros elementos del entorno comercial (al igual que los marcos bélicos) se integran al discurso poético de las productoras de la poesía. Su medio de difusión por otra parte está sujeto a los tiros cortos que se mueven en baja escala en librerías nacionales, que son contadas con los dedos y que restan un amplio porcentaje en la venta del libro. Producen varios títulos bajo ese precepto, regularmente de autores ya prestigiados buscando el reconocimiento editorial del medio más alto, y en otras ocasiones poetas extrajeros. En México la literatura está muy marcada por este procedimiento. La legitimización a partir de anexarse a proyectos ya formados, o a escritores de un prestigio ya sólido. En este sentido la difusión se vuelve un verdadero reto. Fuera de los núcleos poéticos, es casi imposible la difusión de la poesía, e incluso los núcleos mismos tienden a limitar el acceso de otras posibilidades.

Tratando de fracturar este esquema, Versodestierro no generó un núcleo, sino un portal, espacio de conflicto para poetas inéditos o poco conocidos, dar al lector una idea del fenómeno ideológico que refleja su poesía y confrontar la postura de diversos artistas pretéritos que han dejado pautas en el arte. Se han agotado ediciones enteras, tanto de la revista como de los libros y otras publicaciones. Mediante sus ventas se han generado recursos y medios suficientes como para publicar más libros. La circulación de mano en mano ha sido el principio de un cause para complementar el medio convencional de venta (o promoción) de materiales de poesía. Se ha argumentado lo poco elegante que es ofrecerle a alguien en un café, o en un vagón, en un camión, un libro de poesía. Si fuésemos millonarios muchos de nosotros, quizá pondríamos a circular en la ciudad elegantes transportes que fueran regalando a precios casi invisibles, excelentes libros de poetas y pintores y dibujantes nuevos; pondríamos espectaculares con poesía. A lo largo del periférico entero se podría leer poesía nueva, y en la televisión la poesía de reciente creación aparecería en las series, en los noticiarios, en las mesas de discusión. (Pero si fuéramos magnates millonarios hacer algo así iría en contra de nuestra naturaleza, o de nuestros intereses, si lo vemos más claro). Sin embargo, la realidad es y ante ella los individuos (los poetas) toman una decisión, entre las dos opciones que tienen enfrente. La pregunta sería: ¿en qué momento empezará el poeta a crear su realidad? Para nosotros la decisión de independencia representa una opción de autonomía. Una decisión de desapego. Lo que alcanzamos a ver es que el río se quedó atrás, y que nosotros apenas somos una minúscula brecha que empieza a dibujar su delta fuera del río, y que es por ahí en donde correrá el agua para el beneplácito de los lectores.

Adriano Rémura
2006

¿Por qué una MesAlterada? por Iliana vargas

2011-11-28T13:34:00.000-08:00

Resulta que un día estábamos platicando sobre la manera en que los mexicanos somos tan dados a recibir, muy amablemente, lo que se produce en el extranjero: alimentos, ropa, accesorios de uso cotidiano como ipods y computadoras, películas, música, exposiciones, literatura, etcétera. Por supuesto no es nuestra intención dejar de consumir lo que nos guste de todo ello y mucho menos hacernos una capa con la bandera mexicana y enarbolarnos el cuerpo de nacionalismos férreos. En realidad lo que ocurrió fue que nos preguntamos: ¿Y la producción mexicana, a dónde llega, quién la compra, quién la pide, quién la necesita?
Particularmente en las cuestiones literarias –que son nuestras prioridades puesto que a ellas nos dedicamos en tanto que creadores, lectores, investigadores y difusores– nos preguntamos: ¿A quién influye o ha influenciado un autor, una corriente, un movimiento, una propuesta literaria mexicana en el extranjero? Porque una cosa es, nos respondimos, que algunos escritores extranjeros mencionen en algún prólogo, artículo o entrevista a Octavio Paz, Juan Rulfo, Carlos Fuentes, José Emilio Pacheco, Amado Nervo y Sor Juana; pero de ahí a que alguien haya aceptado alguna vez que ha leído, no un poema o una novela de los autores mexicanos “más reconocidos”, sino por lo menos la mayor parte de su obra y que ello les haya influenciado de alguna manera en su trabajo creativo, no tenemos noticias o registros.
Y curiosamente, los escritores mexicanos no se cansan de enlistar a los extranjeros de distintos países, épocas y corrientes literarias. A ellos les dedican estudios académicos, ensayos, artículos, reseñas e incluso hacen traducciones de su obra. Aquí es donde cabe volverse a preguntar: ¿y de los mexicanos, cuándo, cómo, en dónde, quién, se ha afanado de la misma manera? Por supuesto que ha habido encuentros internacionales de poesía; intercambios promocionales/literarios en el sentido de “yo te publico y tú me publicas en mi revista o en una antología”; ferias de libro en el extranjero donde se dan a conocer las “novedades literarias de los autores más renombrados en México”; pero, un diálogo verdadero, a fondo, creemos que no se ha dado.
¿Y por qué?, nos volvemos a preguntar. Pues porque, para empezar, quizá los escritores y estudiosos extranjeros no encuentran en México una “oferta” literaria que valga la pena de estudiarse, no se diga ya leerse, lo cual no debería sorprendernos si tomamos en cuenta que nuestro país –tal vez sin que lo notemos de manera consciente– se ha forjado a partir del reciclaje y de la reproducción de modelos económicos, políticos, culturales y artísticos de otros países.
Esto no tendría que ser terrible si hubiera una retroalimentación equilibrada de lo que se importa y se exporta, esto es, que así como en México el mercado editorial está abierto a autores y editoriales extranjeras, ocurriera un exacto visceversa. El problema es, y volvemos a la literatura, que la poesía y la narrativa mexicana (por mencionar sólo los géneros más “populares”) se han impregnado tanto de influencias extranjeras, que hasta el día de hoy no se ha registrado una propuesta estética literaria lo suficientemente fuerte, capaz de ser un referente más allá de las visiones circunstanciales –todo aquello que testimonia un momento histórico/social específico–; institucionales –todo aquello que se enlista en alguna de las nóminas de los grupos que se distribuyen el poder y los erarios públicos–; mediáticas –todo aquello que se muestra como “lo más representativo de México a nivel internacional” y alternativas –todo aquello que se produce de manera autogestiva y se distribuye de mano en mano, en el mercado underground o en donde se les permite previo acuerdo. En este caso la producción literaria es, en cantidad, igual o mayor a la institucionalizada, pero en ocasiones se vuelve repetitiva en el afán de dejar en claro su marginalidad, y difícilmente plantea una propuesta estética concreta.
Entonces, volvimos a preguntarnos, ¿qué ha pasado con los creadores de la literatura mexicana; por qué en la historia literaria hay un punto de fuga en el que los movimientos que trataban de surgir y plantear alguna estrategia esquemática distinta en el siglo XX no lograron tomar fuerza y cimentarse (pero no para instituirse permanentemente, sino para dar paso a su natural transformarción/ derivación/ oposición); por qué, cuando la década de los setenta parecía ir marcando un buen camino en cuanto a pluralidad de propuestas estéticas en diversas disciplinas artísticas, de pronto hubo un tope, una especie de pausa, como un cohete que se arrepiente de culminar en explosión (como si alguien se hubiera dado cuenta de que la pluralidad es muy difícil de controlar y más vale jalar la cuerda y engavetar bajo llave todo lo relativo al concepto propositivo)? ¿Por qué seguir permitiendo que se avale la homogeneización, los métodos y modos a seguir, los cánones oficiales, el reciclaje?
Marco ya había planteado, en dos textos, gran parte de estas cuestiones (“Por una poesía evolucionaria” http://elojollenodedientes.blogspot.com/2011/03/por-una-poesia-evolucionaria.html
y “Poética de la inconexión” http://elojollenodedientes.blogspot.com/2011/08/poetica-de-la-inconexion.html); sin embargo, quienes se interesaron por el tema y lo apoyaron diciendo que había que escribir y platicar mucho sobre ello, nos fueron dando pauta para que esta mesa surgiera, pues una de las opiniones constantes era: “el problema con los escritores y estudiosos es que no se dejan cuestionar, o se niegan a responder”.
Y tantas preguntas no pueden contestarse entre dos personas que comparten experiencias, críticas y visiones al respecto. Por ello decidimos abrir un diálogo con creadores, investigadores y comunicadores que tienen en común la diversidad de sus perspectivas. Y aceptamos la iniciativa de uno de ellos, Ángel Carlos, de que la discusión y el cuestionamiento se hiciera en la mesa de la casa, de forma tan natural como estábamos discutiendo sobre varios temas aquella tarde, pues no sería necesario un mantel de paño verde ni un señalador con nuestros nombres y mucho menos estar sobre un estrado para hablar, preguntar, escuchar, encontrar puntos en común y divergencias; proponer.
Finalmente, ¿por qué Alterada? No es que estemos planeando discutir a tal punto que todo derive en una gran pelea argumentativa. No. Lo que queremos es darle su lugar a la alteración en el sentido de búsqueda de un diálogo libre de prejuicios, inteligente, sin agresiones pero capaz de defender sus puntos de vista sin temor a ser reprimido.
Alterada, porque es necesario dar un salto de página y alterar, en el sentido creativo, crítico y de estudio, a la literatura mexicana y a todo el aparato que la rodea y de distintas maneras la manipula.

Carlos Edmundo de Ory un diálogo peregrino

2011-11-15T10:22:00.000-08:00

Un diálogo peregrino

Para Laura Lachéroy de Ory

Tomados del brazo, caminamos por entre las tumbas del cementerio de La Madeleine. Después de visitar la tumba de Julio Verne, que en ese momento hervía de flores. Carlos comentó que era extraño, que nunca habían sacado una foto en esas circunstancias. Carlos Edmundo de Ory era un hombre que gustaba de los mágicos rituales mágicos y uno de ellos era llevar a sus invitados a tomarles una foto, junto a él y Laura, en la tumba del viejo Verne. Caminamos y continuaba el diálogo del día anterior, diálogo lúdico y lleno de misterio y de sonrisas. Sonreír era el otro gusto del poeta. Jugar, platicar, mostrar lo invisible. Preguntaba, todo el tiempo preguntaba, interesado en todos los temas posibles. Compartía, otro gusto de Ory, compartir.
Si me imagino de lleno a un poeta humano, humanamente humano, vendría a mi imaginación la figura luminosa de Carlos Edmundo de Ory. No gustaba de los premios, ni de las entrevistas y tampoco de los homenajes, aunque asistió a alguno. Le gustaba querer pero no gustaba de los huecos aduladores o fanáticos de su persona u obra. Se alejaba del mundo para querer al mundo y para crear sus mundos y ofrecerlos cálidamente.
Creador de uno de los “ismos” más extraños y controvertidos de los últimos que surgieron en Europa y el menos difundido. El Postismo. El movimiento postista llegó a México en el año del 2008, en una coedición de Editorial Andrógino y Ediciones sin nombre. Carlos recibió emocionado el libro La mano en la espalda, que reúne los cuatro manifiestos postistas. El primero de ellos se publicó en Madrid en 1945. Año del lanzamiento del Postismo.
La relación de Ory con México siempre estuvo presente: “Pues, yo mismo, Carlos, sé mucho de México y su poesía desde mi niñez gracias a mi padre Eduardo de Ory. Cuando estuvisteis en casa, "el otro día", no se me ocurrió poner ante vuestros ojos el precioso libro de oro de mi padre, edición de M. Aguilar, Madrid 1936, titulado como tenía que ser ANTOLOGÍA DE LA POESÍA MEXICANA. Por orden alfabético desde Acuña (Manuel) n.1849, hasta Zayas Enrique (Rafael) n. 1848. La dedicatoria dice: "A la memoria del inmortal poeta AMADO NERVO mi inolvidable y gran amigo.
E de Ory"”
Efraín Huerta y Octavio Paz, enviaban sus libros a Carlos. Él gustaba más de la poesía de Efraín Huerta. Para mí fue muy grato encontrar en la biblioteca de Huerta cuatro libros de Ory dedicados al poeta mexicano, con esa forma tan llena de colores y de figuras que tenía costumbre hacer en la portadilla de sus libros dedicados. Otros poetas mexicanos que conocía Ory eran: Pedro Damián, Víctor Monjarás, Mario Santiago Papasquiaro. Incluyendo el gusto por la poesía de Roberto Bolaño y de Bruno Montané, que vivieron un tiempo en México. Gran lector de poesía, recomendaba leer un poemario no como se revisa un almanaque, sino había que practicar el brinco de poema a poema, en diferentes días y a distintas horas. Leer uno o dos, cerrar el libro, acomodar el poema en el espíritu y después volver al poemario, abrirlo y dejarse llevar por la luz o la oscuridad del poema en turno. Y así hasta concluirlo en algún momento.
Cuando lo busqué en su casa de Thézy, él estaba solo y abrió la pequeña ventana de su puerta, y después de identificarnos, comentó: que era, yo, más inteligente que los gaditanos. Por haber dado con él, con Laura y la dirección de su casa sólo siguiendo la intuición y los mapas cósmicos de los vasos comunicantes. Le observé sentado en su sillón y comenté que al verle tenía unas ganas inmensas de llorar de gusto y él me dijo que: “si Homero no censuraba a los hombres que lloran tampoco él lo haría” después me pidió que leyera uno de mis poemas. Le gustó. Después me bautizó como un: extriste o como el ogro inteligente. Palabras, era un excelente malabarista de palabras e imágenes. Y como Byron un gran coleccionista de palabras y también de caballos, juguetes y otros objetos de magia o de arte.
No podría elegir a uno de sus libros como favorito. Todos me hablan, todos me seducen de forma distinta. Sus cuentos, poemas, ensayos, todo tiene ese algo especial de lo magnífico. Pero existe algo muy particular y casi embrujante, en sus diarios. Sus diarios son poesía pura de donde nace la vida y la muerte. Tal belleza sólo puede pertenecer al jardín de un genio. Y lo digo con la certeza y seguridad de que es verdad. Un genio humilde. Sus diarios, que detalladamente nos muestran paso a paso, hora a día, las vicisitudes que el poeta tuvo que pasar para encontrarse y cumplir su hermosa misión aquí en la tierra y en la literatura.
Una vez le escribí quejándome de la indiferencia de algunos poetas mexicanos hacia diversos temas o quejándome sobre la corrupción de ciertos poetas, él me contestó: “La poesía si verdadera se paga. Platica más con los poetas muertos que con los vivos.”
Dormí junto a los cuadernos forrados de negro en donde escribía su diario. Los originales que cargaba de un lado a otro, de un país a otro, de un estado de ánimo a otra visión. Hasta que por fin se instaló en Thézy: “Vivo en Francia desde hace mucho tiempo. En París, ya lo sabéis por el Diario. De París me trasladé a la capital de Picardía, Amiens desde 1967 y con Laura mi compañera, pintora, desde 1972. Vivimos desde 1990 en una aldea llamada Thézy-Glimont a 13 km de Amiens en casa propia.”
Cádiz, Madrid, París, Perú, Amiens, vieron ir y venir al poeta en alegre y a veces trágico, desde la visión poética, periplo. Lo constante era su poesía, su sino, su genialidad jocosa. Su amor por los amigos, siempre rodeado de amigos y gente que le quiere. Y él a su vez queriéndolos a todos. Como el mar abraza, como la tierra recibe, como el cielo dignifica la claridad de la frente. Carlos Edmundo de Ory era un mundo de entrega. En lo personal pasear por entre las tumbas y jugar a decir palabras serias, alegres, apesadumbradas, luminosas, fue una lección de vida y de literatura. Jugar para saborear el lenguaje. La bella pronunciación de las cosas junto a un demiurgo.
Con Carlos y Laura compartimos libros, poemas, viajes, collages, e intercambiamos visiones, gustos, sueños, palabras. En el 2004 comenzamos un diálogo que Carlos llamó, en uno de sus mensajes, diálogo peregrino. Y eso es nuestra larga plática. Un diálogo peregrino. Que afortunadamente continúa. Seguimos conversando: Laura, Carlos y yo. Continuamos con el ir y venir del mensaje, de poemas, de pulsaciones que imagino, compartirán los muchos otros lectores. Quien se acerque a su obra comenzará, como yo lo hice en algún momento, a conversar con este bello poeta. Poeta humanamente humano que me sonrió un día y que no ha dejado de hacerlo. Poeta que me abrió su casa, su poesía y su corazón. Que me presentó a mí mismo como poeta, que me enseñó que siempre se puede mostrar uno de muchas formas pero que sólo se puede ser uno mismo de una sola manera: Fiel a la pulsación creativa, fiel al poema.
Carlos y Laura escribieron: Sabed, ojos míos, ajos míos, hijos míos, que Karl Borromäus y Laura de Noves, novios diarios y nocturnos, paganos de la luna y el sol y el arco iris, os quieren
mucho
mecha
macho

y esperan que nos veamos el día siempre pensado

Carlos y Laura

Marco Fonz
Marzo, 2011, México

Celebración y canto para Cromwell Castillo poeta de la "Estética de las revelaciones"

2011-10-17T10:41:00.000-07:00

NUEVA PUBLICACIÓN DE CASCAHUESOS EDITORES: “ESTÉTICA DE LAS REVELACIONES” DEL POETA PERUANO CROMWELL CASTILLO

Tenemos el agrado de anunciar la publicación de Estética de las revelaciones del poeta peruano Cromwell Castillo. Se trata del primer libro de uno de los poetas más interesantes aparecidos a inicios de este siglo, pues anteriormente sólo había publicado en edición conjunta con el grupo Signos de Lambayeque. Esta primera publicación viene acompañada de tres sendos comentarios: César Eduardo Carrión nos dice que en el libro “habita una voz grave que testimonia el transcurso por el mundo de alguien cuya mirada penetra paulatinamente en la Naturaleza. Pero esta poesía no se deja abatir por la dictadura de las evidencias, no se trata de una estética realista. Ante todo, su Realidad está constituida por el decurso de un lenguaje simbólico, el hallazgo de una voz imaginaria”; José Donayre Hoefken anuncia que “el mundo visible, en manos de Cromwell Castillo, se podría resumir en la vieja teoría de los cuatro elementos, que explicaban poéticamente una cosmovisión. Pero este poeta, a través de su Estética de las revelaciones, al igual que el sabio Empédocles, enraíza su interpretación de la realidad a partir de dos pulsiones que marcan cadenciosamente el ritmo de sus descubrimientos y asombros”; y Marco Fonz sentencia que es “una buena forma de mostrar a los viejos elementos, que parecían ya no tener nada qué decir. Versos afortunados de tener a Cromwell Castillo como poeta e interlocutor de esas bellas imágenes”. Cabe precisar que este libro será presentado en el marco de la Feria Internacional del Libro de Quito. Aquí un adelanto del libro:
4
La noche nos absorbe como guarida prehistórica. Energía expansiva que cierra párpados rebelando distancia. Éxodo de luna reflejada en el fango:

Cuarto menguante —canto bastardo— / luna llena —atributo deforme—.
Creciente júbilo donde nadie danza alrededor de árboles milenarios.
Savia nueva que sella bocas y caminos donde nadie espera escapatoria.

El cuerpo sostiene con el filo de la duda una cabeza cercenada hace mucho. Sólo extremidades nos otorgan la ventaja de perdernos, escudriñar en el mismo fango la sequedad del tiempo.

Oh, tierra; oh, aullido de la dación ocasional.

[Sacudir tu corteza no es desvanecerme para saber que penetro una escritura improbable.
Florecer en ti es columpiar mi locura en alambres de púas: Retorno a la fe de los desposeídos].

SOBRE EL AUTOR:
Cromwell Castillo nació en Lambayeque-Perú, en 1981. Es miembro fundador del Grupo Literario Signos. Como artista plástico es representante de “El espacio del arte: Galería de arte contemporáneo”, en Lambayeque. Es autor de Agua y Transfiguración o el sonido —libros incluidos en Signos (Chiclayo, 2007)—, ¿Dónde acaso es camino? —incluido en libro Demolición de los reinos (Lima, 2010)—, y la plaqueta Fuego (Arica, 2010). Forma parte de la Colección de Nueva Poesía Peruana Cuervo Iluminado (Pájaros en los cables editores. Lima, 2010). Trabajos suyos han sido publicados en revistas impresas y virtuales de Perú, Venezuela, Chile, Argentina, Colombia, México, Brasil, Estados Unidos, España y Francia. Dirige el blog Gambito de rey.

Testimonios sobre Marcos Kurtycz

2011-10-06T09:53:00.000-07:00

Conversación con Patricia Sloane
A Marcos le encantaba alterar el orden. La primera vez que nos vimos fue en casa de Fernando Ortiz Monasterio y de Rosalba Garza. Marcos hizo un performance en el jardín. Le encantaba la idea de épater le bourgeois. Has de cuenta que en vez de invitar al mago, Marcos era el entertainer de la fiesta. Siempre con un discurso subversivo, y claro, con el riesgo de incendiar la casa con todo e invitados. Eso ocurrió a finales de los setenta pero mi verdadera relación con él fue posterior. Yo tenía la galería Sloane-Racota y hay que reconocerlo, estábamos dominadas por las ideas estéticas de Alberto Gironella, pareja de Sanda, mi socia, ideas que no comulgaban en lo más mínimo con las de Kurtycz. Cuando Sanda dejó la galería fue cuando Marcos se acercó más al espacio debido a su amistad con Rosalba, mi nueva socia. Ni por asomo lo hacía para ser representado por la galería o cosa por el estilo.

Me impacta la ignorancia en que estábamos sumidos en el país. Fernando Gamboa era el gurú. El INBA dominaba con su discurso oficial. Por otro lado, existía el grupo de “los rupturos”. Era, en su conjunto, un mundo que no hacía contacto con el exterior. México, en este terreno, era una burbuja auto referente y desconectada del resto del planeta. Lo que vino a romper ese estado de cosas fue, en cierta medida, la revista Artes visuales que hacía Carla Stellweg. Ella nos descubrió una serie de eventos artísticos en Nueva York o en centros europeos que nos abrieron los ojos para darnos cuenta que había todo un mundo más allá de las ideas de Fernando Gamboa.
Marcos Kurtycz en todo ese contexto fue un precursor. La artista cubana Ana Mendieta, por ejemplo, ya había estado en México pero pasó de noche. El gran crítico era Juan García Ponce, limitado en su gusto (como cualquier crítico) volcado en atender a nueve pintores a quienes seguía en todo. Me refiero a los integrantes de “la ruptura”.
Una galería que quisiera vender jamás promovía prácticas alternativas o callejeras. Los espacios eran mínimos. Recuerdo que un día Marcos Kurtycz se les presentó en una inauguración a las Pecanins. Llegó con uno de sus desplantes habituales y ellas sintieron que les había estropeado su fiesta. Nunca lo vieron con ojos de artista. Su propuesta no era parte de un mundo “aceptable”. Había algunos creadores como Gurrola o Jodorowsky que habían irrumpido en el orden impuesto por Bellas Artes. Eran iconoclastas de hueso colorado y por eso no entraban en el mundillo de los artistas que giraban alrededor del discurso del tipo “cuidemos nuestro patrimonio” Artistas como Marcos Kurtycz eran totalmente marginales, indignos de voltearse a ver según los cánones nacionales. México casi no participaba del arte universal. Algunos artistas menos convencionales fueron atomizados por Bellas Artes. Por ejemplo, Maris Bustamante, Ricardo Rocha, Felipe Ehrenberg y ¡hasta Sebastián!
Por ese entonces Marcos llegó a México pero no interactuaba con ellos.

El discurso de Marcos tenía una carga política en Polonia, aquí no. Durante años estuvo de clandestino, sin papeles, no podía hacerse muy visible. Cerca del 83 o del 84 a raíz de mi propio instinto y de ver, de escuchar, entendí que Marcos era un iconoclasta distinto. Hizo tres eventos de performance en la galería. Nosotros ofrecíamos algo que quizás él no tenía en ese momento: una credibilidad (que habíamos construido a través de otros artistas). Y él venía a hacer lo que le daba la gana. Era un tipo muy informado, muy obsesivo y sí, tenía su vanidad. Para ser performancero hay que tenerla. La esencia de Kurtycz no era ser un artista formal ni un hombre de teatro, sino romper moldes, levantar cuestionamientos, obligar a la reflexión.

La parte de la invención jamás tuvo el móvil del dinero. Era un tipo muy privado, no se dejaba seducir por el poder. Las relaciones las establecía él porque le interesaban y era hábil y sabio para hacerlo, un hombre absolutamente seductor. El te escogía.

Ahora Marcos Kurtycz es un ser mítico para las nuevas generaciones. Poca gente lo conoció porque Marcos no iba a los reventones ni a las inauguraciones (a no ser que fuera a presentarse con alguno de sus performances. ¿Sabes qué más tenía Kurtycz? Una tesis acerca de la comunicación. Sabía cómo mandar un mensaje, cómo asegurarse de que lo recibieras, eso es una parte fundamental de su obra. Al ver sus envíos, a pesar de ser invasivo, no podías resistirte a abrir ese mensaje. Otros artistas hacen lo mismo con la cámara: irrumpen en tu intimidad, eso es algo que literalmente Marcos lograba valiéndose del cartero y del servicio de correos.

En alguna ocasión yo le debía dinero y no lograba juntar para pagarle. El jamás te llamaba para eso. Sólo se aparecía. Su forma de irrumpir era muy peculiar, como un auténtico felino, sin hacer ruido, con cautela, nunca lo escuchabas llegar. Ese día llevó su hacha a la galería y se sentó frente a mi escritorio sin decir palabra. Yo, en cambio, hablaba sin parar, explicándole más de la cuenta mis motivos y justificaciones. El seguía sin emitir sonido y yo cada vez más intimidada. De pronto alcé el teléfono y hablé al banco para que me prestaran dinero, pero no lo conseguí . Mi angustia era tal que me paré de allí y lo dejé solo con su hacha en mi oficina. Salí a la calle y por suerte me encontré a Carlos Payán que me vio acercarme con mala cara. Pues qué te pasa. Pues tal y tal y fíjate que arriba está Marcos Kurtycz sin moverse.
Me acompañó y sí, en efecto, pudo constatar que seguía sentado con su hacha. El aire podía cortarse con tijeras. Payán tomó el teléfono y pidió al Uno más uno que le llevaran dinero. No recuerdo la cantidad. El caso es que nos quedamos en silencio sepulcral hasta que trajeron el efectivo. Marcos agarró sus cosas y se fue. Llegué a estar harta de Marcos Kurtycz, de su exigencia, de sus demandas, pero nunca era de los que llamaban ocho veces al día, eso jamás. Lo suyo era exigir tu entrega. A cambio había recompensas que te llegaban si eras receptivo a sus propuestas maravillosas.

En una ocasión hizo un performace en la explanada del Museo Tamayo. Se trataba de una obra autobiográfica como mucho de lo suyo. La parte plástica de Kurtycz pertenece a una iconografía exterior. Por ejemplo, su tipografía, los objetos que fabricaba, el uso del hacha, los sellos y todo aquello que se vincula a su formación gráfica polaca. Luego está el rostro del abuelo que se repite en los impresos. El abuelo judío víctima del nazismo. En el citado performance llegó al bosque de Chapultepec con un carromato como los de los hot-dogs. El carrito se iba desplegando y metafóricamente se expresaba la casa familiar con una mesa que representaba la cocina. Así iba narrando la historia de la familia. En esas estaba cuando comenzó a caer una tormenta. Dejamos de oírlo. En ese momento sacó de algún lugar un pollo desplumado y comenzó a aventar los pedazos a su alrededor. En un performance nunca sabes lo que va a pasar. La sorpresa fue que comenzaron a acercarse las ratas para comerse los pedazos de pollo que él arrojaba mientras nosotros permanecíamos bajo la lluvia. Era de noche y sólo había una luz alumbrando a Marcos y a su carrito. Todo muy teatral. Como él, como su voz, su acento, su forma de seducir a la gente. Su performance de contenido autobiográfico acababa por reflejar la realidad exterior aunque estuviera hablando de la intimidad de su existencia. Y no cualquiera lo logra.
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Conversación con Alejandro Luna
Seguramente conocí a Marcos Kurtycz a través de Ludwig Margules. Y casi desde el primer momento trabajamos juntos.

Recuerdo varias cosas. Por ejemplo, en la obra Lástima que sea puta, se le ocurrió usar un acrílico transparente que puso sobre lo alto de un andamio y allí, sobre esa superficie, trepó a los actores para tomarles fotografías de abajo hacia arriba. Los actores se veían en la imagen flotando en el aire. Sabía colocarse allí, donde nadie más había tenido un punto de vista. Lograba adueñarse de una perspectiva casi imposible. Los actores salían en esa imagen con el vestuario de la obra, responsabilidad de Fiona Alexander. Cada obra de teatro con él era otro experimento. Siempre nos divertíamos haciendo y deshaciendo.

Marcos Kurtycz, antes que cualquier otro, hizo performance en nuestro país. Nadie conocía entonces esos lenguajes, él fue el primero. Después, en el futuro, el tiempo lo alcanzó.

Un día lo llevé a una cena muy formal. El llevaba puesto un saco y en el bolsillo , en vez de pañuelo, un pescado. Una imagen inquietante. Así fue Marcos Kurtycz, con el pescado en el bolsillo y con un hacha en la mano. Saludaba con caravanas, con inclinaciones. Imagínate la escena. Todos en esa cena eran muy propios y se hicieron como que no pasaba nada.

En la ópera Reik’s progress de Igor Stravinsky, con un libreto del poeta W H Auden y cuya puesta en escena estuvo a cargo de Ludwig Margules en 1985, yo me ocupé de la escenografía y Marcos Kurtycz de todo el diseño. El programa de mano, por ejemplo, era un tríptico que al desplegarse se volvía tamaño cartel y era del mismo color que el vestuario. En la puesta, hay un personaje libertino que se casa con la mujer barbada y de allí se nos ocurrió hacer un espacio de hermafroditismo con algunas cosas atroces. En Bellas Artes no les pareció mal, no dijeron nada. Hombres con senos, mujeres con sexo masculino. A Marcos Kurtycz le gustaba hacer escándalo pero, ya te digo, las autoridades no protestaron. En cambio los técnicos sí. La clase obrera es, sin duda, más conservadora. Sus gordas de calendario existen pero en el espacio privado. No en un templo sagrado como el Palacio de Bellas Artes.

Por otro lado, Marcos era muy serio en todo. En el arte, en su trabajo cotidiano. Además fue un inventor de técnicas. Por esa época me regaló unas litografías pero hechas con transfers y con fotos.
En otro sentido, era un romántico a lo Baudelaire o a lo Rimbaud. A veces un dadaísta, un iconoclasta que se dedicaba con devoción a producir imágenes. Y, ya lo dije, un precursor.

El había estado en Cuba como ingeniero electrónico. Marcos era un misterioso adrede, no te contaba toda la historia, ni esa ni otras. Supongo que en algunos aspectos llegó a México atemorizado. No tenía experiencias previas de vida en el capitalismo. Fue construyendo su personaje y lo ejerció como diseñador gráfico y como artista. El sabía de tintas, de imprenta. Mira, para el cartel de la obra Severa vigilancia, usó en vez de papel couché un cartón mina gris de aspecto muy burdo. Sabía lo que uno espera de las cosas e irse por otro lado y sorprenderte. Por cierto, en esa obra fue actor.

En De la vida de las marionetas quería tomar una huella corporal de cada uno de los actores para imprimirla, con sellos de goma, en el programa de mano. Aparecía, por ejemplo, mi mordida. De otros, se podía distinguir una boca, un seno, un puño, unas manos, unos dedos. Resultaba bastante extraño y al mismo tiempo esas huellas establecían un vínculo metafórico con la obra de Bergman, también dirigida por Margules.

Kurtycz estuvo conmigo cuando yo trabajé con Gurrola. Por ejemplo, para el estreno del Teatro Juan Ruiz de Alarcón, él hizo el cartel. En otras palabras, si yo hacía la escenografía, Marcos estaba conmigo y así fue desde que llegó, desde que nos conocimos. La obra con la que se estrenó el Teatro fue La prueba de las promesas del propio Juan Ruiz de Alarcón. Nos dieron un mes para poner la obra. ¡Una locura! Para asuntos de escenografía lo más español que encontramos fue el jaialai. En la primera escena salía un chango, el actor Óscar Yoldi se le veía por momentos sin calzones. En fin, nos clausuraron al mes. El cartel de Marcos era muy acorde con todo ese espíritu. Allí aparecía un Ruiz de Alarcón parecido a Hugo Gutiérrez Vega, director en ese entonces de Difusión Cultural. Cuando decidieron suspender la obra, también suspendieron a Gutiérrez Vega de esa responsabilidad.

Hicimos también algo raro. ¿Recuerdas el Instituto de Comercio Exterior que promovía a México para sus exportaciones? Bueno, nos encargaron un documental pero en realidad era más bien un comercialote. Discutimos si lo hacíamos o no. Sonaba aburridísimo. Lo que podíamos exportar eran telas, motocicletas, canicas, tubos, pintura tipo Comex, electrónica...Las empresas felices de poder promover sus productos. De modo que, cuando aceptamos, podíamos decir “mándenos un millón de globos, o un millón de canicas” Nos divertíamos mucho pero antes, claro, pusimos nuestras condiciones: usar el objeto fuera de su contexto tradicional. Por ejemplo, había tubos de cobre. No íbamos a enseñar en el documental para qué sirven los tubos, ¿verdad? Entonces nos pusimos a hacer esculturas gigantescas o a construir un instrumento musical. Luego, para el anuncio de telas llamamos a unas modelos guapísimas. Yo sabía más de cine y a Marcos se le ocurrían las ideas más locas. El anuncio de la pintura, por ejemplo, en vez de estar aplicada sobre un muro, Marcos la comenzó a derramar sobre un bastidor. Primero echaba el amarillo, luego el azul y así hasta que se formaba un cuadro. Es la serie más larga, enciclopédica sobre comerciales que puedas imaginarte. En una ocasión pedimos permiso para treparnos al techo del Palacio de los Deportes. Las modelos subían con nosotros. Llevábamos grúas. La serie se llamaba “México exporta”

En Polonia, y eso lo traía Marcos en la sangre, existe una tradición distinta a la nuestra. Un diseñador está más ligado a la pintura, a la plástica. Lo mismo hacen escenografía, vestuario, cartel. En México no existe esa costumbre. Marcos Kurtycz abarcó, como el artista que fue, distintos registros y todos con una inventiva y un sello inconfundible.
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Conversación con Helen Escobedo
Marcos Kurtycz era un hombre agresivo, desafiante pero también cariñoso. Después de ser un mandón y de irrumpir, por ejemplo, con un hacha, podía salirte con una sonrisa abierta, maravillosa.
Me sentí entusiasmada cuando lo encontré en la Casa del Lago. Me impresionó lo que hacía con su público. Recuerdo haber subido la mirada porque él estaba arriba de un árbol. Traía ¿cómo explicarlo? unos cinchos de paracaidista. Le colgaban unas bolsitas del cuerpo que uno no identificaba del todo. Después te dabas cuenta que esas bolsitas eran de tinta. Llegado el momento las perfora para escurrirse y chorrearse de arriba abajo. Hecho un asco se quita el equipo y no me acuerdo si se mete al lago en cueros o si sólo en paños menores. Ahí, en el lago, se limpia. Por supuesto, había elegido unas tintas que no dañaran las aguas.
Marcos Kurtycz fue un precursor de esos lenguajes. Un día en el Museo de Arte Moderno, después de haber tenido muchas conversaciones de proyectos en común que nunca aterrizamos, llegó hecho una furia. Yo estaba apenas hallando mi lugar, enterándome de lo que había qué hacer, era nueva en la dirección del Museo.
El irrumpe en mi oficina y pega un manazo en mi escritorio. “Te voy a bombardear”-me dice. “Un año entero, los 365 días”. Dicho esto se da la media vuelta, pega un portazo y se va.
Al día siguiente recibí la primera llamada “carta bomba” al Museo de Arte Moderno. Eso significa que no la mandó por correo postal como la mayoría de las subsecuentes que envió, religiosamente, durante un año completito. Muchas llegaron a mi casa de San Jerónimo. No exagero. Una cada día. Sin fallar. El cartero veía aquellos sobres con sellos y cosas y seguramente pensaba que era la correspondencia de un amante. “¿Qué, seño....ya le llegó otra cartita?”
A veces no tenía tiempo ni para abrirlas, se me iban apilando. El temperamento de las cartas-bomba era variado: a veces poéticas, a veces rabiosas, a veces grotescas: nunca sencillas. El sobre podía venir plano o así de choncho, en tal caso sabía que el papel traería un sinfín de dobleces. Con decirte que una de las serpientes enviadas, de puro papel doblado, mediría, no sé, unos dos metros.
Te confieso que no sabía qué hacer. Si darle las gracias, si contestarle, si iniciar un diálogo a partir de sus bombardeos: decidí no hacer nada.
Algunas de las que llegaban al Museo las apilaba en una caja de cartón y apenas me las devolvieron hace algunos años. Al salir del Museo olvidé sacar esa caja de allí. Como te digo, fueron tantas, nunca falló, ni un solo día siquiera...

Marcos había iniciado una relación conmigo tiempo atrás, en los años en que dirigí el Museo Universitario de Ciencias y Artes (MUCA). Creo haber entendido lo que él se proponía hacer e igualmente sé que él se vinculaba con mis propuestas. De alguna manera me convertí en un factor de empuje para su tremenda creatividad o al menos para esa en específico. Déjame decirte que él jamás se atrasó en el envío de sus bombas. A veces creo que cuando se ponía a fabricar esas cartas hacía varias a la vez. No lo sé, pero a mí jamás me llegaron dos juntas, hecho que hablaba bien del correo postal mexicano, años antes del ciberespacio.

Un día en el MAM estábamos en plena inauguración. Presentábamos diversos libros de artista. De repente se acerca el guardia y me dice: “Maestra, llegó un loco con un hacha”
-“Déjelo pasar”. Yo sabía que era él. Entró con su overol color blanco cargando su hachota al hombro. En el otro brazo llevaba una caja grande de madera. Así entró gesticulando y murmurando quién sabe cuánta cosa. De pronto, en una esquina, deja caer su cargamento con un ruido seco. Lógicamente nos atrapó. Comienza así a desplegar su objeto: saca el poste de una silla como si fuera una pata. Una parte de la caja la convierte en el asiento y él, por la postura que toma, se convierte en silla. Por el respaldo se asoman sus ojos (porque él queda detrás). La silla, por decirlo de alguna manera, está amarrada a su cuerpo. En esa posición comienza a llamarle al guardián con señas de “siéntese, cabrón, si no lo voy a aplastar”. Finalmente alguien más se sienta en sus “rodillas-silla”, creo que fue Macotela, no estoy segura, Luego ensayan otros y otros más. Por ahí andaba su nena de unos cinco años. En eso se le acerca un reportero y le hace la clásica pregunta de -maestro Kurtycz, usted ¿qué está representando?” Silencio. -Mire, es una entrevista para el diario... No obtiene respuesta. -Señor Kurtycz, lo estoy grabando. Y así sigue y sigue intentando lo imposible hasta que Marcos jala a la niña del vestidito y quizá le dice algo al oído o quizá ella por sí misma, no me acuerdo bien, le responde al periodista de modo contundente ay. pero ¿qué no ve que las sillas no hablan?”. Dicho esto, Marcos recogió y dobló sus cosas y se fue sin decir palabra. El público quedó encantado y el reportero como chancla.

Años más tarde yo puse una instalación en Chapultepec. Eran 100 metros de un camino de basura, allí, donde caminan los paseantes del parque. La basura estaba recién pintada de negro para que se viera quemada.
Estaba a punto de inaugurar cuando veo a un tipo en estado lamentable, sentado en la basura misma. Llevaba un sombrero gris, tejido. Me le acerqué a pedirle que se moviera. No se inmutaba ni me respondía. “Lo voy a tener que sacar, señor, estamos por inaugurar”. Me acerqué aún más cuando este hombre volteó para enseñarme la otra mitad de su cara. Estaba con vendajes en el cuello. ¡Eres Marcos! ¿qué haces aquí? Salte inmediatamente. Esto te va a hacer daño, te vas a infectar, ¿qué no ves que es basura? Lo acababan de operar de un tumor en el cerebro. Se levantó erguido, sin mirarme. Traía una pancarta en defensa del bosque y comenzó a repartir tarjetas de “cuidemos el bosque” o algo parecido. Hizo su performance y se fue, como siempre, sin decir palabra. Alguna vez le comenté a Ana, su mujer, que después de su operación, Marcos parecía más sereno. Me daba la impresión que era más fácil hablar con él. Ella me dijo que no. Sea lo que fuere, Kurtycz creó una dinámica muy particular, le llegaba mucho a los chavos: a los de mi generación, no tanto. Yo fui testigo de cómo inspiraba a artistas más jóvenes, en cambio los mayores no entendían su aparente violencia. Adoraba trabajar con fuego, por ejemplo. Marcos era un artista fuera de convenciones tanto como diseñador, performancero y seguidor de su propia pasión y energía.

A veces me imaginaba que su casa era un tilichero y así se lo expresé alguna vez a su mujer. Eso era fácil de deducir al ver los collages, lo que iba juntando para sus obras, para sus cartas-bomba. Podía imaginar todo lo que guardaba en su casa. Supe que tenía hasta serpientes.

Marcos Kurtycz no fue acogido por instituciones, simplemente porque no les interesaba. No fue comprendido en su momento. Su público era acotado: gente joven. Sus seguidores eran setenta, cien personas. Era en toda forma, un maravilloso artista de culto con una ética inquebrantable.

Alguna vez, un artista conocido, contemporáneo suyo, llegó a la Tate de Londres enfundado en una máscara. El guardia lo paró y le dijo que así no podía entrar. El artista pidió hablar con el director. -Dígale que llevo esta máscara porque tengo la cara quemada- le dijo para lograr su cometido. Eso es algo que Marcos Kurtycz jamás hubiera hecho, ¿me explico?

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Conversación con Flora Botton
Marcos, más polaco que el vodka, conoció a Mercedes, su primera mujer, en Cuba. De allí se regresó a Polonia y ya después se vino a México. Hablaba algo de español por su estancia en La Habana. Tenía un talento brutal para las lenguas. Aprendió a escribir más que correctamente inglés y desde luego español. Lo conocí en el Centro Deportivo Israelita, lugar que ninguno de los dos solía frecuentar. Estábamos haciendo un disco LP con textos del Popol Vuh y Marcos iba a diseñar la portada. Te hablo de 1973. La grabación se prolongó muchísimo y salimos muy de madrugada. No me acuerdo qué pasó pero volvimos a vernos. Supongo que me pidió mi teléfono a algo así. Enseguida descubrimos amigos en común, a Ludwig Margules por ejemplo y a tantos más que hasta nos parecía extraño por qué tardamos tanto en conocernos. Me enamoré perdidamente de él, tanto así que al mes ya vivíamos juntos. Nos pusimos a buscar una casa todos los días y la encontramos en San Ángel por pura casualidad. Había un letrero miniatura que decía “se renta”. Al entrar a conocerla supimos que nos íbamos a quedar en esa casa y así fue durante los cinco años que fuimos pareja.
Marcos Kurtycz era distinto a todas las personas que yo conocía: decidido, arbitrario y sobre todo con una creatividad desatada, enloquecida. Era un remolino, no paraba ni un segundo.
Antes de mudarnos, Marcos fue a visitarme al departamento de la colonia Condesa donde yo vivía. Llegó con Anna, su hija de tres años. Todavía recuerdo el impacto de su presencia.
Anna es mi hija y la hija de su madre. Sus hijos son mis nietos y en cualquiera de los destinos donde ha vivido yo la he ido a ver. Soy su segunda mamá y ella mi única hija.
De Marcos me cuesta trabajo hablar. Lo quise muchísimo y siempre nos seguimos viendo. El fue parte esencial de mi familia aunque ya no éramos pareja. Recuerdo cuando se murió mi perro. Marcos vino por él y se lo llevó a enterrar. Una vez una rata se metió a mi casa ¿y a quién le hablé? ¿ a los fumigadores? No, a Marcos. Alguna vez choqué y Marcos me dejó su coche. Marcos por allí y por acá. Sin embargo, como pareja fuimos un desastre. A cada rato movía los muebles porque siempre necesitaba disponer del espacio para sus cosas. Como huracán y torbellino era tremendamente invasivo, pero también puedo asegurarte que así, con intención, nunca le hizo daño a nadie. Podría llevarte entre las patas pero no con ganas de fastidiar. Durante el tiempo que vivimos juntos por suerte no tuvo su época de las víboras porque yo les tengo fobia. Aunque cada quien hacía sus cosas yo solía involucrarme en sus proyectos. Sacaba fotos, le ayudaba a documentar sus happenings y en alguno que otro proyecto sí participé activamente. ¿Recuerdas el Cine París allá en Paseo de la Reforma? A la salida del cine Marcos instaló un escritorio pequeñito con su silla y una máquina de escribir Lettera 22. Yo me senté de frente al camellón y comencé a escribir muy concentrada. La gente se acercaba a ver qué estaba yo haciendo mientras Marcos tomaba fotos del suceso. Si me preguntaban qué hace usted, yo escribía qué hace usted, si me preguntaban si trabajaba en una oficina escribía tal cual la misma pregunta. En este mundo tan ordenadito, tan lleno de reglas, someterse al torbellino Marcos Kurtycz era algo extraordinario. El final de nuestra vida en pareja fue catastrófico, típico de cuando la gente se quiere pero ya no puede estar junta. Siempre mantuvimos un punto de unión en parte gracias a Anna. Y todos, hasta la mamá de Anna, querían que yo la siguiera frecuentando.
En nuestra forma de vivir siempre Marcos hacía maravillas. recuerdo un domingo que estaba lloviendo. Teníamos el lavadero afuera. De pronto Marcos salió y al regresar se trajo unas vigas de aluminio y hojas acanaladas de fibra y le construyó al lavadero un techo. Necesitábamos una estufa porque la cocina sólo tenía quemadores. El horno costaba más que la estufa. Ambos teníamos vochos, así que lo cargamos en el coche de mi mamá porque era más grande. En un rato quedó resuelto el asunto porque para él resolver ese tipo de asuntos era pan comido. A cambio, todo giraba en esa casa, todo perdía su lugar, todo tenía un carácter portátil. Yo sabía muy bien que estaba viviendo con un artista de gran vigor. No había duda. Los dos trabajábamos para el Fondo de Cultura Económica. Cuando me invitaron a colaborar allá, pedí una licencia en la UNAM y entré a dirigir unas colecciones literarias. Salíamos de casa juntos y, eso sí, cada quien llegaba a otro edificio. El tenía un espacio para preparar y diseñar unas colecciones. Digamos que Marcos hacía para el Fondo un trabajo libre, sin horarios pero que le llevaba todo el día. Nos encontrábamos para cenar.

Marcos era menos amiguero de lo que parecía. Mucha gente lo consideraba un gran amigo pero no siempre eran correspondidos. De quien fue íntimo, sin duda, fue de Ludwig Margules. Hablaban mucho de Polonia, de los artistas polacos, de la forma en que cambió la realidad de su país y de las condiciones de trabajo para los artistas. Ludwig, de origen judío, le hacía bromas porque la madre de Marcos también lo fue pero se convirtió para casarse con el padre de Marcos. Se apellidaba Tiefenbrunner. A Marcos no le gustaba que lo relacionaran con ninguna religión. Yo le hacía bromas de que seguro había sido monaguillo y que Woytila le había dado clases en Cracovia.

En una ocasión hicimos un viaje extraordinario a la sierra entre Jalisco y Nayarit, a un pueblo huichol que se llama San Andrés Cohamiata, un sitio incomunicado. Fuimos con un poeta portugués amigo de Marcos muy neuras, lleno de pastillas para los nervios, para dormir, para despertar... Ese pueblo no tenía ni tiendita Consaupo. Las provisiones llegaban por avioneta. Puedes imaginar que el lugar era apartado y solitario. En ese escenario nos ofrecieron probar peyote y resultó una experiencia extraordinaria. Podíamos tocar con los ojos, el oído estaba tan sensible que era capaz de percibir el roce de tu pie contra la hierba. Esto en cuanto a Marcos y a mí, porque el portugués tuvo un viaje malísimo. Esos días fuera de la civilización, en que absorbíamos todo, fueron un regalo. Recuerdo que en pleno viaje de peyote pasamos al borde de una barranca altísima como de 500 metros. Abajo había un pueblo que estaba en fiesta. Marcos, aún en ese momento, sacaba y sacaba fotografías. Como te digo, pasara lo que pasara él nunca dejaba de maquinar.

Marcos Kurtycz se casó dos veces. La primera con Mercedes Escamilla y la segunda con Ana García Kobeh. Con ambas tuvo una hija, Anna y Alejandra. Curiosamente yo estoy muy cerca de todas ellas.
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Conversaciones con Marcos Kurtycz - Ana García Kobeh
Un día cuando trabajaba en el Foro de Arte Contemporáneo a finales de los setenta, allá en la calle del Oro cerca de La Cibeles, entró un sujeto extraño. Yo estaba en el segundo piso flanqueada por Arnold Belkin y Enrique Bostelman. El señor en cuestión vestía todo de azul ,estaba rapado y tampoco tenía cejas. Los zapatos y el cinturón estaban pintados y la camisa y el pantalón eran del mismo tono. O sea: todo azul. “¿Y ese quién es?” le pregunté a Bostelman. “Ese es puto” me contestó sin siquiera voltearme a ver. En realidad Bostelman lo conocía y lo apreciaba. De ahí la broma. Habían hecho juntos el libro de Ciudad Sahagún (que, dicho sea de paso, se ha vuelto un ejemplar difícil de conseguir).
Yo tendría entonces unos 27 años. Cuando Bostelman y Belkin se fueron de la galería me senté en el escritorio a sacar mis pendientes de trabajo. El tipo extraño se acercó, sacó de la bolsa de su camisa un libro dorado. –Ábrelo- me dijo. En las primeras hojas aparecía el dibujo de un tigre. En ese momento él le trazó arriba de las orejas un globo de esos que llevan los comics y escribió mi nombre . Volteó a verme y me dijo “el tigre piensa en ti”. Así entró en mi vida Marcos Kurtycz.

No puedo negar que enloquecí. Quedé tocada por su voz, su presencia. Me invitó a comer y allí empezó un vínculo que transformó mi vida. Duré poco en esa chamba porque durante una acción que se llamó “Muertos en el foro”, Marcos hizo una especie de “sacrificio”. La alfombra se quemó por el ácido fluorhídrico que usaba en el performance. Ese mismo día me corrieron.

Nos casamos bajo el rito maronita. Durante años me dediqué a trabajar con él en todo. Marcos tenía una vida particularmente activa en el mundo editorial, ya sea en el teatro universitario donde se encargaba del diseño y la producción de todos los programas y carteles, como en la hechura de libros. Recuerdo, por ejemplo, el cartel que sirvió para inaugurar el Teatro Juan Ruiz de Alarcón o para la obra Lástima que sea puta. En el ámbito del teatro siempre hizo equipo con Juan José Gurrola, Alejandro Luna y Ludwig Margules, pero también fue el diseñador de las obras de Manolo Fábregas. “Es mi ganapan” solía decir. Su colaboración con editoriales era amplia. Diseñó, por ejemplo, el logo de Nueva Imagen o el que hasta la fecha sigue usando Editorial Diana. Era alguien que siempre tenía las manos ocupadas y la cabeza no dejaba de girarle a toda hora. Mientras hacía el diseño de un libro, simultáneamente hacía un proyecto personal. Poco a poco lo segundo fue ganando terreno. Solía distinguir con bastante claridad la chamba del trabajo y no tenía duda respecto de las jerarquías de ambas actividades.
Paralelamente a su chamba, comenzó a producir acciones, libros de artista (hubo una temporada en la que se propuso hacer un libro diario), instalaciones. En este rubro yo estuve muy involucrada con él. Es decir, entre el 79 y el 82 el cien por ciento de mi tiempo estuve metida con esos proyectos, registraba los hechos o le ayudaba en sus acciones callejeras.
En 1980, por ejemplo, se hizo un performance patrocinado por el CREA y Canal Once que tenía un matiz lúdico. Lo digo porque la mayoría de sus acciones se recuerda más bien con un carácter estridente, ¿me explico?
En esa ocasión, detrás de un panel, cortó dos huecos, sacó los brazos y con una pluma gruesa dibujó un retrato a ciegas. Esas dos manos era lo único que estaba a la vista del público. A partir de esto, Marcos retomó el leit motiv que apareció en otras acciones. Me refiero a su infancia como polaco en la guerra y a la forma en que eso cimbró su vida. En una autobiografía escribió solamente diez líneas y la primera decía: “mi primera experiencia fue la Segunda Guerra Mundial”. Muchos de sus libros de artista remitían a su familia polaca. La rama paterna de su familia era de comerciantes de caballos y la imagen del abuelo con sombrero y traje oscuro fue muy recreada en distintas piezas.

En la vida cotidiana, durante todos los años que vivimos en pareja, permeaba siempre esa actitud de acción, las 24 horas del día. La casa y el taller estaban juntos. No había una línea divisoria que marcara dónde empezaba y terminaba esa frontera. Quienes nos visitaron durante todos esos años, recordarán las charolas que preparaba Marcos. Siempre eran una propuesta estética en la que juntaba objetos disímbolos. Traía el té y el azúcar pero con trastos ilógicos, siempre en torno a una composición. Ah. Y el té, claro, como buen polaco, servido en vaso, nunca en taza.

Nuestra hija nació en 1982. Durante sus primeras fiestas de cumpleaños, Marcos desplegaba sus mejores trucos, en ocasiones excesivos. Una vez llenó la piñata de explosivos y los niños de la fiesta lloraron de susto. En otra fiesta se subió a una antena de una altura indescriptible Puso a volar unas tiras tratadas químicamente. A la hora de colocarles un cigarro encendido, el papel se comenzó a quemar de tal forma que comenzaron a salir palomas desprendidas del papel. Era impresionante verlas volar desde lo alto. Yo casi me muero de verlo trepado a esa distancia.

Para hacer su trabajo, Marcos Kurtycz juntaba todo. Por eso nuestra casa era como la residencia de un pepenador. Imagínate, para hacer un libro diario traía, por ejemplo. todos los residuos de la imprenta. Jamás llegaba a casa con las manos vacías. Teníamos cajas de fibra para tallar los trastes, láminas de unicel, moldes de madera de una antigua fábrica de piezas para ferrocarril, miles de metros de fibra de vidrio y todo el material impreso del cual podía echar mano. Iba al centro y conseguía viejas libretas de contabilidad, hojas sueltas de libros antiguos, papeles raros, estampitas alemanas, estampitas religiosas. Más adelante comenzó la verdadera fauna: una tarántula, una viborita y después una serpiente de dos metros de largo. Vivíamos los tres rodeados de toda esa lluvia simultánea, así que en medio de todo ese caos creativo yo tenía que hacer funcionar el hecho vulgar, simple y cotidiano de comer tres veces al día.

No sé en qué año me compré un mueble precioso de principios de siglo. Aún lo conservo. Una noche cuando llegué, Marcos le había serruchado el fondo porque pensaba hacerle a la niña un teatrino.
Para fabricar sus máscaras, con frecuencia usaba mis cosas. Un día encontré una moneda griega que me había regalado una amiga, una cartera y cosas así. También deshizo un cinturón nuevecito y aprovechó la hebilla para fabricarme un collar. Tenía esa manía de transformar las cosas.

Una amiga de mi hija se quedó a dormir. Marcos quitó todos los libros y objetos del librero y colocó a las niñas acostaditas en los entrepaños para hacer una serie de fotos que hoy forman parte del archivo.
Para él la vida y la obra eran lo mismo, siempre permanecían enlazadas. Por eso se explica la presencia de todos esos elementos de acción en su vida cotidiana, en su vida familiar, de amistad o de trabajo.

Ese mismo principio estaba presente el día que lo conocí cuando se sacó de la camisa aquel libro dorado que hizo por ahí de los años setenta junto con su hija Anna. Fui testigo varias otras veces del mismo acto, como quien da una tarjeta de presentación. Cualquier persona que tenga el libro recordará esa frase tantas veces dicha y repetida: “el tigre piensa en ti”.
La vida y la obra de Marcos Kurtycz fueron eso: una misma línea de acción.

Retrato del autorretrato del poeta Iván Oñate

2011-09-13T10:38:00.000-07:00

Mi querido Poeta Iván Oñate:

Alguna vez me oí decir que uno de los trabajos de la fotografía es latir. Y desde ahí el tum-tum-tum de tu persona late como un buen presentimiento. Como el corazón azul de la poesía.
Y no es que vaya quedando poco del Oñate lo que pasa es que muda su cuerpo al poema y no es tarea fácil convertir al espíritu en un mito.
Lentes como ojos gigantes de un atlante que mira tanto hacia dentro como hacia fuera. Tuve que descargar la foto que aún mordía para ver los detalles que se esconden en el Autorretrato del Poeta.
Puedo decir que lo único real son los libros y el estante detrás del cuerpo humo-carne en su transparencia de envíos. Un moderno Francis Bacon que en vez de proponer la descomposición del cuerpo; Oñate arma con metáforas del aire otro suyo que es y no es su propia imagen. Queda la actitud del desafiante; el cuerpo inclinado un poco al desafío, a la provocación, a la inquietud de quien siempre está de pie pero sonríe por dentro, se sienta, descansa, pero no es derrotado.
El color blanco cubre parte de su carne como ese Picasso que cubre en azul lo que no es negro. Y un 1901 es frío y tiembla y todavía no es Picasso. En Oñate el blanco demuestra la cálida intensión de ir desbordado en un 2011. Espuma que antecede el maremoto que provoca el poeta con su presencia. Lo invernal que precede al otoño.
Dos piernas andan por la garganta del poeta, ahí están, musculosas por el caminar constante de su voz, dándole una impresión de movimiento estático que nos lleva a otras historias de lo sagrado, a otros mundos de la nada.
Egon Schiele se expande en la hoja y muestra desnudo su arte alternando el brinco con la zozobra. Oñate, paciente, espera la mirada del espectador. Mitad él, mitad su entorno que se desvanece. Mitad la carne, mitad la tela: producto de tiempo y paz. Dos fragmentos de pantalla son las pupilas de los anteojos. Barba crecida sin rasurar y cabeza recién afeitada como si un joven monje budista comenzara a habitar el reino del poeta. Tal vez si hubiera una venda, tal vez, si existiera, sabríamos que este hombre sufre mutilado como un Vincent van Gogh.
Pero en donde hay mutilación nace la epifanía, y en donde reina la imaginación nace la paciencia como poeta. Como Oñate.
Leonardo mira a la derecha como si su lado izquierdo lo empujara, Oñate mira de frente; eso queremos creer que hace detrás de los anteojos. Mira de frente como si estuviera inventando el futuro y nos dice como Durero: Ecce Homo. De frente y sin sonreir. La mano de Durero descansa leve sobre su pecho, las manos de Iván viven en el misterio.
Todo el mundo alrededor del poeta son sólo fragmentos como en el autorretrato de Max Beckmann. Fragmentos que son símbolos de destinos posibles. Junto al poeta Oñate un respaldo de silla se asoma por su izquierda y un fragmento de lámpara medio alumbra apagada, medio se presenta sobre unos papeles y objetos indefinibles que reposan sobre una esquina de una pequeña mesa. El símbolo a quedarse en el oficio del escritor, luz de su quietud múltiple y versátil. Locomoción de lo estático. Imaginación del asiento, abismos de lo solo. A la derecha del poeta Iván un fragmento de puerta. Madera oscura-dura trabajada con arte e invitación a salir, al viaje, al misterio de no saber qué hay detrás de ella. Irrealidad y sin sentido, la salida da a la aventura, a las respuestas, al soliloquio del hablante. Puerta madura ya por el uso y trabajo de protejer identidades y secretos. Puerta que tal vez sólo da al baño o puerta que tal vez solo da al espacio. TODO es imaginado en el autorretrato del Poeta Iván Oñate, menos los libros que se asoman por detrás de él. TODO es imaginación y símbolo en el autorretrato del Poeta Iván Oñate.
Un pequeño detalle se me escapaba mencionar, una luna llena le crece al vidrio noche en el lente derecho del Poeta. Anuncio de buenos augurios. Tal vez hay tristeza en su gesto, pero: ¡que alegría la tristeza!

México de los palacios del aire
Septiembre 2011

No viven, arrastran de Iliana Vargas

2011-09-08T10:24:00.000-07:00

Buscando lo que no buscan: desarmarse sin saber que se desarman. Llorando lo que creen que no lloran: trastocan el invento, deslumbran sus propios ojos colgados de los árboles, secan el fruto recién esperanzadamente parido. No persiguen lo que persiguen obstinadamente: son incapaces de dejarse en paz la costra que, hecha para no olvidar el dolor, da comezón a diario. No dicen lo que estalla en sus párpados caídos en la luz de la nostalgia: gritan, acusan la imposibilidad de desempantanarse, de avanzar con las piernas y el cuerpo limpio, con la arañada conciencia en vías de regenerarse. No añoran lo que perdieron en el fuego, en el óxido, en la telaraña del desasosiego gratuito, del sufrimiento como impostura para jugar al maniquí azotado por la feroz incontinencia de la vida: no lo añoran porque lo sueñan, porque lo acunan en sus tiempos de ausencia, en sus idas al espejo: solos y vacíos. Ah! Pobres puntos apagados, enanas blancas esperando la consumación de su tiempo: no merecen ni un poco de asterisco ni satélite en mi galaxia de los puntos reflexivos. Puedo mirar sus cascarones, sus miradas autoconsumidas, sus corpulencias tintineantes e indefinidas, su inaplazable necesidad de robar a los otros lo que no pueden producir por sí mismos: sobrevivencia autogestiva. Es fácil identificarlos, incluso hablarles y soportarlos: hay que engañarlos haciéndoles creer que creemos sus engaños; no tomamos en cuenta ni sus insultos ni sus alabatorios; no nos interesamos en sus eufóricos proyectos que, como todo lo eufórico, se apaga con su propio incendio; no les hacemos ningún daño, por el contrario, les queremos, les alimentamos el ego y les decimos lo que quieren escuchar con tal de que no sospechen nunca que sabemos lo que de ellos creen que ignoramos: así son los fantasmas de reflexiones puntillosas: escarabajos cósmicos condenados a vagar en túneles que conectan cientos de galaxias: condena ganada a causa de haber sobrepasado la ruta tarifaria de vida que les fue concedida.

Entrevista a Claude Ber por José Muchnik

2011-08-31T11:55:00.001-07:00

Claude Ber
El “direcrire”
La poesía en tensión: entre la voz y la vista entre la mano y el oído

Entrevista realizada por José Muchnik
París 4 de febrero 2011

Un momento de sinceridad y creatividad, de amistad y de mesa compartida, un momento de vida, un momento para “no distinguir un apretón de manos de un poema” como dijo Claude al final de esta entrevista, recordando a Paul Celan. Nos acompañaron en este intercambio / ágape / puesta en palabras y en boca, Frédérique Wolf-Michaux (actriz, directora teatral, fotógrafa) y Ester Furmann Muchnik (psicoanalista), a ellas va también mi agradecimiento, su participación fue esencial para que este cronista “amateur” no pierda rumbo entre vientos y verbos.
JM: ¿Cómo ves / pensás la relación de la poesía con “la palabra”? ¿Qué tiene de específico? pues todos los géneros literarios tienen relación con “la palabra”.
Cl.Ber: Distingamos primero la voz de la palabra. La voz va más allá de la palabra, comprende toda nuestra transmisión sonora: entonaciones, susurros, murmullos… tienen valor significante. Alzar o bajar la voz, hablar rápido o pausadamente, tiene significación. La oralidad incluye la lengua hablada pero no se reduce a la misma.

Esta oralidad, esta sonoridad y ritmo de la lengua, es consustancial a los orígenes y a la historia de la poesía, tradicionalmente dicha, entonada, cantada y encantada. Desde las canciones de cuna hasta los salmos mortales, el poema acompaña el misterio entre el nacimiento y la muerte, los chamanes en sus danzas entonan poemas que “hablan” de los orígenes.

JM: ¿Qué relación entre esa oralidad y el “direcrire” (“decirescribir”) del que hablas?

Cl.Ber: El “direcrire” es una manera para mí de designar las tensiones inherentes al poema. Entre, de un lado, el impulso, el aliento, el pneuma griego o el ruha hebreo (donde confluyen materia y espíritu) que atraviesan el cuerpo, la carne donde el poema se encarna, y, por otro lado, el trabajo riguroso de la escritura, la distancia, el retorno crítico. Este juego de tensiones sitúa el poema entre la voz y la vista. Del lado de la voz, el aliento, la inspiración entendida en el sentido físico, inspiración como respiración, estar vivo (por oposición a expirar) , la proximidad, el cuerpo presente en la voz (boca, lengua, cuerdas vocales, pulmones …), voz que entra / vuelve al cuerpo por el oído. Del lado de la vista, la mirada, el “punto de vista”, una cierta distancia que permite apreciar / abarcar, no decimos “punto de voz” o “punto de oído”, no tendría sentido pues dichos puntos no están asociados a una distancia crítica, sino a una proximidad carnal.

Cuando hablo de “direcrire”, estoy hablando de un imaginario en que la escritura del poema sólo se vuelve interesante a partir del momento en que sentimos una tensión entre voz y vista, entre ojo y oído, entre aliento y alejamiento. Para mí son fundamentales las nociones de intervalo, de distancia al equilibrio, de “entre-dos”, es por eso que hablo del “direcrire”, que se refiere no a una conciliación entre el decir y el escribir sino por el contrario a vivir la tensión entre los mismos. El poema va intentar, en una dinámica disyuntiva, la retirada de los dos para que el otro sea, la retirada del decir para que el escribir sea y viceversa, la retirada del escribir para que el decir sea.

Privilegio el “direcrire” pues me encanta el “entre-dos”, es el lugar donde pasa algo, donde algo ocurre. “Entre-dos” es mi residencia favorita, lo que me interesa en la poesía es que es un género impuro, toca la música, el teatro, las artes plásticas … toca y palpa buscando por todos lados su oralidad primitiva, buscando como dijo Artaud su “voz de antes de las palabras” . Me encanta habitar la tensión de la poesía entre la lengua representada por la voz y el discurso crítico representado por la vista. No me gustan los poetas espontáneos, trabajo mucho mis poemas, casi hasta las comas, amo ese trabajo. Pero al mismo tiempo tiene que quedar una tibieza, lo excesivamente intelectual tampoco me interesa, no digo que no sea interesante, digo que no me conmueve. Elegí habitar esa tensión, y si es extrema más a gusto me siento.

Me falta agregar un tercer término, incluido en esa tensión: la mano. El “poïen” griego, significa hacer, un hacer cuya finalidad se haya más allá de sí mismo, no como en la “praxis”. La poesía es un arte manual, como dijo Rimbaud “la mano de la pluma vale tanto como la mano del arado”. El “poïen” es también el tacto, en su sentido más palpable, sexual, por eso podemos hablar de goce en este hacer.

JM: Para apreciar la evolución, me gustaría que nos hables de cómo sitúas la poesía actual con respecto a la oralidad, a la búsqueda de Artaud de una “voz de antes de las palabras”

Cl. Ber: Al comienzo el cuerpo del poema se encarnaba en la voz, la oralidad imponía el aliento, la memoria, como por ejemplo en las odas pindáricas (oda como significación de canto), donde la forma expresada en estrofas, antistrofas, epodas, tenía función didascálica, es decir una didáctica para la puesta en escena del poema. Cuando la poesía cantada, expresada en voces, movimientos, ritmos, “entra en el libro” se torna más rígida. Las reglas y formas del soneto muestran por ejemplo un aumento de los requisitos a respetar, una rigidez progresiva del poema escrito. Pero al mismo tiempo las reglas y formas de la poesía escrita están alimentadas por el “cuerpo primitivo” de la oralidad, están ligadas al aliento, a los ritmos cardíacos.

Volviendo a nuestra contemporaneidad, la búsqueda de Artaud de una “voz de antes de las palabras” ha suscitado en Francia un “aggiornamento” del decir del poema y aún de la performance que marca la poesía contemporánea, incluidas nuevas búsquedas inspiradas por ejemplo en la “Ursonata” de Kurt Schwitters o en la poesía sonora. El panorama es demasiado amplio para recorrerlo en una entrevista, digamos por ejemplo que esta “nueva importancia” de la oralidad va conducir a Serge Pey a situar la poesía bajo el signo de la lengua arrancada de Filomela cuando escribe “Filomela inventa la escritura del poema con su lengua arrancada, toda página del poema es una lengua arrancada a la imposibilidad del canto […] Toda la poesía es una historia de huecos donde la palabra pasa entre dos huecos, la boca y el oído” La escritura es entonces la palabra de una lengua sin boca que desea volver a la boca y el poeta recitando su texto es la metáfora realizada del poema.

Para lo poesía lo que cuenta no es decir algo sino de decirlo de una manera en cierto modo intransitiva, por eso la poesía compromete no tanto la palabra, el lenguaje hablado, sino la voz, con sus matices, sus coloridos, su oralidad que desborda la palabra formulada hacia el grito, el ruido, la entonación… Esto nos trae nuevamente al “direcrire” a la tensión entre la voz y la vista y a todas las combinaciones poéticas que, entre profetas y videntes, entre escuchar la voz de las musas y dar cuerpo a las visiones, conjuga todos los recursos del poema que cobran sentido en todos los sentidos, tanto por la forma, la disposición, sus ir a la línea, sus blancos, sus imágenes, los recursos sonoros y rítmicos encarnados en versos y en rimas, o no, ya que estos últimos son sólo un caso particular de la dimensión sonora y rítmica originadas por la utilidad mnemotécnica, cuando la poesía que se expresaba sólo oralmente era aprendida de memoria. Podemos situar a algunos poetas más de un lado que del otro, si tomamos por ejemplo el dúo Rimbaud / Verlaine, el primero del lado de las visiones, el segundo más bien del lado de la musicalidad de la lengua. Dicho esto aclaremos que hay que evitar las esquematizaciones: el poema utiliza todos los recursos, no hay poemas para la vista y poemas para el oído.

JM: Llegados a este punto me dan ganas de hacerte una pregunta un tanto “naïve” ¿Podrías decir en qué reside el arte poético?
Cl. Ber: La poesía es ese “milhojas”, ese hojaldrado donde todas las capas – lo sonoro, lo rítmico, lo visual, lo semántico y lo sintáxico, los tropismos y las figuras… significan cada uno de manera aislada y al mismo tiempo se combinan entre ellos en todos los sentidos. ¡El máximo de sentido en el mínimo de superficie! así podríamos resumir el arte poético, lo que no significa evaluar el poema según su medida, que puede adaptarse a los tres versos del haïku como a los diez mil de Homero. Lo que cuenta, en el poema breve como en la amplia epopeya, es el efecto de impregnación, el grado y la duración de la combustión. Lenguaje impregnado y que, al mismo tiempo, se obtiene por la depuración, el repliegue, la implacable sustracción. Si no hay riesgo de sobrecarga, y en lenguaje florido adiós la poesía…
Aumentar la carga sustrayendo, desengrasando, desecando, es el abc del arte poético, que no excluye las abundancias, los verbos potentes, la mezcla oceánica. Alcanza con que siempre el rigor de la forma haga contrapeso al impulso. Y ese “alcanza” designa un difícil y casi inaccesible “punto de poesía”. Las maneras de acceder no tienen límites.

El poema es también trampa para poesía, como esos señuelos para atraer pájaros con la esperanza que se ahí se posen. Artificio, evidentemente, sin el cual no hay arte. Y más aún: una regulación minuciosa del artificio- de la poesía- « la más elevada regulación de la lengua”, con un lado artesano relojero, inclinado con la lupa en la mano sobre su obra. La poesía se hace con lupa, hay que mirar de cerca cada signo. Pero naturalmente eso no alcanza, el arte supone el artificio, pero el artificio no alcanza para que el arte sea.

Y hablando “técnicamente”, es necesario un último “entre-dos”: que el poema esté suficientemente presente para existir y suficientemente hueco para que otros lo habiten. Boca que emite, oído que recibe. Presencia, ausencia. Si lo saturamos mucho lo amurallamos, si lo abrimos mucho deshacemos la página y la poesía pasa a través.

JM: Aprovechando que Frédérique está con nosotros y habiendo presenciado algunas de sus puestas en escena, me gustaría hacerle una pregunta: ¿en qué consiste el arte de decir la poesía? Para ser sincero aclaro la motivación de mi pregunta: más que a menudo, en festivales y ciclos de poesía, asistimos en una o dos horas a una lectura en cascada de poetas: ¡seis, nueve, doce, veinte…! Y más que a menudo se trata de un ejercicio tedioso en el que es difícil seguir escuchando al cabo de 20’.

Frédérique Wolf-Michaux: La puesta en escena de textos poéticos puede dar lugar a espectáculos excelentes, la experiencia de la “Maison de la Poésie” de París lo prueba. Dicho esto, precisemos que el decir la poesía es un arte que no es necesariamente el arte del poeta, sino más bien el de una actriz o un actor. ¿Cómo decir la poesía? Decir un texto implica conservar una distancia con el mismo. Si cargas demasiado el texto con tu afectividad, con tu emoción, la persona que está enfrente de ti no puede escucharlo. En teatro si la emoción del comediante es muy fuerte la emoción del público, del espectador, no puede existir, queda reducido a la posición de voyeur, a asistir a la emoción del otro. Hay que decir el texto de manera que tu emoción se exprese al interior y a la vez mantenerte a distancia, trabajar el oído para lograr que la emoción nazca en el otro y no en vos.

Decir un texto es trabajar el desplazamiento de la lengua, dicho así parece tonto, todos estamos en una lengua (maternales, extranjeras…), todos estamos en una lengua que compartimos y nos comprendemos a través de un lenguaje. Cuando dices un texto debes hacer emerger los lenguajes en la lengua, hacer de manera que las palabras se abran. Cuando decimos “chicas”, podemos estar diciendo: amigas, hijas, niñas, etc… En esa palabra “”chicas” podemos hacer entrar todo el imaginario que lleva la lengua en esa palabra, y que el lenguaje transporta, es eso lo que yo llamo “guardar la distancia”. Si estamos suficientemente a distancia podemos jugar con la voz y hacer entender la multiplicidad de sentidos a través de una palabra. Dar a entender un máximo de sentido en un mínimo de superficie como dijo Claude.

JM : Gracias Frédérique me parece muy interesante, podríamos organizar una futura entrevista consagrada al arte de decir la poesía. Claude ¿Qué me puedes decir de la poesía como forma de conocimiento? ¿Existe un conocimiento poético de los seres y de las cosas?

Cl. Ber: Vasta pregunta, podemos afirmar que el poïen, del cual la poesía es una de las expresiones, comparte con la praxis las dos caras de la acción humana, la praxis encuentra su finalidad en ella misma, el poïen fuera de él mismo. Sin sacralizarlo es necesario recordar su importancia en tiempos en que lo expulsan de la ciudad, donde no tiene ninguna rentabilidad inmediata. Platon ya Lo expulsaba en su época,
a los poderes, los que sean, les desagrada el imaginario del poïen y su independencia radical que obedece sólo a sus propias finalidades. Esta gratuidad aparente del poïen que, bajo todas las formas del arte alimenta esa “extraña manía que tiene el hombre de representarse”, no es para nada superficial, alimenta la representación de nosotros mismos, una representación diferente, no sometida a los imperativos de producción. El poïen no es compatible con une visión del hombre como variable de ajuste. Tendríamos, según Hanna Arendt, que explorar atentamente esta relación entre lo poïético y lo político, que pone en juego valores y una cierta idea de la verdad…

¿Hay un conocimiento poético? Yo respondería más bien como Wittgenstein que no hay más que usos de la lengua, discursos de la verdad y que ninguno está autorizado a apropiársela totalitariamente… la poesía es una de esas palabras sobre el mundo que pronuncia también su vertiente de verdad. La poesía dice lo que no se puede decir de otra manera que en poesía. Cuando así no lo hace, versifica o poetiza, es todo y de poco interés. Cuando lo logra, la poesía despliega otra cosa, una vertiente de nosotros mismos, de nuestro ser y de nuestro estar en el mundo, que podemos llamar conocimiento en la medida en que este término se distingue del de saber. Retomando el juego de palabras de Claudel este conocimiento es co-nacimiento. No conocimiento de, sino conocimiento sin complemento, del orden del ser o de la conciencia… La poesía es, pienso en Basho, un modo existir, de ser y estar en el mundo, es también una manera de explorarnos, de inventarnos

Ester Furmann Muchnik: me gustaría hacerle una pregunta a Claude ¿Qué relación hay entre el pasaje a la escritura, la pérdida y la muerte?

Cl. Ber: Gracias Ester por esta sutil pregunta. Hay duelo en la escritura, hay pérdida pero no respecto a la palabra sino respecto al arte, hacer arte es asumir la mortalidad. El arte no es algo que nos ornamenta, somos nosotros que estamos a su servicio, y luego te das cuenta que es inagotable, infinito, y yo no soy infinita, mi palabra prueba que estoy viva, mi escritura no, yo diría que es la prueba de que soy mortal, que transmito una memoria. La palabra es un presente absoluto, y en la poesía está la búsqueda de ese presente absoluto y al mismo tiempo el escaparse del tiempo. Escribir, o hacer arte, es de alguna manera renunciar al goce del instante.

JM: Qué hay de nuevo en la poesía en Francia (formas de escritura, de expresión, de transmisión) ¿Nuevas escuelas, corrientes?

Cl. Ber: La poesía no cesa de desplegar su abanico inagotable… Pero en ese plano sería mala informante, no por no interesarme a la actualidad de la poesía, todo lo contrario, invito un poeta por mes a mi sitio, sino porque esas cuestiones de escuelas y corrientes nunca me interesaron mucho como tales. Esos fenómenos de la vida literaria son necesarios, contribuyen a la renovación de la poesía y al mismo tiempo la encierran en los academismos a la moda

Los manifiestos, corrientes, escuelas… tienen la virtud cíclica de sacudir el cocotero. Lo que cae fructifica sólo por el que sabe sacar provecho. Para describir el estado de la poesía contemporánea francesa, haría falta más tiempo, como profesora de literatura podría presentar dicho panorama, pero en mi calidad de poeta no acepto. No me gusta mucho que “la escuela”, aún en su versión plural de “escuelas”, se prolongue más allá de la escuela con sus bonetes de oro y sus bonetes de burro, sus inclusiones, sus exclusiones, sus exclusividades o sus certificados de poeticidad… Que lo quiera o no, todo poema pone en escena una idea de la poesía. La obra se revela ella misma y revela donde se sitúa el poeta mejor que los discursos, siempre me pareció importante distinguir los roles. La poesía francesa va… Dónde ? En varios sentidos. Pero lo escencial es que vaya… Y ella va. Al menos como poesía. Su difusión por el contrario, sufre de una marginalización habitual hoy en día, ligada no a los valores sino a los no-valores de una sociedad neo-liberal. Al respecto podría hablar largo y tendido de los editores y de las iniciativas que inscriben la presencia vital de la poesía en la sociedad, esto me parece particularmente importante, merecería una entrevista aparte.

JM: Me dan ganas de plantearte una pregunta un poco tonta un poco provocadora: Después de todo ¿Para qué sirve la poesía?

Cl. Ber : ¡Para nada! ¡Felizmente! ¡Lo único que faltaría, que ella también sirva para algo! ¡Aunque si lo humano es evaluado sólo con relación a lo que sirve, sería normal que la poesía sea medida también por la rentabilidad, la eficacidad y el rendimiento! Pero no, mil veces no, no hay que esperar ningún beneficio de la poesía…. ¡Nada! ¡Ni una pizca de beneficio del lado de los movimientos bursátiles! Del lado del haber es pura pérdida. Del lado del ser… ¡Ah del lado del ser!... es otra cosa… para nada una historia de utilidad. ¿Para qué sirve vivir? ¿Para ser parte de los recursos humanos en la perspectiva de un beneficio exponencial? El hombre ¿tiene por finalidad de ser útil? ¿a qué? ¿o simplemente de ser, en la perspectiva de un incremento (espinosista) del ser y con una idea de lo humano que es más bien una búsqueda que una información? ¡Oh là là !, ¡he aquí que la poeta filosofea con esa “palabra valija” en que la ferretería cuenta más que la ontología. Mejor volver a mis hornallas o a mi forja poética, cuestión de mezclar de paso metáforas macho y hembras, domus y agora, y no decir más nada, salvo en poesía, que, como te decía, dice lo que no se puede decir de otra manera que en poesía. Y lo que se dice ahí es tan inútil e inaplicable como indispensable y vital… Como lo escribía la poeta Evelyne Encelot « lo humano es siempre otra cosa»… La poesía tiene que ver con esa “otra cosa” diferente, diferente a lo que deviene el hombre cuando somete su humanidad a otra cosa que ella misma.

Es en una historia de alteración y alteridad, otro de sí, otro del lenguaje, otro del otro, otro que utilitario, que el poema gana su lugar. De una cierta manera, como lo han repetido todos los poetas de todas las maneras, se trata de decir “tu” a todos aquellos que se aman como Prevert, o como dijo Celan, “de no distinguir un apretón de manos de un poema”, de reinventar sin cesar lo humano en lo humano.

Poética de la Inconexión

2011-08-23T11:27:00.000-07:00

Poética de la Inconexión

Hoy, agosto del año 2011 lanzo como propuesta estética para la poesía lo que llamo La Poética de la Inconexión ¿Qué es y qué no es?

La Poética de la Inconexión no tiene los ojos azules ni es dios en la tierra, pero baila
la danza de todos los dioses de la naturaleza en la naturaleza y en la vida artificial.
No es humana pero practica el Antihumanismo.
No es lógica y no tiene un cuerpo armonioso; le gusta lo amorfo y la teoría de la belleza
difícil y la estética de la fealdad.
La Poética de la Inconexión no parte de una secuencia razonada. Practica el error como un ejemplo de la
libertad creativa y la libertad de vida y pensamiento.
No es imaginativa, es realista.
No es escritura automática. Es un sueño en una casa llena de espejos. Un árbol del
bosque de coral negro en el cerebro del poeta.
El Poeta de la Inconexión escribe versos como el cerebro crea pensamientos:
El pensamiento no es lineal, brinca de un lado a otro en su desorden ordenado.
Con mis Poemas Inconexos de La Poética de la Inconexión quiero decir algo pero no
quiero contar nada.
La Poética de la Inconexión se vea o no, al final se percibe:
Estamos rodeados por ella –se encuentra en el aire– pero sólo aquel que tenga los sentidos alterados podrá ser parte de ella.
Si la letra, la palabra y los versos son materia, entonces los espacios en blanco de
La Poética de la Inconexión es antimateria.
Los poemas escritos bajo esta propuesta estética son escritos por varios seres en uno, asimilados, aceptados como personalidades múltiples, necesarias para acompañar estos tiempos en los que la creación se acerca más a un suspiro: la atención del artista a la obra se mantiene hasta que interviene el mínimo distractor.
La Poética de la Inconexión prefiere dar un paso a la experiencia espacial en las múltiples realidades que medir todo por tiempo y vivir en el tiempo.

Excluir a la anécdota del poema. Estamos mal acostumbrados a buscar en el poema una historia o un cuento debido a la mala lectura de la poesía y mala práctica desde nuestras bases educativas. Si quieres contar un cuento pues escribes un cuento o una novela o un micro relato:
La poética de la Inconexión deja de contar historias y cuentos pero te dice algo que resulta intangible, insaciable y necesario para la conciencia y la experiencia existencial.
Si existiera una anécdota en el Poema Inconexo se desarrollaría sin lógica ni orden.
Lo sentimental y emocional se suple por lo sensorial y visionario.
Entonces los poemas que escribo son Poemas Inconexos y pertenecen a la estética que denomino La Poética de la Inconexión.

Cambiar de dirección requiere nuevo traje y nuevo calzado. Listos los materiales y herramientas en el saco creativo, listo el camino, listo el arriesgarse, todo listo y preparado para comenzar una nueva etapa en la poesía.

Los antecedentes de los Poemas Inconexos son claros, se inventa hoy lo que en otro momento de la vida poética se llamará Historia. Y esta Historia tendrá múltiples rostros. Y uno de ellos será La Poética de la Inconexión.

Marco Fonz / México, D.F.

Poemas de Karl Marx: Mi historia

2011-07-26T12:14:00.000-07:00

Hace ya tiempo, tal vez en 1995, regresé a México, D.F. y al andar por Coyoacán me encontré con MOIEVA(Moisés Evaristo Orozco Leal). Anarquista y luchador social, trabajador en la delegación Iztacalco y lector de poesía y de buena literatura. Yo lo conocí en San Cristóbal de Las Casas y ahora lo volvía a ver después de un buen tiempo. Me dijo sonriendo y disfrutando de la vida y de la poesía que si me gustaría traducir y publicar a un poeta alemán, le pregunté de quién se trataba y él me contestó que eran poemas de Karl Marx. ¿Karl Marx escribió poemas? primera pregunta obligada para marxistas y no marxistas. Y sí escribió tres poemarios en el año de 1836 a la edad de 18 años y recién iniciado su noviazgo con Jenny Von Westphalen.
Acepté con gusto, sin saber mucho de la aventura que me esperaba. El otro personaje invitado para traducir los poemas era Francisco Jaymes, mexicoamericano, recién llegado al D.F. Moieva nos citó unas semanas después y nos dio fotocopias de los poemas de Marx que él tenía de un libro titulado: Marx-Engels. Early literary experiments. Publicado por Progress Publishers, Moscow, 1975. Y comenzamos la traducción, Jaymes traducía literalmente del inglés y yo hacía mi parte al corregir poéticamente lo traducido. Así fuimos terminando lentamente el trabajo que por medio de MOIEVA nos daba la poesía.
Fuero meses de lecturas y discuciones por parte de los tres hasta unificar criterios y dar por terminado poema por poema. Ahora el problema que se presentaba era de dónde obtener el dinero para pagar la publicación. MOIEVA pensó en hacer bonos y vender por adelantado el libro, y así lo hicimos. Los bonos los hicimos en el Angelito editores, editorial de Fausto Arrellín, y con el sello editorial de MOIEVA, Papeles con gatillo. Así terminamos de traducir los poemas de Marx y concluimos el poemario. Poemas que el papá de Marx no apoyó para su publicación y que nosotros estábamos dándo la primera versión en castellano.
Así con venta de bonos, préstamos de diferentes lugares, dinero de MOIEVA y de su compañera Zenaydita y la venta de mi casa en San Cristóbal de Las Casas, por fin juntamos para pagar la primera edición de Cantos para Jenny y otros poemas de Karl Marx, Editorial Papeles con gatillo y el Angelito editores, 1997. Mil ejemplares.
Como toda poesía extraña, rara o en este caso poemas de un autor que nadie sabía que escribió poemas pues pasó casi desapercibido, cuando ya teníamos los libros y solicité un espacio para presentarlo en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM me dijeron que no se podía presentar el libro porque se temía que hubiera una revuelta estudiantil por el poemario. Y en la SOGEM me dijeron que si no se presentaba el autor del libro no se podía presentar y así hicimos la primera y única presentación en un foro llamado La pirámide. Nada pasó entonces mas que unos ejemplares vendidos y después de mano en mano vender los otros ejemplares y dárle a algunas personas que compraron bono y así hasta que en Chiapas, en Tuxtla Gutiérrez terminé por regalar un 2 de octubre los últimos ejemplares que me quedaban. Los ejemplares que le quedaron a MOIEVA o los que tenía Jaymes nunca supe qué pasó con esos ejemplares del poemario. Me imagino que los terminaron vendiendo. Nunca recuperé nada de esa primera inversión. Destino de poeta o de poemario.
Como todo se mueve la poesía de Karl Marx también. En 1999 viajé a Barcelona. Ciudad en donde fui al museo de arte moderno y en donde vi una exposición titulada: Marx (sin ismos). Basada en el libro del mismo nombre de Francisco Fernández Buey.En esa exposición lo primero que leo es que Marx escribió poemas pero que se habían perdido. Y yo sabía que no sólo no se habían perdido sino que los tenía ahí mismo en esa primera edición que hicimos en México. Al día siguiente hice una cita con Miguel Riera, escritor y editor del Viejo Topo, de la revista Quimera y dueño de la editorial Montesinos. Y mi sorpresa al encontrarlo y al hablar con él fue tan grata como su sorpresa de que yo tenía ahí los poemas de Marx traducidos, todos, al castellano y una llamada a Francisco Fernández Buey para saber su opinión y si era posible que se publicaran bajo el sello del Viejo Topo y Fernández Buey aceptó y aceptó también a escribir un prológo.
Y así la segunda edición titulada: Poemas. Karl Marx, editorial El Viejo Topo, Barcelona, España, 2000. Salió con un tiraje de mil ejemplares. En este caso no hubo presentación ni lanzamiento pero llegaron algunos ejemplares a las librerías del FCE en México y creo se agotó la edición. En ese momento creo me dieron 500 pesetas o algo así por los derechos de edición, nada para hacerme rico o comprar un pasaje a Rusia o uno para regresar a México pero me sirvió para festejar la edición con un vino y una comida caliente. Y para seguir con la amistad de Miguel Riera y de Francisco Fernández Buey que siempre están ahí cuando ando por Barcelona con poemas bajo el brazo y solicitando trabajo.
Digo esto del pago porque MOIEVA en vez de agradecer que llevé los poemas a Barcelona, insinuó en algún momento que me había aprovechado de él y de Jaymes y había sido "gandalla" ganando dinero con los poemas de Karl Marx. Eso es un error y le perdono su falta de visión hacia mi trabajo y participación en los poemas de Marx. El poemario de Marx publicado en Barcelona tiene los créditos a MOIEVA y a Jaymes, en ningún momento me doy todo el crédito y lo mismo en cuestión de dinero, en ningún momento me "agandallé" con su trabajo ni gané los millones de pesos que se imaginaron. Pero en fin, MOIEVA, descansa en paz, Jaymes andará por esas calles de dios con sus propios poemas y yo sigo con los poemas de Karl Marx buscando nuevo editor.
La Tumbona editorial estuvo interesada en publicarlos, le dí fotocopias de los poemas en inglés y también la traducción y parece que no les gustó la traducción. Como tienen los poemas en inglés igual un día publican su versión de esos poemas. Ojalá den crédito a las ediciones anteriores.
En fin la historia de los poemas de Karl Marx creo que no termina aquí. Espero continue y encuentre nuevos lectores.
Al final todo lo creado alrededor del fuego del poema tiende a estar iluminado eternamente.

La mafia literaria mexicana según Benedetti

2011-06-10T10:56:00.001-07:00

El texto de Mario Benedetti sobre La mafia literaria mexicana es más vigente de lo que imaginamos. Con algunos detalles como: Benedetti creía que las nuevas generaciones de escritores en México se salvarían y serían críticos sobre la mafia, en eso se equivocó un poco. Los jóvenes escritores, la mayoría, no sólo no son críticos sino se han adherido a la mafia literaria mexicana como madre y educadora de sus escritos y de sus vidas. Los muralistas fueron a sí mismo una mafia. López Velarde sigue siendo el “gran poeta” y eso nubla la visión crítica. Y así otros detalles que hacen que el texto se vea superado por la realidad pero es bueno leerlo para continuar con la crítica y la autocrítica.

La mafia literaria mexicana

Mario Benedetti

Después del esnobismo crítico y el frívolo internacionalismo, impuesto durante largos años por la llamada mafia intelectual, los escritores mexicanos por fin se han puesto serios y han empezado a discutir sobre algunos temas tan importantes como la relación entre el escritor y la política, o nacionalismo y cultura mexicana. Con bastante atraso han empezado a llegarnos algunas instancias de esa polémica, y en las mismas es posible reconocer ciertas cicatrices que aquella frivolidad y aquel esnobismo dejaron en la vida cultural mexicana; cicatrices visibles aún ahora, cuando las circunstancias obligan a una reflexión más rigurosa y madura.
La verdad es que Tlatelolco (1968) y Corpus(1971) no sucedieron en vano. Por lo general, en cualquier rincón del mundo, las muertes del pueblo sirven, entre otras cosas, para congelar la risa superficial, el humor fácil, el cinismo irónico. Es evidente que en México ha pasado algo así, y ello representa un saldo positivo, sobre todo si se considera que la liviandad y el mariposeo de la “zona rosa” (barrio de la capital, dependiente en grado sumo de la moda y las manías internacionales) eran casi insultantes con respecto al México de analfabetismo y miseria, de discriminación y subdesarrollo, que apenas sobrevive junto al México poderosamente industrial y de copiosas inversiones norteamericanas.
La mafia mexicana fue –y todavía sigue siendo- una experiencia casi única en América Latina. Octavio Paz es su dios; Carlos Fuentes, su profeta. Entre sus miembros más conspícuos figuran el pintor José Luis Cuevas, y escritores tan talentosos como Carlos Monsivais, Juan García Ponce, Fernando Benítez, Tomás Segovia, Salvador Elizondo, José Emilio Pacheco, Marco Antonio Montes de Oca, y prácticamente la primera línea de laliteratura mexicana más publicada y publicitada. Tanto en sus diálogos (públicos y privados) como en sus textos, la mafia usó un lenguaje que tenía sus claves, y de alguna manera hacía cómplices a sus miembros, de una actitud que llevaba implícito un menosprecio hacia las masas populares y sus reacciones primitivas o despojados silencios. Por otra parte, la sede natural de estos escritores no era Puebla o Guanajuato, sino la equidistante París. La “zona rosa” es en rigor una nostalgia europea.
En la mayor parte de las obras de estos literatos comparecía un México en crisis, y eso llegaba a ser una virtud notoria en libros como La región más transparente y sobre todo en La muerte de Artemio Cruz (sin duda, lo mejor de Carlos Fuentes), pero cuando leímos por primera vez esos textos fundacionales de la mafia, alcanzamos a ver un rasgo que hoy aparece nítida y retroactivamente iluminado por todo un quehacer posterior: a aquella crisis mexicana no se le buscó una solución mexicana. La mafia arremetió, no con furia, sino con corrosiva burla, contra el hieratismo y la retórica de un nacionalismo post revolucionario que se había quedado en una hueca solemnidad. Pero en vez de propiciar, junto al descarte de ese populismo, de ese patrioterismo falso, su reemplazo por ahondamiento en las tradiciones más aleccionantes, propuso una solución contraria y extrema: la disolución en un internacionalismo vistoso y prometedor, que no sólo incluyera la ventaja de convertir a los escritores en los hierofantes y administradores de un deslumbramiento mayor, sino que también les asegurara fama, traducciones, premios, becas, viajes, promoción publicitaria. El célebre boom fue en realidad una prolongación internacional de la mafia; y no es casual que los mexicanos hayan sido sus más fervientes y eficaces promotores.
Crear una literatura internacional era poco menos que una motivación ideológica de la mafia, y fue así que la “zona rosa”, si bien no contagió sus tonalidades a las distintas capitales latinoamericanas, sí en cambio logró extenderlas a algunas ciudades europeas, especialmente París y Barcelona, donde un creciente grupo de literatos latinoamericanos construye, en internacional placidez, poemas calificados y novelas experimentales, sin prejuicio de opinar intermitentemente sobre la realidad política de estas pródigas tierras, de cotidiano riesgo.
Carlos Monsivais, una de las figuras más prestigiosas de la mafia, había reconocido, con la debida anticipación, que era tiempo “de deshacernos de ese nacionalismo de peso muerto, de darle vida a un sentido internacional de nuestra literatura (…); de olvidarnos un poco de nuestros manuales de historia y enterarnos ya de que el conflicto no consiste en oponer siempre un indígena de museo de antropología a una siempre hispánica afrenta a la madre, ni en buscarle mita y mita de motivaciones al mestizaje, sino en elaborar una cultura a la que deje de preocuparle de dónde viene y empiece a interesarle a dónde va”. ¿A dónde iba, pues?
El diario La Opinión, de Buenos Aires, ha reproducido en estos días las respuestas de Octavio Paz, Tomás Segovia y Carlos Fuentes, a una encuesta que organizara la revista Plural sobre el tema: “ El escritor y la política”. No hay, empero, en las tres respuestas, un total acuerdo, y éste ya es un primer síntoma de que algo está ocurriendo con la mafia. En tanto que Paz y Segovia se declaran decididamente partidarios de la marginalidad lisa y llana del escritor, Fuentes en cambio propone otra variante: la crítica permanente. Tal vez una marginalidad que no dice su nombre. Para entender cabalmente la postura de Fuentes, hay que conectarla con un extenso artículo publicado hace unos meses: “Opciones críticas en el verano de nuestro descontento” (Plural, No. 11, agosto 1972), donde sostiene que el “único apoyo que un escritor sabe que puede dar a su comunidad se llama crítica, crítica como razón, conocimiento y repertorio de opciones, crítica contra la irracionalidad, dogmatismo y obstrucción de caminos”. Sin embargo, hay en las tres posturas un rasgo común: su tendencia a medir la realidad mexicana con antecedentes extranjeros. Para estos tres miembros destacados de la mafia, tienen evidentemente mayor peso, en el trance de juzgar el presente de su país, la invasión soviética a Checoslovaquia, y el estalinismo en general, que la matanza de Tlatelolco. (Aclaro que no me olvido de la Posdata de Paz no de algún artículo de Fuentes; simplemente me refiero a los textos de la encuesta.)
En esta nueva era de la autoindagación mexicana, Paz, Fuentes y Segovia están a tal punto preocupados por el estalinismo (una preocupación que de a ratos asume caracteres de deslumbramiento pesadillesco), que uno no puede menos que pensar si esa obsesión no será, después de todo, una nueva muestra de la alienación que siempre padeció la mafia frente al extranjero. No olvidar que el estalinismo también es europeo. Encandilados por lo que juzgaban positivo en la cultura europea, también padecen el mismo deslumbramiento frente a lo negativo. Sólo así puede comprenderse que se mencione el estalinismo con una suerte de pánico visceral, sin que por cierto ese mismo pánico los asalte (al menos, con igual intensidad) cuando deben enfrentar un peligro que en estas latitudes parece más cercano y más temible: el imperialismo norteamericano.
Ya que Paz y Segovia postulan la marginalidad del escritor frente al fenómeno político, cabe señalar que aquel incurable terror ante el estalinismo quizá sea también una forma de automarginarse, ya que significa buscar desesperadamente una culpa lejana y externa para fabricar con ella un abrumador alerta. Por lo menos parece algo desproporcionado para un medio como el latinoamericano, que si bien no ha sufrido hasta ahora (con la excepción de algún ruedo partidista, en tiempos que no son precisamente los actuales) los rigores del estalinismo, sí padece en cambio, ya no a nivel de partido, sino de continente, la presión y el pillaje del imperialismo.
“Como escritor”, dice Paz, “mi deber es preservar mi marginalidad frente al estado, los partidos, las ideologías y la sociedad misma”. Segovia, por su parte interroga: “¿Quiere decir que toda actitud de un escritor debe ser indiscriminadamente negativa? No, quiere decir que debe ser desde fuera.” Ahora bien, ¿por qué el escritor y no el empleado bancario o el obrero? Si otros gremios decidieran por su cuenta (pensamos que no hay razón para que los escritores tengan ese derecho en exclusividad) marginarse de la sociedad; si otros gremios decidieran mirarlo todo desde fuera, ¿quiénes, según ese planteo, estarían obligados a permanecer dentro del área social a fin de llevar adelante la lucha de clases? ¿O acaso los escritores abolirían la lucha de clases? La pretensión de marginalidad para el escritor es tan absurda como injusta. Pero quizá provenga de un pesimismo fundamental. Segovia llega a definir al pueblo como “el que no tiene el poder”, y, por si nos quedaran dudas acerca de su falta de confianza histórica, agrega luego: “No gobernar es para el pueblo un derecho”. ¡Aviados estaríamos si, por estas latitudes, padeciéramos tales inhibiciones! Justamente creemos (y ése es el sentido y el acicate de nuestra lucha) que el pueblo debe adquirir, y luego defender, su derecho a gobernar. Es curioso, además, que con semejante derrotismo, Segovia se autopostule como escritor de izquierda. Por un lado empareja las acepciones de pueblo y escritor, pero por otro dice que la esencia del pueblo es negativa, y que el pueblo sólo es “objeto del poder y de la política”. Hay que pensar entonces que su presunta ideología es un izquierdismo con vocación de derrota. O sea un izquierdismo sin razón de ser.
Nosotros por el contrario creemos que la esencia del pueblo es claramente positiva, y que el pueblo debe llegar a ser sujeto del poder y de la política. ¿Qué otra cosa es, después de todo, la dictadura del proletariado? ¿También en esa eventualidad el escritor se automarginaría y vería el acontecer político desde afuera? Ojalá que ese absurdo no se propague en ningún país de América Latina. Ni tampoco en México, por supuesto, donde ya hay síntomas de que la mafia está empezando a ser sobrepasada por el proceso político. Quizá la mafia quede fuera; pero a esta altura ello no significa obligatoriamente que los escritores jóvenes (y algunos no tan jóvenes) acepten para sí mismos aquella propuesta de marginalidad.
Tal vez ocurra algo similar con el nacionalismo. Es admisible que los miembros de la mafia hayan reaccionado en su momento (siguiendo en ello la actitud antinacionalista del grupo Contemporáneos) contra el patrioterismo populista y estéril que siguió al legítimo nacionalismo revolucionario de pintores como Orozco, Rivera y Sequeiros; novelistas como zuela y Guzmán; poetas como López Velarde; ensayistas como Vasconcelos. Pero el hecho de que la retórica oficialista y su contexto hipócrita hayan desvirtuado aquella búsqueda de una auténtica cultura popular, no justifica que los miembros de la mafia entronquen, así sea inconscientemente, con el europeísmo porfiriano de tan abyecta memoria. Como bien señala Abelardo Villegas en un artículo también reciente (“El Ateneo y la mafia, dos formas de cultura mexicana”, en Revista de la Universidad de México, vol.XXVI, No. 10, junio 1972) pero ya demostrativo de una nueva actitud frente al tema, ese europeísmo “no constituía ciertamente nuestro ingreso al universalismo o internacionalismo cultural, era más bien el trasunto cultural de la entrega nacional a las grandes potencias europeas y a los Estados Unidos”. Frente a esa situación, agrega Villegas, “el nacionalismo de la cultura revolucionaria constituyó un acto de sinceridad, de reconocimiento de nuestra situación real para revalorarla en unos casos y para superarla en otros. Sin embargo, también es necesario aclarar que los mejores representantes de ese nacionalismo no se constituyeron en buscadores del color local, sino que trataron sinceramente de insertar la cultura mexicana en la cultura universal.” ¿Qué otra cosa hizo Juan Rulfo en los años cincuenta? ¿Qué otra cosa hizo en la siguiente década el propio Fuentes, con La muerte de Artemio Cruz? ¿O un novelista como Sergio Galindo en El bordo y La comparsa? ¿O poetas como el Jaime Sabines de Tarumba, o el Efraín Huerta de El Tajín?
Por otra parte, y Villegas lo señala sin tapujos, durante una década y más, los integrantes de la mafia criticaron verbalmente los sucesivos gobiernos del PRI, pero sin embargo, toda la vida cultural mexicana (mafia incluida) vivió de las generosas prebendas del estado. Y aquí no se trata de la situación que impera en los países socialistas, donde la actividad cultural, como toda actividad, depende del Estado. En México, la empresa privada tiene un incremento cada vez mayor, y, en medio, de ampulosas invocaciones a la revolución de Madero, el sistema capitalista consolida diariamente su ley y su trampa. Como señala Villegas, “algunos miembros de la nueva cultura han criticado mucho la antigua alianza entre el Estado y los hombres de cultura de la revolución, pero cuando el mismo Estado les ha ofrecido a ellos su patrocinio no lo han rechazado, alegando que no hay contradicción entre su afán de autonomía y la consagración y seguridad económica que ofrece tal patrocinio. En México, el estado crea premios de ciencia, de artes, de literatura; dispone del organismo de más alta consagración cultural, el Colegio Nacional; hace cultura a través del Instituto Nacional de Bellas Artes, del Seguro Social, de diversas oficinas de la secretaría de Relaciones Exteriores; patrocina abierta o subrepticiamente una serie de publicaciones; y está en la posibilidad de ofrecer puestos burocráticos paraculturales a intelectuales o artistas que no encuentran en su oficio suficientes medios para subsistir o que quieren aumentar tales medios. En una palabra, el centralismo mexicano también obra en el sistema de las instancias de legitimación cultural”.
De todos modos, parece muy saludable que estos temas comiencen a agitarse en el ambiente cultural mexicano. Y sobre todo que se agite sin los tics de frivolidad, sin la obligación de ingenio fácil, sin el lenguaje esotérico, que en los últimos diez años habían caracterizado la vida intelectual mexicana. En términos ya no literarios, sino humanos, todo es recuperable, y no hay por qué descartar que la mafia aprenda algún día su lección de humildad. Pero sobre todo no hay que descartar que esa experiencia detonante, espectacular, fragorosa, sirva como incanjeable lección a los jóvenes intelectuales y artistas mexicanos, y los acerque definitivamente a los más auténtico y más válido de la literatura mexicana actual. Me refiero a Juan Rulfo, autor de dos libros excepcionales (El llano en llamas y Pedro Páramo), haya continuado esa faena impar. Pero ¿a nadie se le ha ocurrido pensar que el gran mariachi armado por la mafia puede haber sido factor de inhibición para el mejor narrador de América Latina? A esta altura, y aunque las condiciones cambien, ya parece difícil que el creador de Comala retome su mundo prodigiosa e inevitablemente mexicano. Tengo confianza, sin embargo, en que el tan aguardado “tercer Rulfo” sea en definitiva escrito por los jóvenes que no sólo pasaron por Comala, sino también por Tlatelolco.

(1972)

Texto de Adán Echeverría: Las cobardes marchas mexicanas

2011-04-13T09:06:00.000-07:00

Si toda la humanidad, menos una persona, fuera de una misma opinión,
y esta persona fuera de opinión contraria, la humanidad sería tan injusta impidiendo que hablase,
como ella misma lo sería si teniendo poder bastante impidiera que hablara la humanidad.

John Stuart Mill

¿Qué es lo que queremos como sociedad? ¿Hacia dónde hemos de conducirnos? ¿Acaso todos juntos queremos marchar sobre una misma senda? Notorio es que estas preguntas jamás podrá responderse desde un gremio tal.
No es la sociedad lo importante en toda lucha. No lo es, y me lo repetiré hasta el cansancio. Me convenceré de ello y se lo gritaré al espejo, todos los días con sus noches. Jamás el ser humano podrá ponerse de acuerdo con el otro.
Podrán hacer pactos, intentar caminar juntos, pero, la historia no me dejará mentir, hasta aquellos que estaban siempre a tu lado, al dejarles el poder, sacan a la luz que bueno, el tío estaba un poco chocho ya, no tenemos que aplicar todo como él lo hacía. Lo que significa, que ni tu más ferviente admirador, tu más entrañable amigo tiene que tener las mismas ideas, los mismo objetivos.
Cada cabeza es un mundo, dicen por ahí, y estos millones de mundos que parasitamos la Tierra, trazaremos la ruta, mil y mil veces más, y jamás llegaremos a destino. Porque, ¿cuál diablos es el destino? Se habla de la Búsqueda de la Felicidad, como un derecho inalienable del ser humano. Pero mi felicidad seguro que no es la misma que la de Felipe Calderón, ni de Andrés Manuel, ni del Peña Nieto, ni siquiera la de Ebrad. No es la misma búsqueda que la de Leonel Messi, ni la misma de Lady Gaga, y seguro estoy que no es la misma de Elton John, ni la misma de Genaro García Luna, ni la de Ciro Gómez Leyva.
Para todo ello, estamos involucrados todos, en unos y otros Contratos Sociales, a veces sin querer, a veces a regaña dientes, pero ahí estamos, bajo un mundo de leyes que otros dispusieron, y hay de dos sopas: o juegas limpio o juegas sucio, porque no existe –manque digan lo contrario- no existe el Yo no quiero jugar.
¿Qué es jugar limpio? Es cometer el menor número de actos de corrupción (no cometerlos es una utopía, no jodan). ¿Qué es jugar sucio? Jugar sucio es cargar los dados a tu favor. ¿Quién carga los dados a su favor? Aquel que puede o tiene el poder. Aquel que lo desea. El peso de los dados lo establece el pesaje del oro, el pesaje de la plata, ese que conforma el imaginario que da valor a una moneda establecida por el Estado. Esas reservas de oro (dorado oro o el preciado oro negro) que permiten la existencia digamos de un Banco de México, encargado de la generación de monedas y billetes con efigies celebratorias, indicativas de algún valor para inbuirse en el mercado.
Trabajar, cobrar, pagar, obtener. Ese imaginario es el que todos jugamos. El que no paga impuestos juega también, porque ahí está el dinero (que intenta no depositar a la Secretaría de Hacienda), en cada compra que hace, en cada pago de colegiatura, pago de casa, pago de entrada al cine, pago del motel, aún en la piratería, el dinero sucio, es lavado a sorbitos, un trapito hoy, dos trapos mañana. Todos seguimos involucrados. Y esa es la gran metáfora.
Luego entonces toda protesta “pacifista” no tiene lugar. Es un absurdo. No cambia nada. ¿De dónde sacan el dinero de las camisas, de las banderas, de las pancartas, del plumón para redactar la pancarta? Bueno, habría de ver también dónde se compraron esos plumones, esas cartulinas, esas mantas. Ve a comprarte trescientas cartulinas y unos cincuenta plumones porque nos vamos a la marcha, que te den factura. Que cada quien lleve una veladora, que cada quien lleve un poema dentro de una botella. Ese altavoz no parará, quién pone el equipo de sonido. La gente no va desnuda y escribiendo con su sangre. No asiste a las marchas escribiendo con sus orinas, ni sus lágrimas ni sus excrementos. Lo único suyo, a saber, lo único que en verdad les pertenece. No. Tiene que comprar, tiene que adquirir hasta el material para la revuelta, para la protesta. Has patria, mata un diputado (hey, cuidado, yo no tengo armas). Sería muy innecesario, pero ¿cuánto le deja al país, en dineros, tanta marcha pacífica en México?
Han sido 20 estados de la república mexicana. Yo ya tengo mi camisa de: Yo sobreviví al sexenio de Calderón Las estoy preparando para venderlas el día después de las elecciones de 2012.
Es triste mirar y mirar a los que marchan. 10 mil personas por acá, 500 personas más ahí. 30 personas los más tímidos. Yo no salí a marchar. ¿No salir a marchar me hace menos compasivo, menos preocupado por la situación del país? ¿No poner en mi perfil mi logo de No Más Sangre me hace alguien que no tiene conciencia cívica, ni patrotismo? El patriotismo murió cagando, dicen por ahí.
Yo les digo, que no deberían quedarse solamente con las palabras ¡Estamos hasta la madre! (qué encabronado estaba Sicilia, hasta mienta madres y es poeta). Qué lectura queremos hacer. No me importan los estamos hasta la madre, me importa el eso es todo, marchemos y ya, prendamos veladores y listo, insultemos a los políticos Yo les grito Basta. Reflexionen: ¡Estamos hasta la madre! ¿Quiénes? ¿Quiénes estamos hasta la madre? ¿Todos los mexicanos? ¿Toda la sociedad? Yo les aseguro que no. Los partidócratas no lo están, a ellos les valió totalmente madre que marchan personas en 20 estados de la república. No les importa a los militantes partidistas del partido en el poder, y a los militantes partidistas que sí les importa, son los de la oposición, enseguida se suben al toro. Todo vuelve a convertirse en una lucha entre un partido y otro. Entre todos los partidos y el que está en el poder. Y si no fuera así, (yo creo en los seres pensantes y apartidistas) entonces la prensa se encargará de que lo parezca.
Muchos ciudadanos incluso están hasta la madre de las marchas. Muchos están hasta la madre de que anden haciendo sus performancitos ridículos, y tirándose al suelo con sus pañuelitos manchados en tinta roja. ¿Hasta ahí llega mi artisteada?
¿De qué otra cosa podríamos hablar? fue la exposición de Teresa Margolles en la Bienal de Arte de Venecia, ahí se demuestra el valor. Un joven es invitado a Los Pinos, y luego de recibir el Premio Nacional a la Juventud, le grita a Calderón: ¡Espurio!, ahí hubo valor. Una madre increpa a Felipe Calderón: Si hubieran matado a sus hijos, entonces seguro movería cielo y tierra para encontrar a los culpables. Ahí hubo valor.
Las marchas en México tienen un gran dejo de cobardía en este país. No se marcha para ir hasta un lugar en especial con un objetivo en particular. Y no se marcha así, porque seguimos prendidos a la teta de nuestra madre, la televisión abierta. Entonces mamá teve nos acusará con nuestros hermanos mexicanos de ser unos vándalos, de ser unos buscapleitos, de ser unos ignorantes: Atenco, APPO, Barzón, y el sin fin de etcéteras.
En 1994 el comunicado que salió de la Selva Lacandona decía algo como esto: Marcharemos hacia la ciudad de México a quitar al presidente de la república, el que se nos una será bienvenido, el que no se nos una, de ganar la guerra, será considerado traidor a la patria. Y eso mis señores, es tener valor.
Todos tenemos la libertad de expresarnos como se nos venga en gana. La cuestión es que: ¡A quién diablos le importa! Mientras cada uno de nosotros no se convenza de que no le importamos a la Partidocracia. De que solamente somos considerados Carne de Votación, mientras no entendamos que con nuestro voto o si nuestro voto, la partidocracia seguirá su juego electoral (el Teatro de la Democracia Mexicana), de entrega de poder entre ellos mismos, haciendo leyes y normas que los beneficien a ellos mismos, soltando de cuando en cuando, algo para el pueblo, migajas electorales.
Mientras no coincidamos con nosotros mismos, de antemano, en que no somos más que quienes les brindamos (vía el vivir en México) el dinero para sus gastos diarios (vía impuestos, tarifas, retenciones y demás), nunca podremos gritar verdaderamente un: ¡Estamos hasta la madre!
Nuestra madre está muy desvalorada. La chingamos y chingamos que da gusto. No nos importa ni a nosotros por más virgencitas morenas, por mas mamacitas que nos gusten, por más día de la madre que festejemos.
¡Estamos hasta la madre! Por qué los plurales mis señores. Yo estoy hasta la madre de las marchas sin sentido. Toda marcha debería ir e incendiar San Lázaro. Se les debería retener ahí adentro hasta que nos pidan perdón los hijos de la chingada (de nuevo la desvalorada madre mexicana). Deberían, como turba encabronada, atrapar a Genaro García Luna y quemarlo en el Zócalo de la Ciudad de México. Y entonces me dirán, tomándome de la cabeza: respira Adán, respira, no convoques a la violencia. El diálogo pata tín, el diálogo pata tán. Y toda la sarta de idioteces de siempre, de los políticamente correcto, esa mordaza de la modernidad.
No me inviten a sus marchas. Sigan divirtiéndose con sus poemas, y luego pregunten: ¿dónde será el after? Sigan recordando: yo conocí a mi esposo en el plantón de Reforma, juntos vimos que teníamos los mismos ideales. Yo daba talleres de guiñol, mientras él sacaba firmas para proteger a las ardillas que viven en el jardín de Viveros. Para eso dan las marchas en México, es otro ritual de los que buscan dónde saciar su fe de amistad, ya que no van a la iglesia (ese opio de la humanidad). Soy rojo muy rojo, pero claro que me casaré por la iglesia o en una misa maya, como Paulina. Soy rojo súper rojo, pero siempre en busca de la paz. Este es un movimiento pacífico dice hasta el cansancio Andrés Manuel, claro, por eso jamás consigue nada. ¿Y por eso le daré mi voto?
Al contrario, hace tiempo ya que decidí dejar de ser rehén de los políticos, demasiado tengo ya con vivir en México. Por eso no votaré. Haz tu propio análisis y ojalá llegues al mismo objetivo que yo, y puedas decirme, ah mira, Yo tampoco votaré.
Todos tenemos nuestras maneras, yo respeto sus marchas, ustedes respeten mi texto. No me inviten a sus marchas si no hay un objetivo claro de por medio. ¡Estamos hasta la madre! 20 estados de la república marchando, y Genaro García Luna anuncia siete años más de guerra en México. Felipe Calderón anuncia el Acuerdo México, para toda Centroamérica, los países se unen al mismo sistema mexicano de erradicar el narcotráfico, llevando a cabo la misma estrategia mexicana.
Estimados hermanos centroamericanos, cuiden a sus familias, llevamos 35 mil muertes en México, mas de cinco mil niños muertos; eso es más o menos lo que les espera, eso es más o menos lo que sus representantes, sus gobernantes vinieron a firmar. El permiso para que los EEUU meta las manos por el culo y hasta los intestinos en su política nacional. ¡Felicidades!
Ojalá que la lucha social que comenzó con estas marchas en 20 estados de la república mexicana, empuje al ejército de regreso a sus cuarteles, y pida la renuncia inmediata de Genaro García Luna. De no ser así, disfrutemos los performances, los nuevos poemas, la fotografía documental, y las capacidades de nuestros creadores. Será lo único rescatable, acaso.

Por una Poesía Evolucionaria

2011-03-27T12:24:00.000-07:00

Digamos que estaba descuidado cuando la poesía entró en mi vida, y ya en el oficio de vivir, continúo poetizando. “Sobrevivir nos cuesta toda la vida” me dijo el poema, y entonces agarré libros y libros y libros y me puse a leer como condenado a muerte. Leía todo lo que caía en mis manos y lo sigo haciendo, pero el peligro de leer es que aprendes a leer bien y entonces ya no crees todo lo que te ponen a leer. Así llegué a la SOGEM, aprendí y dejé de creer en la SOGEM; después fui becario del Centro Chiapaneco de Escritores. Creo en ellos todavía. El Centro ya desapareció pero seguimos con las lecturas. De Chiapas vine a vivir al D.F., ciudad en donde nací y en donde estoy naciendo aún. Al salir de Chiapas pensé en la fraternidad de los poetas, ¡oh, ilusión, inocencia del viajero! Llegué y tuve los primeros topes contra la pared invisible o contra la región más transparente del aire. Golpes que no se dieron a esperar y ahí estaba yo con mi chipote en la frente de la imaginación.

Nada era como yo pensaba: primero se dividieron los poetas ¬-los institucionales y los otros- los primeros no escuchaban, ni veían, ni hablaban con los otros (método de Paz, o tal vez desde los Contemporáneos). El método del ninguneo en pleno y de plano.
Por lo consiguiente, los no vistos, ni escuchados, ni vividos y mucho menos publicados tampoco quieren saber de los institucionales. Al final vivimos un ambiente poético en donde nadie sabe de nadie, aparentemente.

Así conocí a varios poetas burócratas, comencé a fraternizar con los niveles del infierno poético mexicano. Supe de estos burócratas que se dicen poetas y que obstruyen a otros que parece son más poetas que ellos. Pero ellos, al servir a su causa dentro de una institución, no quieren o no permiten que otros disfruten de las mieles de la institución u organismo cultural. De éstos existen muchos más de lo que creemos, ya sea en Conaculta, universidades, Coneculta, Inba o institutos de cultura de cualquier gobierno estatal. Estos escritores o poetas funcionarios son muy extraños: creen merecer el parnaso mexicano con todo y águila y nopal y hasta el Palacio de Bellas Artes. El ego habla más que sus obras. Y cuando los vas a ver, aunque sean funcionarios, no quieren dar nada ni que les pidas nada. Y siempre actúan como si te estuvieran haciendo un favor. Aún siendo burócratas, si se les recuerda que son burócratas, te dejan de hablar y cierran la puerta de sus oficinas. Como si fueran realmente sus oficinas. Increíble espejismo que se forman. En fin, de éstos conozco muchos y mejor olvidarlos. Por sus obras los desconoceréis.

Los otros poetas son los premiados, entrevistados, publicados; los poetas que siempre caen parados pero cuya poesía es dudosa al regodearse en la docilidad del arte por el arte. Poetas que hacen de sus obras y del grupo de amigos “casa de los espejos”. Y no significa que el poeta tenga que ser revolucionario, no, sólo se trata de un poco de ética humana, de lo más básico para creerles y leerlos con más ganas, pero esto no pasa. Estos poetas viven con la Diosa blanca, o son místicos de universidades o son becarios eternos o jóvenes de toda la vida y crean fundaciones dudosas de donde sale toda la “poética nacional” y más que cosmopolitas suenan a “pueblo poetero”. Estos poetas no dan paso sin huarache y son reinas y reyes de todas las primaveras y carnavales del país y fuera del país. Son poetas que se preocupan más por su fama y su pose que por su estética e ideas. Y nunca de los nunca quieren ser interrogados sobre sus nexos o palabras libres con el presupuesto o el poder.

Los poetas de talleres, de encuentros y de ferias de libros, son especialmente chistosos: se la pasan en cada rincón de cualquier pueblo con tal de leer sus obras completas que se autoeditan, se autopremian, automencionan, se autoelogian, se autocomplacen, se autoreseñan. Poetas que buscan la foto en cada esquina junto a un poeta “reconocido” y que por lo tanto creen que ellos serán así mismo reconocidos y aplaudidos y llenos de decoro y bien portados y se felicitan en cada salón de presentaciones y en los bailes de los encuentros de poetas y no se preocupan tampoco por la poesía, sólo les interesa su poesía y las reseñas de sus poemas y así hasta que mueren olvidados por su propio grupo, si no tienen la mala fortuna de que algún vivo instaure un premio con su nombre en su pueblo o colonia o delegación o casa de cultura. En fin que estos eventos son deplorables. Y llegan a caer en el ridículo y en lo patético.

El engaño y autoengaño es de lo más común y necesario para pasar por todos estos círculos. Si no hay engaño no hay venta, si no hay venta no hay poesía. Pero primero es creérselo aunque después no escuchen nada ni a nadie. Vírgenes viciosas nuestros pueblos.

Para comenzar a concluir, vienen las vacas sagradas de la Academia Mexicana de la Lengua, los becarios del Sistema Nacional de Creadores y demás eméritos que dicen decir que dicen ser conocidos, que dicen ser leídos y “muestran al pueblo su cultura”, que en este caso sí es su cultura. La realidad es que a nadie le hacen daño pero tampoco a nadie le hacen bien. Pasan como todo en este pueblo de solos: con mínimos aplausos que ellos creen universales. El engaño otra vez. Parece que el poeta trabaja más con el engaño y autoengaño que con palabras.

Y luego están los poetas extranjeros que vienen a decirnos cómo se le hace para ser poeta extranjero y vivir como en casa. Yo mismo me asumo como extranjero en mi país, todos somos extranjeros. Pero unos abusan de este título de extranjería.

Así, cuando llegué de Chiapas, fui, miré y salí corriendo de cada uno de esos grupos. Puedo decir con cierto orgullo que los conozco a casi todos, desde lo más subterráneo y outsider hasta los más encumbrados poetas de esta ciudad de México. Terrible y gustosa experiencia. Nada recomendable. Por eso, el hacer listas en donde defendamos a unos y ataquemos a otros, creo es inexacto, pues “todos tenemos cola que nos pisen”, como dirían en la calle.

Creo que tenemos varios problemas que resolver si queremos ver a la poesía mexicana de distinta forma y liberada de toda burocracia. Creo que en estos momentos la poesía mexicana, como muchos rubros del arte, está secuestrada, principalmente por dóciles poetas, una burocracia feroz y el miedo a decir o a opinar aún equivocadamente. Tal vez ellos, los poetas oficiales, en su ingenuidad, no se dan cuenta de lo que están haciendo mal.

Quiero ser inocente y entonces alertarlos y decirles que se están equivocando. Uno de los síntomas de que se equivocan es que la poesía mexicana hace muchos años no da nada bueno a la poesía mundial. Ningún poeta mexicano influye de manera estética a ningún otro poeta de otras latitudes. Me imagino que se debe a que estamos más preocupados por quién nos mantiene que por crear una voz propia y verdaderamente poética.
El miedo, como ya mencioné, es otro enemigo de la poesía en México: miedo a perder el premio, la beca, el apoyo, los viajes, la publicación y los encuentros; miedo a todo menos al poema, verdadera misión para el poeta.

Para construir una Poesía Evolucionaria habría que:

Quitar de en medio todos los premios de poesía. Es más: prohibirlos. No permitir que se premie a los poetas, ni premiar a la poesía. Es absurdo premiar algo como la poesía, ya que la calidad de una propuesta poética –cuando la hay– no puede justificarse con el monto de un premio. Quitar del panorama, del mapa, a los premios y premiados. El premio detiene el motor creativo. A estas alturas los premios no sirven de nada a la poesía. Sólo sirven a la cuenta del poeta.

Acabar con los encuentros de poetas. Son ridículos y sólo sirven como pasarela de egos donde nadie se escucha y todos aplauden en automático. Son patéticos, verdaderos clubes del recuerdo. En todo caso, sólo sirven a los interesados y sus intereses.

Quitar de una vez y para siempre becas y estímulos a los creadores. Es innegable que a lo largo de la vida de estos incentivos, no han servido de nada, más que para hacer engordar a escritores y escritoras.

La otra solución, menos drástica, es que todos gocen de estas ayudas del gobierno. Que todo sea realmente rotativo. Que los grupúsculos literarios que ofrecen, califican y dan las becas y estímulos sean diferentes cada seis meses o cada año; que a veces les toque a los H. y a veces a los L. y otras veces a los P. y así hasta que se acabe el abecedario y todos quedemos contentos y gordos. Que todo nos toque a todos. Incluyendo, sin diferencias racistas, a escritores indígenas.

Por todo lo anterior, resulta que el problema de que uno aprenda a leer, a veces tan bien, es que uno termina por ya no creerles a los que se dicen escritores o poetas mexicanos. El aprender a leer nos lleva a buscar más, cada vez más, como poseídos, como endemoniados. Y este acto de lectura libre es en detrimento de los propios poetas que nos dicen que tenemos que leer.

Cuando leemos volteamos, regularmente a otras partes con mayor cantidad de aire y de ideas. Con mayor y mejor poesía. Quiero y necesito desde hace tiempo gozar de una poesía libre de políticos-escritores-burócratas del país. Esto tampoco significa que esté completamente de acuerdo con todo lo alternativo o lo rebelde. También existen grandes fallas en estos grupos, la más grave, es no leer o leer a conveniencia.

En fin que esto está tremendo para cambiarlo. Parece una carta a algún dios muy milagroso, un dios de lo imposible.

Mi experiencia propia es haber platicado con muchos de los escritores y poetas reconocidos y descubrir que su palabra está muy alejada de su corazón y ambos de sus ideas. Que no eran esos escritores que yo veía y sentía de una forma tontamente romántica. Porque no esperaba yo que los poetas fueran santos, pero tampoco pensé que fueran tan tontos. En fin, mi aprendizaje indica que no les puedo creer, casi ya a ninguno o ninguna de las poetas o escritores que en los medios públicos o en los institutos de cultura me dicen que son los representantes de los poetas en México.
Los seguiré leyendo porque me gusta leer y leo hasta a mis enemigos, a diferencia de muchos que no leen ni a sus amigos. Y espero hacer todo lo posible con mis poemas para cambiar esto y liberar a la poesía mexicana de sus mafiosos captores así como seguir con este proyecto personal e individual, porque nunca me interesó formar parte de ningún grupo, decisión que, me imagino, perjudica mi posibilidad de obtener alguna beca (jejeje).
Espero que esta propuesta se vaya tornando más seria y adquiera mayor fundamento, no sólo al proponer, sino al darle seguimiento a las bases para descubrir una Poesía Evolucionaria.

Sin más por el momento, recibe un abrazo fraterno y espero seguir platicando contigo, porque creo que la palabra al final de los tiempos terminará liberando al poema.
Gracias.

¡Poesía!

Marco Fonz
Marzo, 2011

Cuando el poeta encuentra a sus poetas

2011-02-20T11:27:00.000-08:00

Cuando el poeta encuentra a sus poetas: felicidad. No existe nada más que buscar porque todo se encuentra en un orden y el caos desaparece. Lo que tenía valor máximo en otros tiempos queda en un estado mínimo de importancia y nueva luz se acomoda en los brazos del corazón del hombre. Todo se calma, todo se detiene, existe la respiración y la paz en cada segundo. La tempestad deja restos del barco destruido, en este caso la tempestad pasada dejó al poeta entero y sólo se limpió los ojos para darse cuenta de que existe y es feliz. Algo se perdió en el pasado, algo que no se extraña.
La fuerza se vive más si no se vive en las repeticiones, hay que saber cuándo dejar de repetir las mismas cosas, los mismos sitios, los mismos nombres, hay que aprender a decir nuevas cosas y dejar el repetir en su vuelta tras vuelta tras vuelta. Ocupar nueva lengua.

Nada qué extrañar, la poesía conserva su rumbo, el poeta conserva su misión y junto con nuevas sonrisas y abrazos el poeta muerde al futuro pero ya no sangra.

Ahora es luz lo que florece en sus pestañas.

Nada importa mas que el poema en las personas, todo se vive, todo se respira, todo se está escribiendo. Afortunadamente. Cuando el poeta encuentra a sus poetas.

Los tiempos están cambiando

2011-02-03T12:06:00.001-08:00

No sé si para los poetas cambian los tiempos, parece que no. Parece que las voces levantadas una mañana hace mucho siguen en un éxodo que no encuentra ni tierra ni descanso, ni paz ni cielo. Los poetas, extraños animales en la tierra, los visionarios y locos, los magos y místicos, los poetas bajitos, los que vienen a cantar cosas de poca importancia. Que los vemos arrastrar su sombra o llevarla como bandera incendiada, los poetas que viven en su espacio personal, en su cosmos particular. Los que hacen de ese yo, un Yo de multitud.
Inevitablemente se vive como poeta cuando se nace poeta, no existe otra forma. Se es lo que se es y se hace lo que se es. No hay más oficio que el de poeta, mortal como todos pero celestial en la forma de llevar sus alimentos.
Los tiempos y la sociedad siguen regañando al poeta, lo ignora cuando le va bien lo escucha cuando le va mal pero casi siempre es una sociedad, materia subjetiva, que ignora al poeta.
Y qué puede hacer el poeta, pues gritar, patalear, seguir escribiendo poesía, cultivar flores de ceniza. Hacer de su vida un papalote, llevar consigo el costal de huesos, su costal de sueños y varios niños en el costal por si da hambre en el camino.
El poeta no puede, aunque quiera bajar la guardia, no debe dormir, tiene que estar atento a los impulsos de su fiebre.
Ay, el poeta, lo vi llegar con su carga pesada de aire. Lo vi mover al mundo, lo escuche separar en dos al mar y lo vi alimentarse a sí mismo como a su propia bestia.
Nadie más lo vio sólo lo vi yo. Y por eso nadie me cree que ahí está indicando el camino al que nadie quiere ir. Todos dan vueltas y vueltas. Curioso verlo y ser testigo.
Yo sigo al poeta. No sé a dónde me lleve pero sé que me llevará lejos y rápido.
Así podré respirar por fin. La luz es la locura del cielo. Sigo a la luz.
El poeta lo vi vestido de mundo, lo vi azotado por el mundo, lo espero cuando se atrasa. Mis poetas no necesitan a nadie por eso necesitan a todos. ¡Vaya con el pan que comen!
Es pan seco, amargo, desértico. Yo lo leo, al poema, lo leo como ley divina, escrita con fuego sagrado, lo veo en la oscuridad de mi cuarto, lo leo en la oscuridad de mis ojos y lo escribo en la oscuridad de la hoja en blanco. Vaya con el poeta, ¿nadie entiende? animal raro es la razón. No encuentro domadores para tal fiera. Animal puro es la imaginación, me enseña.
Los poetas, los veré largo tiempo dentro y fuera de este tiempo eterno que en algún sitio les dijo: "Heredarán la angustia como alimento." Y aquí, sentado frente al mar de almas, mastico un gran bocado. Mastico. Trago.

La Carta del Depredador

2010-11-29T18:22:00.000-08:00

Casi lista La Carta del Depredador para los poetas de la Retaguardia.

LA POESÍA ES PARA LA POESÍA /Por: Blanca E. Vázquez Hidalgo

2010-04-16T14:09:00.000-07:00

Fonz en el país de Larracilla
Foto: Carlos Larracilla

LA POESÍA ES PARA LA POESÍA

Por: Blanca E. Vázquez Hidalgo

“La poesía no es para los ojos del intelectual

que cobra sangre en las universidades

y vende sin vergüenza su lengua y sus corruptos labios.

Afortunadamente la Poesía no es para el lirón,

ni para el más listo, ni para la virgen del cerebro,

ni para la sonrisa, ni para el libro, ni el librero.

Maravillosamente la Poesía es para la Poesía”

Marco Fonz

Los pasos apresurados de aquellos que habitamos metrópolis, urbes, ciudades asfixiantes que individualizan y lastiman, son los mismos pasos de aquellos que hemos sido testigos visuales y de querencia del paso del tiempo, del agotamiento, de la vida y la sin vida. Es ahí donde se han acogido las desdichas pero también se ha creado la palabra que redime y lucha para encontrar un espacio libre de cobardía y el escarnio.

Nuestra tierra ha surgido del hambre, de las idolatrías y de los símbolos: Mujeres y hombres que se desconocen pero que tienen hermanada su sangre, mujeres y hombres que al paso del tiempo les han querido desfigurar ese ombligo de la luna y que nadie, nadie puede arrebatarles. Porque es ahí donde la sangre mexicana ha tapiado los sueños y donde cientos de máscaras humanas recorren el tiempo para encontrarse y reencontrarse. Gran monstruo urbano, huella de la cotidianidad del pasado y el presente.

Cuando se habla de espacio casi siempre nos imaginamos un lugar (comúnmente vacío), José Luís Coraggio nos dice que es una dimensión de la realidad; que está inminentemente unido a las cosas y sus procesos físicos (nosotros/as somos materia y nos desarrollamos en un espacio). Y ese espacio “no existe por sí mismo” es dimensional. “Los espacios vacíos la luna/ descarnada sonriente los llena/ con fantasmas con miedos con locos/” (p.27). El espacio se produce a través de los elementos materiales y sus transformaciones.

Con sus exorbitantes brazos la poesía inunda la ciudad, le sabe y la sustrae; ella resurge en cada voz escondida tras una tapia, una esquina o edificio desvencijado por el tiempo, la poesía penetra en la urbanidad, transforma ese lenguaje sistemático que las aulas han querido introducirnos a quemarropa y que en algunos tiempos fue a golpe y sangre. La poesía lo salva, lo construye y lo rehace, para tener palabras y sentidos que identifiquen a la voz poética con aquel atrevido o atrevida que le lee. Nada somos fuera del sentimiento libertario, libertad en la pluma manejada por el pensamiento crítico y cuestionador, de la voz acallada por parapetos convencionales y aleccionadores. La poesía nos salva.

Marco Fonz nos otorga en OZYKO un espacio que remite a la gran ciudad, al espacio avasallador de las calles habitadas por vocablos y donde las mujeres y los hombres tropiezan con la semántica y la sensibilidad. El texto tiene un formato 18 por 14 cm, su cuerpo se compone de 64 páginas, Forma parte de la Colección DESTOS DEME DOS Poesía De La Era del Vacío Vol. 8. La cubierta de color caqui tiene una imagen de un ser animalesco, producto del trabajo de Israel Miranda.

En este libro Fonz reúne 40 poemas divididos en Los Martirios, La Danza de los Idiotas y Ozyko . Un corpus poético que brinda al lector la oportunidad de recorrer el espacio citadino, la dolencia, la palabra, el enajenamiento intelectual. Es ahí donde la poesía recoge el sentir cotidiano del ultraje mundano de la estandarización social: “…un país en donde la estética/ se dedica a cortar cabellos de hombres y mujer/ las universidades se hacen pasarelas de moda/ los artistas son decoradores de interiores/ los genios cargan computadoras y los demás no existen/…” p. 51

Su poesía puede ser entendida como una lucha contra la entropía a la que todo parece dirigirse “Merecemos las calles y las avenidas/ son nuestras Silencia con todas sus cruces y crucificados, / los hombres de fuego, los niños de tierra,/ las bellas Marías de leche, los perros y su mierda/…” p. 13

En Fonz hay un tránsito extenuado aunque persistente de la soledad para acoger el arrebato de la conciencia: “…nadie entonces en los autobuses/ Noto tu ausencia/ los hombres vienen las nubes van/ y nos soy hijo de ninguno/ p. 47 y muchas veces triste o despiadado va al desplante inteligente del escarnio y la crítica de esta cultura de masas “El hombre y su escritorio son uno mismo/ muerte vida y sueños sexuales/ en un monstruo creado por la cosmogonía moderna./ Moderno funcionamiento de este ser/ creado para detener todo lo que avanza./ … Monstruo inservible de la época pensada/ tan libres eran los dos/ cuando uno era árbol/ y el otro bajaba de él/ p. 29

El hombre cotidiano, el que deambula por las calles, el que tropieza con otros y otras, el que embebe la vida, la destruye, la sostiene; ese hombre que observa que se detiene en el resquicio de la inmundicia, en el resplandor de la luz y crea con grafías significados coléricos y desesperados líneas versales, jugando con imágenes y símbolos para dar su voz, una voz poética que llaga a algunos y ofende a otros, pero que también redime y alegra. Ese ser es el poeta, y aunque su trabajo dicen algunos es estéril y no sirve para nada en este panorama amorfo y globalizante, continúa en su espacio lírico para asustar la realidad. Esa que ha envuelto a la poesía en un constante juego de egos y retribuciones institucionales “La poesía esa gran perra no tuvo la culpa/ de que inventaran los premios y las becas/” p.35

¿Qué tan ecuánime puede ser un poeta cuando se cree de los elogios de las masas apabullantes? ¿Cuánta necesidad existe para aquel que sostiene la palabra en una página en blanco para decir verdades, sus verdades y no venderse en la moda y la ostentación? ¿Cómo lograr el equilibrio entre el espacio creativo y el reconocimiento y no caer? “Caíste/ qué le vamos a hacer ahora/ que tu rodilla guarda cicatriz tan grande como tu apuro/ de mirar a dónde vienes/ sin saber a dónde caes/…qué le vamos a hacer si vives engañado a esa altura/ engañado de importancia/ y para terminar engañado de caídas” p. 30

“La poesía ha dicho Rimbaud, quiere cambiar la vida. No piensa embellecerla como piensan los estetas y los literatos, ni hacerla más justa o buena, como sueñan los moralistas. Mediante la palabra, mediante la expresión de su experiencia, procura hacer sagrado al mundo; con la palabra consagra la experiencia de los hombres y las mujeres, entre ellos y su conciencia. No pretende hermosear, santificar o idealizar lo que se escribe. Por eso no es moral o inmoral.

En Ozyko se afinan y perfeccionan el tema de quehacer del poeta, con afección y sorna reclama el espacio de donde se vive, y revive las corporalidades olvidadas de cuerpos infinitos. Marco Fonz nos permite entrar en su perturbadora y totalizadora irrupción de las miradas cotidianas, este poeta deja su voz y la convierte en un instrumento de afirmación y protesta.

Abrir los oídos a Lautreamont

2010-03-22T20:33:00.000-07:00

"Aquí hay quienes escriben para conseguir los aplausos de los hombres, por medio de nobles cualidades del corazón que la imaginación inventa o que ellos puedan tener. ¡ Yo hago servir mi genio para pintar las delicias de la crueldad! Delicias no pasajeras ni artificiales, sino que, al comenzar con el hombre, terminarán con él. ¿No puede el genio aliarse con la crueldad en las resoluciones secretas de la Providencia? ¿O porque se sea cruel se tiene que carecer de genio? La prueba se verá en mis palabras; vosotros sólo tenéis que escucharme, si queréis… Perdón, me pareció que los cabellos se me habían erizado, pero no es nada, pues con mi mano he conseguido colocarlos fácilmente en su primera posición. El que canta no pretende que sus cavatinas sean algo desconocido, al contrario, se satisface de que los pensamientos altivos y perversos de su héroe estén en todos los hombres’.

Conde de Lautreamont

Para N.D.

2010-03-09T22:52:00.000-08:00

Odilon Redon

Gloria al hombre que logra transmutar su dolor en creación. Su dolor en olvido y en camino a seguir. Volver de los pequeños infiernos del ser humano y hacerlos poema. Gloria al hombre enamorado del principio y de los confines. El lamento es ancla que hay que hacer que flote que se libere que se vuelva un ancla de polvo y de respiro. Hasta hoy caí en el juego cruel de los espejos de alabanza hueca. Por fin escucho palabras de sabiduría en boca de una joven sacerdotisa que trae en sus manos un fuego nuevo y que sana.
El otro día a la hora en el que la tarde entra a mi cuarto ella me tomo entre sus brazos y me curó y me salvó y sacó de mi todo mal y me dejó transparente y vacío para ahora llenarme con flores de futuros cósmicos nacidos inevitablemente del caos.
Aprender a guardar silencio, aprender a ver que hay caminos sobre el mar. Aprender a que la ira se convierta en poema, en canción, en creación. Dormir con la paz de los hombres buenos. Salvar los enojos y hacer del llanto la risa viva del hombre resucitado. Gloria al dos veces muerto y dos veces vivo. El amor nuevamente hace de mí un genio, un buen genio con bonanza. Qué importa ahora los malos poetas los corruptos los enfermos de un poder pequeño miserable mortal. Qué importan ahora las asociaciones de escritores o de artistas tan malos como tan pobres llenos de miedo. Toda lucha está en la felicidad de la creación, en el plasmar palabra, obra y pensamiento en cada huella que uno deja en la tierra. Los veré por sobre mi hombro y me dará risa el haber jugado con ellos. Los malos poetas.
Ella mi primavera, mi luna roja, mi corazón blanco. Mi camino a Lisboa. Ella poeta y maga. Ella risa del conocimiento. Ella vientos alisios. Reconocimiento del juego y del sueño en letras del fuego negro. No tengo que hacer preguntas ella me contesta sin decir yo nada sin que nada ella diga. Lo que ayer comenzó con violencia en otra parte en otros días es ahora la ternura quien da profundidad a mi visión. Nada ya queda para lo pasado, sólo las hojas sobre la tierra. Ahora me dice ella que los árboles crecen al revés y yo los veo de esa forma y vuelo por debajo de la tierra.
Gloria al hombre enamorado de los abismos de lo posible pues le es dado alas para ser libre. Gloria a quien se libera del dolor y de la monotonía. De la falsa magia y de la falsa poesía.
Gloria a quien se descubre nuevo y bello. Bienaventurado el Mesías Salvaje y su genio del amor universal y fraternal.
Ahora al entender todo dejo mi antiguo cuerpo, mis miedos, mi violencia y mi ira.
Dejo lo triste, lo malo, lo podrido en la palabra, lo terreno.
Gloria a quien pertenece ahora al mar y sus creaturas. Ahora al escuchar la voz de ella. Ahora al oírla escucho el latido del corazón de sus poemas.
Gloria al hombre enamorado de quien es imagen, destino y poesía. Ella.

abstrakta de Pablo Salmerón

2010-03-09T14:00:00.000-08:00

La naturaleza toda guarda en su carne más profunda la visión y el latir del poeta. Influye o no en los poemas. Se ve de alguna o muchas formas reflejada en las palabras o las estructuras que el creador decide usar para la construcción de su propio libro. Si José Gorostiza veía al poema como una construcción arquitectónica. El poeta Pablo Salmerón ve en su poemario abstrakta toda una construcción de mundos naturales. abstrakta no deja nada al azar y propone todo a la imaginación, el juego y la conciencia. Poemario que como la creación del mundo se fue armando poco a poco, sin prisa y con un latir que no es casual y sí es completamente natural. Algo tendrá que ver que el poeta Pablo Salmerón sea nacido en Madrid algo tendrá que viva desde hace años en San Cristóbal de Las Casas. Algo o mucho tendrá que ver su visión particular sobre la poesía, los poetas y el poema.
abstrakta es de esos poemarios que proponen un nuevo ver en el poema. Heredero de la tradición de los "ismos" de las vanguardias que muchos se empeñan en sepultar y que muchos niegan que sean poemas los creados en las vanguardias. Hasta se atreven a decir que en las vanguardias no se crearon grandes obras. Que necedad de negar lo que no se puede comprender. En fin, las vanguardias, crearon grandes obras, grandes poemas, y profunda libertad creativa. Esto sólo para ocupar de alguna manera las palabras académicas. Grandes, grande, fundacional, todas esas palabras etiquetas que la academia se encarga de alimentar cada cierto tiempo para seguir reafirmando panteones enteros de poetas de bronce. En cambio la libertad creadora y creativa no necesita grandes palabras. Necesita lo que tiene y es: libertad.
Así Salmerón con su abstrakta nos regresa al mundo natural y libre de la poesía. En sus páginas, en sus versos, en el poema y en el conjunto de poemas, la forma humana, la forma natural, la palabra en cueros y en vestimenta de gala. Los dibujos de Iván Villaseñor que abren un diálogo entre el poema y el trazo.
En abstrakta de Pablo Salmerón se conjuga todo lo que un lector de poesía busca y necesita.
Compartir la respiración natural del poeta con la vida sin prisa y sin atropellos. Hay que agradecer que el poeta Pablo Salmerón con abstrakta nos muestra que es verdad que el otro poema es posible.

Programa de Poetas en la Periferia en el Palcio de Minería

2010-02-08T16:47:00.000-08:00

Viernes 19 de febrero de 14:00 a 14:45 hrs. Recital de Poesía. Poetas en la Periferia con Margarito Cuellar y Miguel Ángel Godínez. SALÓN B SEIS.

Viernes 19 de febrero de 17:00 a 17:45 hrs. Recital de Poesía. Poetas en la Periferia con Andrés Cisneros y Adriana Tafoya. AUDITORIO TRES.

Sábado 20 de febrero de 16:00 a 16:45 hrs. Recital de Poesía. Poetas en la Periferia con José Vicente Anaya y Marco Fonz de Tanya. AUDITORIO TRES.

Sábado 20 de febrero de 18:00 a 18:45 hrs. Lectura Escenificada. Jean Genet con Fernando Huerta. AUDITORIO DOS.

Domingo 21 de febrero de 14:00 a 14:45 hrs. Homenaje a la poeta Thelma Nava. SOTERO PRIETO.

Domingo 21 de febrero de 18:00 a 18:45 hrs. Presentación de libro y lectura Dramatizada. Nuevos títulos de Editorial Andrógino (Teatro). Réquiem Profano, de Constantino de la Cruz. AUDITORIO TRES.

Domingo 21 de febrero de 19:00 a 19:45 hrs. Recital de Poesía. Dos poetas, dos generaciones: Alberto Trejo (Ciudad de México) y Jorge Lara (Yucatán). AUDITORIO DOS.

Miércoles 24 de febrero de 16:00 a 16:45 hrs. Lectura escenificada. Concha Urquiza con Tanya de Fonz. SOTERO PRIETO.

Viernes 26 de febrero de 16:00 a 16:45 hrs. Conferencia. El silbido de la tribu: el mito urbano en la joven poesía latinoamericana por Iván Oñate (Ecuador). AUDITORIO DOS.

Viernes 26 de febrero de 17:00 a 17:45 hrs. Recital de Poesía. Poetas en la Periferia con Federico Corral Vallejo y Juan Carlos H. Vera. AUDITORIO TRES.

Sábado 27 de febrero de 15:00 a 15:45 hrs. Presentación de libro. Aire de dos espaldas, de Marco Fonz de Tanya. SALÓM B SEIS.

Sábado 27 de febrero de 19:00 a 19:45 hrs. Presentación de libro y Recital de Poesía. El país de las tinieblas, de Iván Oñate (Ecuador). AUDITORIO TRES.

Domingo 28 de febrero de 14:00 a 14:45 hrs. Charla Literaria. El misticismo en la literatura con Ignacio Solares y Felipe Garrido. AUDITORIO CUATRO

Domingo 28 de febrero de 18:00 a 18:45 hrs. Homenaje. Homenaje a Macario Matus. Con Irma Pineda, Francisco Javier Santiago Regalado “Puga”, Maura Matus Ortega, Judith Santoprieto y Macario Matus Ortega. Lectura de poemas: Maura Ortega Gómez AUDITORIO UNO, SOTERO PRIETO.

Domingo 28 de febrero de 19:00 a 19:45 hrs. Presentación de libros. Nuevos títulos de Editorial Andrógino. Corazón de sortilegio, de Jaime Coello y Deriva, de Pablo Salmerón. SALÓN B SEIS.

Tienen que leer esto despacio y verán que no se pide nada extraño

2010-02-06T15:48:00.000-08:00

Cartas del vidente

Por Arthur Rimbaud

Versión: Ramón Buenaventura

PRIMERA CARTA:

De Arthur Rimbaud a Georges Izambard

Charleville, [13] mayo 1871

Estimado señor:

Ya está usted otra vez de profesor. Nos debemos a la sociedad, me tiene usted dicho: forma usted parte del cuerpo docente: anda por el buen carril. — También yo me aplico este principio: hago, con todo cinismo, que me mantengan; estoy desenterrando antiguos imbéciles del colegio: les suelto todo lo bobo, sucio, malo, de palabra o de obra, que soy capaz de inventarme: me pagan en cervezas y en vinos. Stat mater dolorosa, dum pendet filius, — Me debo a la Sociedad, eso es cierto; — y soy yo quien tiene razón. Usted también la tiene, hoy por hoy. En el fondo, usted no ve más que poesía subjetiva en este principio suyo: su obstinación en reincorporarse al establo universitario —¡perdón!— así lo demuestra. Pero no por ella dejará de terminar como uno de esos satisfechos que no han hecho nada, porque nada quisieron hacer. Eso sin tener en cuenta que su poesía subjetiva siempre será horriblemente sosa. Un día, así lo espero, — y otros muchos esperan lo mismo —, veré en ese principio suyo la poesía objetiva: ¡la veré más sinceramente de lo que usted sería capaz! Seré un trabajador: tal es la idea que me frena, cuando las cóleras locas me empujan hacia la batalla de París —¡donde, no obstante, tantos trabajadores siguen muriendo mientras yo le escribo a usted! Trabajar ahora, eso nunca jamás; estoy en huelga. Por el momento, lo que hago es encanallarme todo lo posible. ¿Por qué? Quiero ser poeta y me estoy esforzando en hacerme Vidente: ni va usted a comprender nada, ni apenas si yo sabré expresárselo. Ello consiste en alcanzar lo desconocido por el desarreglo de todos los sentidos. Los padecimientos son enormes, pero hay que ser fuerte, que haber nacido poeta, y yo me he dado cuenta de que soy poeta. No es en modo alguno culpa mía. Nos equivocamos al decir: yo pienso: deberíamos decir me piensan. — Perdón por el juego de palabras.

YO es otro. Tanto peor para la madera que se descubre violín, ¡y mofa contra los inconscientes, que pontifican sobre lo que ignoran por completo!

Usted para mí no es Docente. Le regalo esto: ¿puede calificarse de sátira, como usted diría? ¿Puede calificarse de poesía?

Es fantasía, siempre. — Pero, se lo suplico, no subraye ni con lápiz, ni demasiado con el pensamiento.

El corazón atormentado

Mi triste corazón babea en la popa,

Mi corazón está lleno de tabaco de hebra:

Ellos le arrojan chorros de sopa,

Mi triste corazón babea en la popa:

Ante las chirigotas de la tropa

Que suelta una risotada general,

Mi triste corazón babea en la popa,

¡Mi corazón está lleno de tabaco de hierba!

¡Itifálicos y sorcheros

Sus insultos lo han pervertido!

En el gobernalle pintan frescos

Itifálicos y sorcheros.

Oh olas abracadabrantescas,

Tomad mi cuerpo para que se salve:

¡Itifálicos y sorcheros

sus insultos lo han pervertido!

Cuando, al final, se les seque el tabaco,

¿Cómo actuar, oh corazón robado?

Habrá cantilenas báquicas

Cuando, al final, se les seque el tabaco:

Me darán bascas estomacales

Si el triste corazón me lo reprimen:

Cuando, al final, se les seque el tabaco

¿Cómo actuar, oh corazón robado?

No es que esto no quiera decir nada. Contésteme, a casa del

señor Deverrière, para A.R.

AR. RIMBAUD

SEGUNDA CARTA :

De Arthur Rimbaud a Paul Demeny

Charleville, 15 mayo 1871

He decidido darle a usted una hora de literatura nueva; empiezo a continuación con un salmo de actualidad:

Canto de guerra parisino

La primavera es evidente, porque

Desde el corazón de las Propiedades verdes,

El vuelo de Thiers y de Picard

Mantiene sus esplendores de par en par.

¡Oh Mayo! ¡Qué delirante culos al aire!

¡Sèvres, Meudon, Bagneux, Asnières,

Escuchad, pues, cómo los bienvenidos

Siembran las cosas primaverales!

Llevan chacó, sable y tam-tam,

No la vieja caja de velas

Y yolas que nunca, nunca…

¡Surcan el lago de aguas enrojecidas!

¡Ahora más que nunca nos juerguearemos

Cuando se vengan encima de nuestros cuchitriles

A derrumbarse los amarillos cabujones

En amaneceres muy especiales!

Thiers y Picard son unos Eros,

Conquistadores de heliotropos,

Con petróleo pintan Corots:

Ahí vienen sus tropas abejorreando…

¡Son familiares del Gran Truco!…

¡Y tumbado en los gladiolos, Favre

Hace de su parpadeo acueducto,

Y sus resoplidos a la pimienta!

La gran ciudad tiene las calles calientes,

A pesar de vuestras duchas de petróleo,

y decididamente tenemos que

Sacudiros en vuestro papel.

¡Y los Rurales que se arrellanan

En prolongados acuclillamientos,

Oirán ramitas crujiendo

Entre los rojos arrugamientos!

A. RIMBAUD

—Ahí va una prosa sobre el porvenir de la poesía. Toda poesía antigua desemboca en la poesía Griega, Vida

armoniosa. — Desde Grecia hasta el movimiento romántico, — edad media, — hay letrados, versificadores. De Ennio a Turoldus, de Turoldus a Casimir Delavigne, todo es prosa rimada, apoltronamiento y gloria de innumerables generaciones idiotas: Racine es el puro, el fuerte, el grande. — Si alguien le hubiese soplado en las rimas, revuelto los hemistiquios, al Divino Tonto no se le haría más caso hoy que a cualquiera que se

descolgara escribiendo unos Orígenes. — Después de Racine, el juego se pone mohoso. Ha durado dos mil años.

No es broma ni paradoja. La razón me inspira más convencimientos sobre el tema que rabietas se agarra el Jeune-France. Por lo demás, los nuevos son muy libres de abominar de los antepasados: estamos en casa y no nos falta el tiempo. Nunca se ha entendido bien el romanticismo. ¿Quién iba a entenderlo? ¡Los críticos! ¿A los románticos, que tan bien demuestran que la canción es muy pocas veces la obra, es decir: el pensamiento contado y comprendido por quien lo canta? Porque Yo es otro. Si el cobre se despierta convertido en corneta, la culpa no es en modo alguno suya. Algo me resulta evidente: estoy asistiendo al parto de mi propio pensamiento: lo miro, lo escucho: aventuro un roce con el arco: la sinfonía se remueve en las profundidades, o aparece de un salto en escena.

Si los viejos imbéciles hubieran descubierto del yo algo más que su significado falso, ahora no tendríamos que andar barriendo tantos millones de esqueletos que, desde tiempo infinito, han venido acumulando los productos de sus tuertas inteligencias, ¡proclamándose autores de ellos!

En Grecia, he dicho, versos y liras ponen ritmo a la acción.

A partir de ahí, música y rima se tornan juegos, entretenimientos.

El estudio de ese pasado encanta a los curiosos: muchos se complacen en renovar semejantes antigüedades — allá ellos. A la inteligencia universal siempre le han crecido las ideas naturalmente; los hombres recogían en parte aquellos frutos del cerebro; se obraba en consecuencia, se escribían libros: de tal modo iban las cosas, porque el hombre no se trabajaba, no se había despertado aún, o no había alcanzado todavía la plenitud de la gran ilusión. Funcionarios, escribanos: autor, creador, poeta, ¡nunca existió tal hombre!

El primer objeto de estudio del hombre que quiere ser poeta es su propio conocimiento, completo; se busca el alma, la inspecciona, la prueba, la aprende. Cuando ya se la sabe, tiene que cultivarla; lo cual parece fácil: en todo cerebro se produce un desarrollo natural; tantos egoístas se proclaman autores; ¡hay otros muchos que se atribuyen su progreso intelectual! — Pero de lo que se trata es de hacer monstruosa el alma: ¡a la manera de los comprachicos, vaya! Imagínese un hombre que se implanta verrugas en la cara y se las cultiva.

Digo que hay que ser vidente, hacerse vidente. El poeta se hace vidente por un largo, inmenso y razonado desarreglo de todos los sentidos. Todas las formas de amor, de sufrimiento, de locura; busca por sí mismo, agota en sí todos los venenos, para no quedarse sino con sus quintaesencias. Inefable tortura en la que necesita de toda la fe, de toda la fuerza sobrehumana, por la que se convierte entre todos en el enfermo grave, el gran criminal, el gran maldito, — ¡y el supremo Sabio! — ¡Porque alcanza lo desconocido! ¡Porque se ha cultivado el alma, ya rica, más que ningún otro! Alcanza lo desconocido y, aunque, enloquecido, acabara perdiendo la inteligencia de sus visiones, ¡no dejaría de haberlas visto! Que reviente saltando hacia cosas inauditas o innombrables: ya vendrán otros horribles trabajadores; empezarán a partir de los horizontes

en que el otro se haya desplomado.

— Continuará dentro de seis minutos —

Intercalo aquí un segundo salmo fuera de texto: préstele usted benévolo oído, — y todo el mundo se quedará encantado. — Tengo el arco en la mano, empiezo:

Mis pequeñas enamoradas

Un hidrolato lagrimal lava

Los cielos de verde col:

Bajo el árbol retoñero que os babea

Los cauchos,

Blancas de lunas especiales

Con los pialatos redondos,

¡Entrechocad las rótulas,

Monicacos míos!

¡Nos amamos en aquella época,

Monicaco azul!

¡Comíamos huevos pasados por agua

Y pamplinas de agua!

Una tarde, me consagraste como poeta,

Monicaco rubio:

Baja aquí, que te dé unos azotes,

en mi regazo;

Vomité tu bandolina,

Monicaco moreno;

Tú me habrías cortado la mandolina

Con el filo de la frente.

¡Puah! Mis salivas resecas,

Monicaco pelirrojo,

¡Todavía te infectan las zanjas

Del pecho redondo!

¡Oh mis pequeñas enamoradas,

os odio tanto!

¡Sujetaos con trapos dolorosos

Las feas tetas!

¡Prestadme los viejos tarros

De sentimiento en conserva!

¡Hale, venga, sed mis bailarinas

Por un momento!…

¡Los omoplatos se os desencajan,

Oh amores míos!

¡Con una estrella en los riñones cojos,

¡Dadles la vuelta a vuestras vueltas!

¡Y pensar que por tales brazuelos de cordero

He escrito rimas!

¡Me gustaría romperos las caderas

Por haber amado!

Soso montón de estrellas fallidas,

Id a llenar los rincones!

— ¡Reventaréis en Dios, albardeadas

De innobles cuidados!

Bajo las lunas particulares

con los pialatos redondos,

¡Entrechocad las rótulas,

Monicacos míos!

A. RIMBAUD

Ahí lo tiene. Y tenga usted en cuenta que, si no me lo impidiese el temor de hacerle pagar más de 60 céntimos de porte, — ¡yo, pobre pasmado que hace siete meses que no veo una monedita de bronce! — ¡aún le mandaría mis Amantes de París, cien hexámetros, señor mío, y mi Muerte de París, doscientos hexámetros!

Vuelvo a tomar el hilo: El poeta es, pues, robador de fuego. Lleva el peso de la humanidad, incluso de los animales; tendrá que conseguir que sus invenciones se sientan, se palpen, se escuchen; si lo que trae de allá abajo tiene forma, él da forma; si es informe, lo que da es informe. Hallar una lengua;

— Por lo demás, como toda palabra es idea, ¡vendrá el momento del lenguaje universal! Hay que ser académico, — más muerto que un fósil, — para completar un diccionario, sea del idioma que sea. ¡Hay gente débil que si se pusiera a pensar en la primera letra del alfabeto, acabaría muy pronto por sumirse en la locura!

Este lenguaje será del alma para el alma, resumiéndolo todo, perfumes, sonidos, colores, pensamiento que se aferra al pensamiento y tira de él. Si el poeta definiera qué cantidad de lo desconocido se despierta, en su época, dentro del alma universal, ¡daría algo más — la fórmula de su pensamiento, — la notación de su marcha hacia el Progreso! Enormidad que se convierte en norma, absorbida por todos, ¡el poeta sería en verdad un multiplicador de progreso!

Este porvenir será materialista, ya lo ve usted; — Siempre llenos de Números y de Armonía, estos poemas habrán sido hechos para permanecer. — En el fondo, seguirá siento, en parte, Poesía griega.

El arte eterno tendría sus cometidos, del mismo modo en que los poetas son ciudadanos. La poesía dejará de poner ritmo a la acción; irá por delante de ella. ¡Existirán tales poetas! Cuando se rompa la infinita servidumbre de la mujer, cuando viva por ella y para ella, cuando el hombre, — hasta ahora abominable, — le haya dado la remisión, ¡también ella será poeta! ¡La mujer hará sus hallazgos en lo desconocido! ¿Serán sus mundos de ideas distintos de los nuestros? — Descubrirá cosas extrañas, insondables, repulsivas, deliciosas; nosotros las recogeremos, las comprenderemos. Mientras tanto, pidamos a los poetas lo nuevo, — ideas y formas. Todos los listos estarán dispuestos a creer que ellos ha han dado satisfacción a tal demanda. — ¡No es eso!

Los primeros románticos fueron videntes sin percatarse bien de ello: el cultivo de sus almas se inició en los accidentes: locomotoras abandonadas, pero ardorosas, que durante algún tiempo se acoplan a los carriles. — Lamartine es a veces vidente, pero lo estrangula la forma vieja. — Hugo, demasiado cabezota, sí que tiene mucha visión en los últimos volúmenes:

Los Miserables son un verdadero poema. Tengo Los castigos a mano; Stella da más o menos la medida de la visión de Hugo. Demasiados Belmontet y Lammenais, Jehovás y columnas, viejas enormidades muertas. Musset nos es catorce veces detestable, a nosotros, generaciones dolorosas y presa de visiones, — que nos sentimos insultados por su pereza de ángel. ¡Oh cuentos y proverbios insípidos!

¡Oh noches! ¡Oh Rolla, oh Namouna, oh la Coupe! Todo es francés, es decir: detestable en grado sumo: ¡francés, no parisino! ¡Una obra más del odioso genio que inspiró a Rabelais, a Voltaire, a Jean La Fontaine, comentado por el señor Taine! ¡Primaveral, el espíritu de Musset! ¡Encantador, su amor! ¡Esto sí que es pintura al esmalte, poesía sólida! La poesía francesa se seguirá paladeando durante mucho tiempo, pero en Francia. No hay dependiente de ultramarinos que no sea capaz de descolgarse con un apóstrofe estilo Rolla; no hay seminarista que no lleve sus quinientas rimas en el secreto de su libreta. A los quince años, tales impulsos de pasión ponen a los jóvenes en celo; a los dieciséis empiezan a conformarse con recitarlos con sentimiento; a los dieciocho, incluso a los diecisiete, todo colegial que esté en condiciones hace el Rolla, ¡escribe un Rolla! Incluso puede que quede alguno todavía que pierda la vida en ello. Musset no supo hacer nada: había visiones tras la gasa de las cortinas: él cerró los ojos. Francés, flojo, arrastrado del cafetín al pupitre del colegio, el hermoso cadáver está muerto, y, de ahora en adelante, no nos tomemos siquiera la molestia de despertarlo para nuestras abominaciones.

Los segundos románticos son muy videntes. Th. Gauthier, Leconte de Lisle, Th. de Banville. Pero cómo inspeccionar lo invisible y oír lo inaudito que recuperar el espíritu de las cosas muertas, Baudelaire es el primer vidente, rey de los poetas, un auténtico Dios. Vivió, sin embargo, en un medio demasiado artista; y la forma, que tanto le alaban, es mezquina: las invenciones de lo desconocido requieren de formas nuevas.

— Experimentada en las formas viejas, entre los inocentes, A Renaud, — ha hecho su Rolla; — L. Grandet, — ha hecho su Rolla; — los galos y los Musset, G. Lafenestre, Coran, Cl. Popelin, Soulary, L. Salles; Los escolares, Marc, Aicard, Theuriet; los muertos y los imbéciles, Autran, Barbier, L. Pichat, Lemoyne, los Deschamps, los Dessessarts; los periodistas, L. Claudel, Robert Luzarches, X. de Richard; los fantasistas, C. Méndez; los bohemios; las mujeres; los talentos, Léon Dierx y Sully-Prudhomme, Coppée; — la nueva escuela, llamada parnasiana, tiene dos videntes: Albert Mérat y Paul Verlaine, un verdadero poeta. — Ahí lo tiene. De modo que estoy trabajando en hacerme vidente. — Y terminemos con un canto piadoso.

Acuclillamientos

Bastante tarde, sintiéndose con asco en el estómago,

El hermano Milotus, sin quitar ojo del tragaluz

Desde el cual el sol, claro como un caldero rebruñido,

Le clava una jaqueca y le marea la vista,

Desplaza entre las sábanas su barriga de cura.

Se agita bajo su manta gris

Y baja con las rodillas en la barriga trémula,

Pasmado como un viejo comiéndose su toma

Porque tiene, agarrado del asa un orinal blanco,

Que arremangarse la camisa por encima de los riñones.

Ahora ya está en cuclillas, friolento, con los dedos del pie

Replegados, tiritando al claro sol que contrachapea

Amarillos de bollo en los vidrios de papel;

Y la nariz del hombre, alumbrado de laca,

Husmea en los rayos de sol, como un polipero carnal.

… … … … … … … … … … … … … … … … … … … … .

El hombre se cuece a fuego lento, con los brazos retorcidos,

[ con el belfo

Metido en la barriga; siente que se le escurren los muslos en el

[ fuego,

Y que las calzas se le chamuscan, y que la va a diñar;

¡Algo parecido a un pájaro se menea un poquito

En su barriga serena como un montón de mondongo!

En torno a él duerme un batiborrillo de muebles embrutecidos

En andrajos de mugre y sobre panzas sucias;

Hay escabeles, poltronas extrañas, acurrucados

En los rincones negros; aparadores con jeta de chantre

Entreabiertos a un sueño lleno de horribles apetitos.

El asqueroso calor embute la habitación estrecha;

El cerebro del hombre está atiborrado de trapos.

Escucha un crecimiento de pelos en su piel húmeda,

Se descarga, sacudiendo su cojo escabel.

… … … … … … … … … … … … … … … … … … … … .

Y por la noche, bajo los rayos de la luna, que le trazan

Alrededor del culo rebabas de luz,

Una sombra con detalles sigue en cuclillas, contra un fondo

De nieve rosa como una malvarrosa.

Una nariz estrafalaria persigue a Venus por el cielo profundo.

Sería usted execrable si no me contestase: rápidamente. Porque

dentro de ocho días puede que esté en París.

Hasta la vista.

A. RIMBAUD

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2010-01-29T16:06:00.000-08:00

Carta de renuncia pública a la AEMAC

Esta carta tiene como propósito hacer pública y formal nuestra renuncia a la Asociación de Escritores de México, A.C. (AEMAC), por la cual pedimos nos desliguen de cualquier cercanía y relación con esta Asociación, así como también, pedimos, que por ningún motivo la AEMAC pueda pedir fondos o recursos a instituciones públicas o privadas para sus actividades, en nombre, o bajo el nombre del proyecto independiente Verso Destierro.

Renunciamos al apoyo económico de dicha Asociación. Si se hace un análisis de los recursos ejercidos por la AEMAC a lo largo de estos tres años, es notorio que se han monopolizado en torno a un par de proyectos: Literal y Viento en Vela. Al igual que la promoción de un encuentro internacional, el Vértigo de los Aires, por parte de los integrantes de estos mismos proyectos. Por tales motivos es que nos sentimos lejanos del carácter e interés de la AEM, que ha demostrado estar más enfocada en estandarizar el concepto de “poesía”, de tal modo que todo lo que alrededor se desarrolle sea sólo un “ruido”; forma por demás decir convencional de viciar el panorama de la poesía mexicana; de modo que estos proyectos no han dado aportaciones reales al contexto poético nacional, pues sólo han sido suma de modelos ya existentes en favor de sus intereses personales.

Los motivos de esta renuncia son de carácter ético, puesto que se han falseado los estatutos de la Asociación y han sido utilizados a su antojo y conveniencia, siendo estos maleables de acuerdo a sus caprichos para acaparar así los recursos que se piden en nombre de los afiliados.

Además de la deslealtad con sus escritores y poetas asociados, pues en lugar de aceptarlos como compañeros de trabajo en la cultura por un bien social, los ven sólo como rivales a destruir, y convierten el ámbito de los escritores en un hipódromo de “competencia empresarial”: esto incluye ataques por internet, y “descalificaciones” tanto públicas como burocráticas de los proyectos, principalmente fomentadas por el chileno Héctor Hernández Montecinos y Jocelyn Pantoja, a través de poetas jóvenes, e inocentes en el medio literario, que usan como carne de cañón. Esto puede resumirse en una frase de Pantoja, con la cual nos intentó aconsejar, y sólo evidenció su baja calidad moral en una reunión en el Centro Cultural la Pirámide: “Hay que cooptar a los escritores jóvenes para adoctrinarlos y aprendan mejor a trabajar para nosotros” (cita textual de Jocelyn, en aquel momento directora de la AEMAC).

En su momento se propusieron proyectos, pero la burocracia “especulativa” creada por el consejo de la AEMAC se encargo de que ninguno llegase a puerto, al igual que el de varios escritores asociados que también presentan aquí su renuncia. Al momento de entrar en la asociación, en el 2007, dieron a nuestra editorial un apoyo de 8 mil pesos para la edición de un libro, cosa que sucedió con otros proyectos que en su momento también se acercaron a la recién “renovada” asociación, que navegaba con la bandera de impulsar a proyectos independientes y artistas en general. Cosa que evidentemente no se cumplió.

Verso Destierro sólo realizó con la Asociación una coedición en el año 2009, (pues no hubo ningún apoyo en sí, ya que cada proyecto recibió 50 y 50 por ciento de la producción) del poemario del poeta mexicano Max Rojas, Memoria de los Cuerpos. Cuerpos I, con el cual obtuvo el Premio Iberoamericano de Poesía para Obra Publicada Carlos Pellicer, 2009. Único logro que obtuvimos, mismo que nos acercó en algún momento a esta asociación, para editar los libros que comprenden el extenso poema de Cuerpos, de Max Rojas, acto con el cual hemos cumplido al concretar este primer tomo con gran satisfacción, y dar por terminado este convenio, dejando así el contexto para que se sigan publicando los siguientes títulos con “diversas” editoriales independientes.

Por estas razones y amparados por la ley de libre expresión, pedimos a las instituciones pertinentes, se realice una auditoría, por motivos de transparencia, para ver en qué proporción los recursos monetarios se han monopolizado entre algunos de los integrantes de la AEMAC en relación a la cantidad de afiliados que existen.

Renuncia pública de los escritores:

Karina Falcón, Israel Soberanes, Hugo Garduño,

Homenic Fuentes, Adriana Tafoya, Víctor Manuel Soberanes,

y Andrés Cisneros de la Cruz.

Apoyamos la denuncia del poeta Marco Fonz.

29 de enero de 2010, Ciudad de México.

El otro mensaje de Marco Fonz:

Voces desde la dimensión desconocida

Compañeras y compañeros:

Disculparán que me haya tardado tantos días en continuar el mensaje inicial lleno de improperios, groserías, falta de madurez de mi parte, malas palabras, faltas de ortografía y faltas administrativas y chingaderas dichas de una forma irresponsable de mi parte pero necesaria para despertar a esos ánimos que parecen ya domesticados a veces por becas, premios y otros estímulos a "jóvenes poetas y no tan jóvenes poetas".
Pero este miserable hombre que soy, ya me regañaron por ser o parecer un poeta lastimero, jajaja, pues tengo que ganarme el poema de cada día honradamente y dignamente, aunque ya me dijeron por ahí que también tengo cola que me pisen, jajaja. Y hasta Raúl Zurita me envió un mensaje en donde se extraña de mi actitud y le molesta que ataque a su Hernández Montecinos y les molestan mis "chingaderas, cabrones, valemadres y mis jajaja jijijiji y jojojo". Parece que nunca han hablado con un mexicano vulgar y común y corriente. En fin que traté pero no se le puede dar gusto a todo mundo entonces como dice la canción: Mi gusto es y quién me lo quitará...
En fin agradezco los 23 mensajes de apoyo a mi mensaje de mentadas de madre y tres en contra de mi mensaje de mentadas de madre: los tres en contra son: Raúl Zurita, Benjamín Morales y Hernández Montecinos, que ya hasta me amenazó con hecharme a la policía mexicana, como si no la conociéramos ya, jajajaja.
En fin que algo traman los cobardes. Esos fueron los tres en contra los otros 23 a favor es muy larga la lista y creo que se hará más larga todavía. Y lo demás es silencio.
De los mensajes a favor me han pedido desde que ya me retire a escribir mis propios poemas hasta que proponga algo o diga más nombres o que porque me interesa que me lean a los que detesto.
Creo que todo eso lo puedo hacer poco a poco. Ya Benjamín Morales me dijo que para qué me quería hacer el paladín de la poesía mexicana y yo le comenté que no era mala idea ser Suuuuuuuuuuuuuuuper Poeeeeeeeeeeeeeeeta aaaaaaaaaaaaaaa: en contra de los poetas corruptos.
Ahora, yo no veo mal que los amigos se inviten a bailar Gloria Trevi en sus fiestas, en sus casas, con sus novios o novias, y que coman con el sudor de su frente o de sus nalgas, cada quien. (Ya hasta Montecinos me acusó de xenófobo y homofóbico, jajaja) conociéndolo a él, de corrupto y con premios mal dados, soy y puedo ser hasta testículo de jehova. Jajaja. En fin que no veo mal que cada quien haga su fiesta como quiera y donde quiera. Lo que me parece mal y vuelvo a repetir es que se repartan con tanto descaro y tanta desverguenza los premios becas y apoyos. Y además que pongan toda esa porquería institucional sobre la POESIA. En verdad que es para estar decerebrado creer que porque una institución o un grupo de amigos te premian o te apoyan ya eres el Gran Poeta o la gran estrella literaria. Ahí es donde se nota la falta de lectura y la falta de vida. De VIVIR plenamente y no de vivir de discurso de minorías. Porque ya está bien de soportar discursos sobre el sufrimiento gay sobre el sufrimiento del pueblo chileno o sobre cómo sufre la izquierda sin el poder. Por favor, si estamos viendo que tanto la derecha como la izquierda premian a los mismos poetas cerdos que se callan y no dicen nada y son dóciles como todo sistema y con toda mierda que les pongan en la cabeza o les embarren en la cara con tal de seguir recibiendo ayuda económica. Porque ayuda poética nunca la tendrán. Ahora desde hace años en México estamos padeciendo la entrega de premios de una forma desleal, podrida, enajenada, repetitiva, indigna, deshonesta, sin ética, y además sin gracia ni belleza que eslo peor, lo vemos todos los días en el inba, canal 22, conaculta, el fce y así en todas las instituciones. Los premios de poesía y de literatura no garantizan nada, entonces porqué me quejo. Bueno me quejo porque esos premios han sumergido a la llamada Poesía Mexicana, que tampoco creo que exista como tal, en un hoyo mediocre y timorato y tibio ante el nivel mundial de "literatura" . Los poetas que aquí proponen Poesía de altos vuelos son olvidados por lectores o son desconocidos por los "jóvenes poetas". En fin que aunado a la corrupción por todos los premios y becas existe también la falta de lecturas y la ignorancia dentro y fuera de los "Jóvenes poetas" y alguno que otro poeta viejo y multipremiado. Como una vez en Guadalajara, tierra de la fil, un poeta que trabaja en una librería de pegacarteles y que acaba de recibir un premio me dijo: Yo solo leo a mis amigos. Y como yo no era ni soy su amigo pues no me lee tampoco. Lo curioso es que no creo que Dante, Virgilo, Pound u otros poetas sean sus amigos pero creo que los lee o no los lee. Por la forma en que actua sé que no los lee.
Jajajaja. En fin que si seguimos así seguiremos de Rancho Grande Poético con nuestros caciques poéticos para largo.
Me han pedido en los mensajes de apoyo que diga nombres, que haga propuestas, que escriba de forma más ordenada y más seria mis críticas. Tal vez lo haga, si no me gano una beca antes o un premio que me calle la boca, jajaja, lo voy a hacer porque veo que hay mucha gente inconforme ya con esas movidas de estos mafiosos poetas.
Un día de enero de 1994 en el panteón de San Cristóbal de las Casas estaba el cadáver de una niña indígena como de 4 años en rigor mortis, su mamila y su ropa al lado de ella, su tío, su abuelo y su papá, al lado de ella. Asesinados por el heróico ejercito mexicano. Yo trabajaba de periodista y fotógrafo para varios periódicos de la zona. Y el cuerpo de esa niña tenia los hoyos de las balas en su cuerpo del tamaño de una pelota de ping-pon. Y así me retiré pensando que los poetas de mi país iban a protestar se iban a levantar en palabras contra el gobierno se iban a manifestar y a renunciar de todo con tal de que eso cambiara, ha cambiado lentamente en Chiapas, yo pensaba que Sabines y otros harían protestas contra toda institución y contra toda mafia y corrupción literaria. Pero no pasó nada. Yo no sabía que los poetas de mi país ya estaban vendidos hasta por cinco generaciones y ya les habían comprado su palabra, su boca, su dignidad y su culo. Yo no sabía que estaba rodeado de cadáveres manfloritos.
Por esa niña indígena, no me importa que me llamen cursi o llorón, por eso cuerpos y otros de indígenas, no me importa que me llamen setentero o folklórico o indigenista, por esos compañeros muertos en las montañas en la selva en los desiertos en la sierra de guerrero, oaxaca chihuahua y otras muchas partes de México, por ellos y por mí mismo, no voya dejar de quejarme y de denunciar en contra de "jóvenes poetas" que se emobrrachan hasta la madre, por su miserables vidas, que andan de putas y putos con dinero del estado, porque son felices y libres, que al final de cuentas es nuestro dinero, que se creen libre sólo porque bailan a Gloria Trevi y todo es felicidad y ganan premios que no merecen y becas que no merecen y todavía se llenan la boca con que son propositivos e independientes y tiene hasta una cartonera llamada Santa muerte qué blasfemia en contra de una Santa que es mi santa. Y que cuando se les confronta salen corriendo en busca de ayuda de la policía, por favor. Por decirle a Hernández Montecinos: "que la cosa se le iba a poner cabrona" se asustó y me amenazó con la policía. No que él es unpota maldito que rompe reglas que le vale madre todo que se tira unpedo en la iglesia y que es irrespetuoso con estructuras formas y demás cosas. No que era un hijo de Rimbaud. Ojalá se coloque en su lugar porque un poetamaldito no recibe premios amafiados como el Premio Neruda.
Por favor YA BASTA de estos farsantes, por ahí me dicen que no se los digo en su cara, ya van a ver que poco a poco lo voy a hacer. Y como trabajo solo pues me tardaré un poco más pero lo van a ver que vamos a cambiar esto, yo y mis otros yos,jajajaj.
En fin compañeras y compañeros, les pido que si tienen propuestas, nombres qué denunciar, escritos, y demás aclaraciones que a muchos les va a sonar como insultos, lo hagan público cada quien desde su pequeña trinchera de su propio espíritu, lo hagan público y denuncien poco a poco a cada uno de esos seres, esos sí, en verdad oscuros y chafas. Y hay que comenzar a limpìar la casa de tanta porquería.
Un día vamos a la pirámide a comenzar a sacar corazones y los llevaremos a nuestras urnas llenas de copal y ahí y desde ahí invocaremos a la POESIA. Y dejaremos atrás a los mentirosos y farsantes que quieren ser y nunca serán poetas.
Convoco a perder el miedo. Convoco a que nos pisen la cola pero que en unos años podamos estar con la conciencia tranquila viendo como se otorgan los premios y las becas a quien en realidad lo merece por su propio esfuerzo y su amor a la poesía.
Convoco a que en solitario y solos como estamos seamos una sola voz y vayamos poco a poco derribando a esos seres cobardes y haciendo y construyendo la vida dentro y fuera del poema. Convoco de esta forma torpe a perder el miedo y comenzar a señalar primero a Fabre, Lumbreras, Hernández Montecinos, Zurita. Y decirles que ya no les creemos. Y vendrán los otros a ser señalados aunque esto se convierta en una convención de dedos señaladores desde la dimensión desconocida, Jajajajaja.
Convoco a perder el miedo.

Marco Fonz
2010

P.D. Vuelvo a repetir porque a muchos no les ha quedado claro. No ataco a Hernández Montecinos ni por gay, ni por chileno, ni siquiera por mal poeta, lo ataco por mafioso, corrupto, cobarde y mentiroso. Que si fuera otro como tantos como él existen también les llegará su fiestecita, jajajaja. No que en México hay que denunciar la corrupción, pues ya empecé, jajaja. Super Poeta al rescate de la poesía mexicana. El paladín de los poetas, jajajaja. Allá en el rancho grande, allá donde vivía, había un poeta que alegre me decía que alegre me decía, te voy a ser tus poemas como los usa el ranchero te los comienzo de premios te los acabo de becas, jajajaja. Arriba México cabrones, bang bang bang.

requiem para Tierra Adentro, continuará...

Iván Oñate/ El país de las tinieblas

2010-01-26T17:55:00.000-08:00

Un brazo de amigo te lleva a otro brazo de amigo, como si fuéramos náufragos y midieramos las distancias marinas con brazadas de amigos.
Raro para mí que siempre había negado que existiera eso de la "amistad" o de los llamados "amigos". Pero si no creía en esas palabras me di cuenta de que las practico con gran experiencia de quien ve y sabe los tipos de nubes que existen.
El amigo Epigmenio León me presentó con el poeta Margarito Cuellar que a su vez me presentó con el poeta ambateño Iván Oñate.
Maravilla del primer encuentro con risas y risas y levitaciones y através de las paredes.
Al llegar a Quito vi mi primer amanecer en tierras del ecuador. En punto a las seis de la mañana el sol daba su verde lengua a esa ciudad. Abordé un autobús al centro de la ciudad. No encontraba por teléfono al poeta pero después ahí estaba yo en una estación de policía, único lugar con un teléfono público, hablando con el poeta y él preguntando que diablos hacía yo ahí y cómo había llegado a un lugar tan extraño del centro de Quito. Media hora después el poeta Oñate ya me estaba aleccionando de cómo sublir y bajar las calles del Quito viejo en donde todo o casi todo es colonial y las iglesias están llenas de oro.
Ya estaba yo desayunando junto con el poeta y su esposa Magdalena, qué pareja tan hermosa y tan fuerte. Tenía yo frente a mí tortillas mexicanas, las mejores tortillas mexicanas hechas en Ecuador. Ahí este desterrado de sí mismo estaba bañado comido y con una cama en donde descansar mis cuatro días y noches de viaje que me hice desde Lima a Quito por autobús.
Dormí hasta las cinco de la tarde y después acompañé al poeta a la universidad central de Quito en donde después daría dos lecturas de mi poesía y hablaría sobre algunas cosas de la poesía en México.
La casa del poeta Iván y su familia tiene un jardín que parece el jardín del edén. La casa tiene libros y una cálida cocina en donde se han construido sueños y comidas desde los tiempos anteriores al ser humano. Ahí se respira la vida plena.
Iván Oñate poeta que no le da miedo decir lo que piensa claramente, y en cada una de sus clases demuestra la verdadera libertad de cátedra. Sin estar atado con nadie y sin compromiso alguno con nadie mas que con su poesía.
Con él confirmé que el poeta puede hacer su trabajo con dignidad y ética. Tanto que a muchos poetas mexicanos les hace falta aprender esas dos palabras y a vivirlas.
El poemario: El país de las tinieblas se presentará en la Feria Internacional del libro del Palacio de Minería. Y el poeta Iván Oñate dará una plática muy interesante que de seguro te cambiará la visión que tienes sobre la poesía y los poetas.

El 25 va a leer poemas en la Casa del poeta a las 19:00 hrs. Por si no pueden ir hasta la feria de minería lo pueden ver en la casa del poeta

Viernes 26 de febrero de 16:00 a 16:45 hrs. Conferencia. El silbido de la tribu: el mito urbano en la joven poesía latinoamericana por Iván Oñate (Ecuador). AUDITORIO DOS.

Sábado 27 de febrero de 19:00 a 19:45 hrs. Presentación de libro y Recital de Poesía. El país de las tinieblas, de Iván Oñate (Ecuador). AUDITORIO TRES.

Así se va compartiendo el poema que es la humanidad y que es el contacto con amigos y poetas y brazos poéticos.

Marco Fonz

(la historia continua)

Joan Navarro y SèrieAlfa

2010-01-09T16:34:00.000-08:00

sèrieAlfa.art i literatura Núm. 43
València i Mèxic tardor 2009 ISNN 1989-3590

Veus del Tsotsil

[Poetes mexicans en llengua tsotsil]

Manuel Bolom Pale + Ruperta Bautista + Andrés López Díaz

Coordinat i prologat

per

Marco Fonz de Tanya

Vinyetes:

Pere Salinas

http://seriealfa.com/home.htm

A veces se olvida en México que los poetas mexicanos también hablan otros idiomas a parte del español o castellano. Y se olvida que por más antologías que hagan sobre "poetas mexicanos" nunca estarán completas si no incluyen a los poetas en idiomas indígenas de nuestro país.
Afortunadamente existen seres sensibles y buenos lectores de lo que sucede con la poesía en el mundo. El trabajo de Joan Navarro no es el único pero sí es uno de los mejores que conozco hasta ahora. El otro poeta que considero un buen lector de poesía y un ser sensible también por el trabajo poético que realiza es el poeta Mario Meléndez.
Ambos logran ampliar la visión poética y enriquecen nuestra lectura con las antologías o muestras de poemas que realizan.
En este caso Joan Navarro nos invita a entrar a la lectura de tres poetas mexicanos en idioma tsotsil.
La poesía si verdadera va encontrando sus propios ríos que irán a la mar de la creación.
Así que se agradece el compartir traducciones y visiones de estos trespoetas, Manuel, Ruperta y Andrés.
Hacer las cosas de una forma honesta y con ética da un avance lento pero profundo.

No deje de visitar la página de SèrieAlfa.

Tanya Cosio/ la creación de Tanya de Fonz

2010-01-09T16:01:00.000-08:00

Foto: Miguel Angel Godinez

LA POESÍA NOS SALVA: TANYA COSIO/ LA CREACION DE TANYA DE FONZ

El comienzo. El entrar a una obra literaria. Dar un paso a la poesía. Trabajo de un lector en busca de todo el tiempo-espacio que le toca vivir. Y si ese lector es exigente, con mayor razón e imaginación se agradecen los descubrimientos poéticos.

Andaba así por la vida buscando poetas de los que Rubén Darío llamó "raros" y de los que Verlaine llamó "malditos". Leía lo evidente y leía lo que las instituciones querían que leyera, pero también buscaba lo que las instituciones no querían que leyera. Fuera de todo eso. Fuera de toda lucha literaria y de todo grupo poético o grupo artístico. Caminaba Tanya.

La obra de Tanya de Fonz es una de esas obras poéticas que se van creando con toda la pasión y el deseo y el erotismo que VIVE un ser humano VIVO y DESPIERTO.

Antes de ese encuentro Tanya escribía como una poseída y desesperada. Llegué a conocer más de 50 cuadernos llenos por todas partes de las hojas de ellos. Lo blanco se perdía entre tantas palabras y dibujos, dibujos por demás extraños pero misteriosos en forma y significado.

Tanya era sus escritos. Junto con la escritora vive su actriz. A veces una más presente que la otra pero las dos magníficas y geniales hasta en sus malos momentos.

Tanya y yo habíamos compartido conciertos, ciudades, calles, lugares distintos y hasta amigos de amantes o los amantes mismos. Todos esos elementos nos habían juntando sin presentarnos y sin saber que en dos horas de estar platicando en San Cristóbal nuestras vidas cambiarían para crear juntos.

La primera vez que nos vimos afuera de la cineteca y vimos juntos pero sin estar juntos la película El círculo perfecto, salimos de la función y al estar platicando caímos en la cuenta de que no nos caíamos bien y cada quien agarró por su lado.

Después de dos años y vida, nos volvimos a ver y esta vez sí para conocernos y platicar en el Blue Bar durante dos horas de ese 26 de agosto del 2000. Cuando me iba un amigo italiano nos puso dos cervezas enfrente de nosotros y ahí me quedé. Ya nos habíamos reconocido y sabíamos quiénes éramos. Tanya preguntó: -¿cómo te caigo ahora? Yo contesté que no me caía bien ni mal, que eso me parecía de secundaría. Tanya pensó:-qué mamón este, ya va a empezar otra vez. Yo contesté que no me caía ni bien ni mal, pero que le pedía que se casara conmigo a la iglesia y al civil y que se quedara a vivir ahí en Chiapas o donde ella quisiera.

Y después de algún silencio y de preguntar que si era en serio y comenzó a sonreír y después contestó que sí. Y ya después de media hora o algo así nos dimos el primer beso. Y después todo comenzó a ser de otra forma, de mil formas y de mil maneras distintas de amar y de odiar. Tanya cree que ningún ser tiene que reprimir lo que siente o piensa y así había libertad de hacer lo que uno quisiera en el momento en que uno quisiera.

Así que Tanya se convirtió en Tanya de Fonz y yo en Marco Fonz de Tanya por aquello del equilibrio de género en los nombres y de suprimir al "yo". O convertirlo en un Yo poético.

Tanya en San Cristóbal de Las Casas año 2000 matrimonio por el civil, después viajamos a Guadalajara matrimonio por la iglesia.

Así con ese principio comenzó una nueva etapa de creación. Ya he dicho que Tanya escribía como poseída, en trance, en un vínculo secreto entre ella y la naturaleza y su naturaleza. Leía al mismo tiempo también, con una desesperación de leer el mundo entero y lo sigue haciendo de esa misma manera bella de leer todo, desde los poetas más ligeros hasta los signos del día o de la noche. Todo lo que llega a sus ojos es devorado por su capacidad infinita de entenderlo y de analizarlo con imaginación, visión e inteligencia todos los textos hasta hoy escritos por los seres humanos y por la naturaleza. Tanya es de las pocas personas que conozco que lee muy bien y lee profundamente y además tiene la capacidad de entrar en los textos y las ciudades y en los seres humanos de una forma rápida y correcta. Tanya de Fonz como la absenta, como el hada verde. Deja salir de los seres humanos lo peor y lo mejor sin juicio de ningún tipo sólo la presencia de esa dualidad.

El primer poemario que Tanya de Fonz publica tal cual en papel en forma de plaquette es Jocabed y la ranura abierta. Poemario publicado en el año 2003 en San Cristóbal de Las Casas. En nuestra editorial TAN-MAR. Con un diseño de portada del fotógrafo Efraín Cedillo y con un dibujo del pintor y dramaturgo Eduardo G. de la Cruz. Eternos amigos. Jocabed y la ranura abierta inaugura la forma mística y mágica que Tanya desarrollará en casi toda su poesía. Los temas de los que habla tendrán esa religiosidad y esa carnalidad viviendo en sus propias palabras. El tono mesiánico, que tantos poetas buscan sin encontrarlo. Lo lleva Tanya de una forma tan natural que nos hace verlo como parte de nuestra propia vida común y ordinaria.

"Elegida para procrear ríos

iridiscente sangre vaciándose

brecha en pasajes bíblicos

desenfreno del aire en moisés

bajo tus mejillas

sonrosadas como melocotones de gitano"

La condena tiene su tono feliz y romántico. Jocabed cumple a la perfección el designio de Dios y el por qué de su creación. Madre, demonio, santa, personaje bíblico olvidado por generaciones machistas e insensibles. Tanya cuando nombra a Jocabed pareciera hablarse a sí misma y declarar de una forma violenta pero necesaria, su misión carnal en este momento.

"Mujer

abriste la Tierra."

De esa forma Tanya de Fonz declara a todos los vientos cuál es su misión aquí junto a nosotros aquí con su poesía.

El segundo libro publicado también en Chiapas es un libro que se hermana con el otro tema que explorará Tanya durante los poemarios que hasta hoy ha publicado. Los temas sociales, políticos y panfletarios.

Pequeño panfleto en gran formato y otras cuartillas es un poemario publicado en el año del 2003.

También en la editorial TAN-MAR.

Como su nombre lo indica no trata de ocultar que los poemas que propone son muy cercanos al panfleto. Esto del panfleto que a tanto seudopoeta asusta, uno de esos seudopoetas nos decía que parecía de los años 70 hablando de revoluciones y esas cosas, y Tanya contestó que entonces él era más viejo todavía y parecía más anticuado hablar de amor y de ciervos, que eso ya llevaban cantando los poetas desde hace más de dos mil años.

Poema panfleto, poema necesario dentro de una tradición exteriorista e imaginista, ya sabemos que hay quien declara a las vanguardias muertas, a la poesía en crisis y muerta y otras cosas que nacen de sus propios miedos. Afortunadamente Tanya de Fonz no tiene miedo ni complace a nadie. Afortunadamente para la poesía Tanya escribe tal cual como tiene que hacerlo de una forma libre y sin compromisos, sólo comprometida con la palabra y la poesía.

Así Tanya le canta a nuestra "América devastada/ dividida/ se te saltó el ombligo/ se convirtió en isla." En otra parte adelanta su visión y escribe: "América partida/ sin saberlo/cavan/el hueco/ donde/ flotarán." Y así con las mineras candienses y otras tantas compañías explotadoras de nuestros suelos y algunos empresarios mexicanos que sólo les gusta ver el vacío en vez de la naturaleza cavan su propio hueco en donde flotarán.

Pareciera que el poema-panfleto es agresivo, pero es más agresiva la inconciencia y la estupidez de algunos seres humanos. Tanya termina su poemario diciendo:

"Los sueños destejen cabellos en los poetas

que ahora viven en siquiátricos.

Poesía lenta que a chorro brota para escándalo académico.

Los poetas tejen sueños en blanda cama."

Dos formas de crear la poesía. Una en la locura la otra en la cómoda academia. Nada es lo que parece en la poesía. Y esto nos deja divididos los juicios y fragmenta la experiencia de crear. Se prefiere a la locura como musa inicial.

Después de vivir injusticias de todo tipo en Chiapas, vamos a Guadalajara, ahí también nuestros destinos son confusos y llenos de rechazos pero afortunadamente está la familia que nos ayuda a comprender mejor el mundo que vivimos y que a veces sin ninguna razón aparente nos rechaza incluyendo algunos seudopoetas. Así comenzamos a conocer mejor el mundillo literario y a sus integrantes, que la verdad dan mucha pena sus formas de moverse en el mundillo literario. Entonces viajamos a España y Francia. Ahí vivimos y conocimos a dos de nuestros seres más luminosos que existen. El poeta Carlos Edmundo de Ory y su esposa y pintora Laura Lachéroy de Ory. Junto con otros nmaravillosos amigos que no nos dejaron caer en la depresión ni en la desesperación. Gloria y Albert, Miguel Riera, Francisco Fernández Buey, Chantal, Cristina y Enrique y varios amigos.

Al regresar de ese viaje Tanya ya traía bajo el brazo varios poemarios. Todos vivos y llenos de fuego y de luz. Y el primero en salir fue Ronda de muertos. Al regresar a Guadalajara envié varios mensajes a personas en el D.F. mensajes en donde invitaba a cualquier interesado en publicar poemarios. Y quien contestó fue Andrés Cardo y Adriana Tafoya quienes hacen la revista Versodestierro. Nosotros junto con ellos iniciamos la colección de Las cenizas del quemado, esto es porque Andrés tenía recién hecha una quemadura en su brazo y así salió el título de la colección. Ronda de muertos fue el número 3 de la colección. Libro tanatonauta, libro lúdico en donde Orfeo juega y sueña con sus viajes al infierno y a la tierra.
Poemario que es publicado en el año 2005 y curiosamente da inicio también a nuestra editorial Andrógino. El libro es apoyado para su edición por la revista Sic, de nuestros amigos Ovidio Ríos y Jaime Coello. Y en su portada e interiores lleva dibujos de Eduardo G. de la Cruz.

Ronda de muertos es un viaje a la muerte y sus detalles de vivos.

"Mi palabra
tragaluz que informa.

Cubierta de cuevas
donde ofician muertos."

Tanya de Fonz inicia con su palabra y su propia luz en la cuevas en donde los muertos ofician sus visiones y desesperaciones. Cantos, rondas, religión e invocaciones. En el prólogo Gutiérrez de la Cruz la llama con toda certeza Mujer-Tierra, Mujer-Sol, voz y lengua atravesada por flores de jazmín.
Ronda de muertos es un poemario habitado por muertos. Vivos todos desde su mortandad, desde su mortalidad los vivos saben qué continúa. Ronda de muertos da fuerza a la tradición de los libros como La danza macabra del cementerio de los Santos Inocentes en París. El Pere Lachaise visitado y revisitado por todos los habitantes de ese cementerio. La danza de la muerte en ronda de muertos invitan a participar en sus cantos y sus juegos. Libro que no tiene miedo a decir lo que realmente se tiene que decir. Denuncia a una Europa que se disfraza con piel de oveja pero que en realidad es un lobo que continua acechando a América, Africa y otras partes del mundo.
Princesa hechizo y espada parte evocativa a la infancia y a los sueños mágicos y maravilosos y al compromiso de cumplir, sin miedo ni al fracaso ni a la muerte, la misión encomendada por un destino trágico pero maravilloso, en donde la visión no se ha cumplido todavía.
Y en un reencuentro con su Jalisco escribe Tiempo para hablar de Clemencia con Clemente. Recuerdo de infancia en el Hospicio Cabañas, en Guadalajara, en México, en América. Recuerdos futuros que se clavan en las páginas como un poema de largo aliento central y tan bien equilibrado que le da a Ronda de Muertos un final excelente.
Ronda de muertos poemario de gran fuerza y de gran visión en cada uno de sus poemas.
Afortunados quienes lo tienen en sus libreros y frente a sus ojos.
Los viajes y el conocimiento y acercamiento que se tienen durante la vida a lugares, ciudades y personajes. Llevan a Tanya de Fonz a reafirmar su visión y su contacto con el mundo. Es en este tiempo que la poeta Claribel Alegría le dice en un mensaje que Tanya es profunda y sabia.
Aunque en México se acostumbre el desprecio y el ninguneo, afortunadamente cuando la obra poética esta bien escrita y cumple con todos los requisitos, entonces no hay poder humano que pueda detenerla.
En este caso es que se publica el poemario Abanicos, publicado en el año 2006 y se hace la coedición con Fridaura y nuestra editorial Andrógino.
En A ba ni cos, de arriba hacia abajo es que se escribe como en la portada, el juego y el arriesgar formas y romper reglas en la poesía. Y proponer maneras distintas de leer y entender el poema. Tanya nos propone un juego de inteligencia y de lectura detenida. Los abanicos es el tema a desarrollar y lo presenta de tal forma que a veces no percibimos que estamos dentro de una parte del abanico. La historia se puede y se debe tener como un tema para la poesía. Insertar ente las páginas de un poemario hechos históricos que cambiaron algunos fragmentos de la historia hace que este poemario se vea enriquecido con tal propuesta. El juego está en lo absurdo de estos hechos históricos. El amor es uno de los temas que aunque se vea de menor presencia, siempre está ahí en las palabras de Tanya. El amor junto con la esperanza. Una de las características de los poemas de Tanya de Fonz es que aunque parezcan sus versos fatalistas en su mayoría siempre al final ya sea del poema o entre cada uno de sus versos o estrofas o al final del libro siempre aparece la esperanza y el saber que con conciencia siempre se va hacia adelante.

"Hubiera querido ofrecerte un abanico de nácar
sólo tardes soleadas, una mano brillante
rebozos en flor.

Sólo tu beso puede acercarse a mi cuerpo.
Si te cansas, deposítame tumba blanca
deja una flor roja hundida en mi pecho."

La belleza con sabor amargo, la belleza difícil, la belleza extraña y exótica vive en los veros de Tanya.
Uno de los libros que más me gustan es Mi locura es una cuerda rota, publicado por nuestra editorial Andrógino, en el año 2007. Da una visión fresca y novedosa de presentar un poemario. Las hojas en donde habitan los poemas están sueltas. No lleva grapas ni pegamento. Aunque las páginas están numeradas el lector puede acomodar los poemas como él quiera o como su corazón le diga.
Poemario que reafirma a la locura como hada, como musa, como duende, reafirma de una manera tan acertada que pareciera decir que la cordura está errada y que lo que nutre es la locura.
En muy pocos poetas veo tanto gozo al crear. Tanya de Fonz es una creadora de poemas incansable. Escribe como el cielo crea y deshace nubes. De una forma tan natural como un demiurgo crea y destruye mundos.
Sus poemas tienen el latido de Dios.

CICATRIZ

corro dentro de mí
como judía en el holocausto
como mujer embarazada de Acteal
como niña quemada en Hiroshima
como poeta en el GULAG
corro dentro de mí
me encuentro con otros
que también van corriendo
sin saber a dónde vamos
a dónde acudir
en dónde guarecer nuestras manos
nuestra boca desdentada
nuestros cuerpos hechos hilo
corremos dentro de nosotros
somos nosotros mismos quienes nos perseguimos
no nos alcanzamos
cuando nos alcanzamos
ya estamos a un paso de ser nuevamente polvo
cicatriz del alba
cicatriz del tiempo
cicatriz de siglos.
Cicatriz encerrada
clausurada
cicatriz en la mejilla
golpeada
de Dios."

Inquietantes sus versos. Afortunados quienes han bebido de su palabra y quienes tienen sus poemas como visiones. Afortunado el mundo de que todavía nazcan poetas como Tanya de Fonz. Dentro de un tiempo diferentes lugares de México y otros del mundo se pelearán por decir que nació ahí o que estuvo ahí o que en esos sitios escribió algunos poemas. Dentro de algún tiempo grandes editoriales se pelearán por editarla. Y así nuevamente se cumplirá el destino afortunado de todo POETA, de todo verdadero poeta.
Una de las editoriales que tuvo buen presentimiento y buen ojo editor, que tanto nos hace falta en estos momentos, ojos de buenos editores, fue la editorial Literal, que en el año 2007 en su colección de poesía Limón partido, publicó el más divertido y real libro de poesía titulado Canto de cerdos. Irreverente, grosero, altisonante, real y a destiempo, ofende, retrata, satírico, todas las reglas gramaticales y todas las leyes poéticas están ahí pero en libertad absoluta, no me extraña que muchos seudopoetas no entiendan este poemario de Tanya de Fonz. Parece que estos lectores no han entendido que el mundo de la poesía ya cambió. Que existen ellos pero que también ya deben de abrir sus sentidos y dejar fluir lo que no entienden.
Dice Max Rojas en el prólogo:
"Poesía descarnada, puro hueso porque ya nos dejaron sin la médula; panfletaria, si así quiere llamársele, pero escrita con elegancia, con decoro -y vuelve a esta palabra a la que todos deberíamos darle plena vigencia, y sin perder el vigor y el rigor que se requiere para que cumpla su papel de abrir los ojos y erizar la carne."

Canto de cerdos es un poemario escrito sin miedo, con conciencia, con verdad y honestidad. Es un poemario que no miente ni guarda poses ni busca gustar a nadie ni complacer. Es un poemario ácido pero lleno de belleza.
Otra de las características de los poemas de Tanya de Fonz es que están llenos de una energía vital poco vista en la mayoría de los poemas que se escriben en México. Y que como poeta mujer escribe como una gran poeta mujer y eso le da más pureza y profundidad y seriedad gozosa a su palabra.

"Los que escriben son los malditos de Dios.
Los visionarios. Los que saben que los cubos de sangre
nunca acabarán de vaciarse.
Los que ven a los bosques caminar sin su consentimiento
acercarse peligrosamente y derrocar
a la sangre que se vestirá con otra sangre"

Algunos no soportan esos versos porque se acerca a la profecía. Las voces que dictan estos versos son voces de Dios. Lo he vivido junto a Tanya. No vienen de otro sitio más que del interior de Dios. Todo viene de ese lugar. Canto de cerdos es creación de una poeta creada por Dios. Todo lo que está ahí incluído el demonio de entre cada verso, todo fue creación divina.

Tanya de Fonz lee y escribe y actua y vive como un millón de seres humanos. Y así continua su incansable tarea de darle belleza al mundo.
Su más reciente poemario fue publicado en el año 2009 y se titula Poemas para poetas. Editorial Letras de Pasto Verde, Colección El Celta Miserable. 14 poemas que pareciera que son todas las poéticas que Tanya de Fonz conoce y maneja a la perfección. Poemas escritos para poetas que ella ha visto pasar por el camino de la poesía. Un testimonio y un poemario tal vez el más íntimo que ha publicado hasta hoy. En donde el tema central es el poeta.
Tanya le dice a Claribel Alegría en su poema titulado con su nombre:

"Querida poeta, nuestro pagaré a cobrar
lo hemos pagado con la vida.
Nuestras letras brincan
cuando recibimos tus palabras:
nuestra originalidad le brotó al día
somos como flores fresacas
recién despiertas
que ninguna mano
-nunca-
podrá cortar.
Tus mensajes-manantiales
nos hacen creer que el tiemo
es un sueño generoso
donde seres arrebatadores
nos salvarán
a traves de la piedad,
la sonrisa, la Poesía."

Así estos siete poemarios de Tanya de Fonz son como sus siete días que vive de una forma intensa y feliz, preocupada y esperanzada. Dice Tanya que los poemas deben de ser como esos días, a veces son días soleados y otros nublados. Otras veces con lluvia intensa y otras secos como el desierto. Tanya cree que un poemario es perfecto si tiene todos estos estados naturales. También cree que los poetas son como la naturaleza fue creando los diferentes elementos que la conforman. Hay poetas flores del camino, hay poetas huracanes, hay poetas riachuelos y hay poetas tempestades y a cada uno hay que escuchar y sentir de acuerdo a su propia naturaleza. Así a nueve años de vivr ser y estar junto a Tanya de Fonz y su creación he entendido poco a poco a lo que se refiere cuando dice con su risa y su sonrisa muy particulares: -La poesía nos salva.
Cuando vende poemarios en diferentes lugares y dice esta frase. Las personas a veces ignoran que les está ofreciendo su salvación por medio del poema. Al oírlo venir de ella quien entrega su vida a la poesía al teatro y al arte junto a la creación, sé que lo dice con toda la dignidad de que sabe que el camino del poeta está lleno de luz y de sombras y que ella como mujer poeta, como lectora de signos secretos que lleva la vida, tiene el compromiso eterno de hacer de su palabra camino en donde otros lectores buscarán en sus poemas esa llama necesaria para calentar el espíritu.
A nueve años de compartir su creación y su vida este texto es un pequeño reconocimiento a su pasión y su determinación de hacer lo que bien vino a hacer al mundo. Poemas, teatro y belleza la vida.
Como bien dice Tanya de Fonz:- La poesía nos salva hasta de nosotros mismos.

Marco Fonz
Tlalpan 2009

William Osuna nos invita a ver los muros de su patria

2009-07-22T17:29:00.000-07:00

Nuestro amigo el poeta Ivan Cruz, admirador y buen lector de la poesía que se escribe en Venezuela. Me regaló hace unas semanas un libro que ha despertado mis más feroces instintos de lector y de poeta. Libro de poemas titulado: Miré los muros de la patria mía. Verso de Francisco de Quevedo, otro despertador de conciencias e imaginación.

Pues bien hace tiempo que no me levantaba de mi asiento, expulsado por extrañas y mágicas palabras y hace tiempo que no temblaba mi espíritu con el poema. La magia de estas palabras late en que son palabras de todos los días de todas las horas pero colocadas de una manera que te hacen ver al mundo diferente. Vaya con el poeta William Osuna, aparte de todos sus premios que tiene. Qué bárbaro poeta ha dado la tierra de Venezuela. Tanto que me dan ganas de salir corriendo a estrechar su mano y decir que por fin alguien, a parte de Tanya de Fonz, me hace sentir que uno no está solo en el mundo del poema.

Ojalá lo puedan conseguir es en verdad un libro que vale por lo que dice con cada una de sus letras.

Y ojalá pronto venga a México. Sería un gusto enorme salir borrachos de una cantina del centro después de escuchar sus poemas.

Salud, Vida y Poemas al poeta William Osuna.

Letras de Pasto Verde

2009-07-22T16:59:00.000-07:00

Desde Orizaba, Veracruz, la editorial Letras de Pasto Verde dirigida por el poeta Mario Islasáinz se lanza a publicar 50 poetas de México. Todos y todas ellas, hombres y mujeres de poemas son publicados en una colección de poesía llamada El Celta Miserable. 50 ejemplares sólo para conocedores. Un tiraje digno para estos tiempos en donde más que nunca hace falta un poema al día.

Las colecciones de poesía tienen larga historia en el mundo. En cada colección nunca están todos los que son pero están todos los que están. Y eso ya es una muestra rica y una visión amplia de la salud de sus poetas en cada país. En este caso México goza de excelente salud con respecto a sus poetas. Todo está en crisis menos la poesía.

El martes 28 de julio a las 7 de la tarde presentaremos dos títulos de esta colección en la Casa del Poeta.

Los títulos son:

Poemas para poetas de Tanya de Fonz

Fruto herido que se come a solas de Marco Fonz de Tanya

Se presentarán junto con el cantautor de Guadalajara, Iván Antillón. Sorpresas y más sorpresas en esa presentación y celebración triple. La colección El Celta Miserable, los poemarios nuestros y la música de Antillón. Todo en el Bar Las Hormigas que se convertirá en un circo de tres pistas. Vamos a ver cómo le hacemos.

Agradecemos gratamente y publicamente al poeta Islasáinz y a su equipo editorial: José Pulido Tinoco, Ildegardo Flores Peña y especialmente al diseñador gráfico y artista plástico Gustavo Santiago López. Por continuar la labor de gigantes artistas de llenar al mundo de belleza.

Así continuará la poesía por sobre todos los muertos cantando sin cerrar los ojos al horror.

Salud y gloria al Celta Miserable. Larga vida al poema y a las colecciones de poetas en Letras de Pasto Verde.

José Hernández Delgadillo/ pintor muralista humano

2009-04-17T13:45:00.000-07:00

Ayer 16 de abril tuvimos la fortuna de acompañar al maestro pintor muralista y humano José Hernández Delgadillo. Qué maravilla verse envuelto en su pintura y en sus imágenes. En su vida y en su historia de lucha y de conciencia social.

Pintor para muchos desconocido y para otros olvidado pero para nosotros VIVO más VIVO. Su palabra compartida por su compañera Beatriz Zamora y por sus hijos Beatriz Hernández y Francisco Hernández.

Noche de recuerdos creativos, de poesía, de lucha social, de crítica humana.

El poeta Leopoldo Ayala trajo a la memoria el trabajo y el compromiso del pintor con la gente y con la obra.

Escuchamos, recordamos, Tanya y yo cuado vivimos en la casa-estudio de Hernández Delgadillo en el medioajusco. Casa en forma circular, de ladrillo rojo, con su espíritu entre sus dibujos, libros, pinturas que ahí aguardan el ser visitadas nuevamente por inquietos artistas que no les hayan matado ya su espíritu.

Sus cosas que demostraban el trabajo siempre fiel a la lucha social y al arte.

Varias visiones, varias palabras dijo el maestro Delgadillo, me quedé con: el artista no debe de caer en el juego de las instituciones, el artista no debe competir con otros artistas. Nunca hay que dejar la autocrítica.

Muralista genial. Un pintor de visión profunda. Colores vivos como sus sueños.

Qué belleza en la lucha social contar con la pintura de José Hernández Delgadillo, pocos artistas mexicanos han logrado acompañar al fuego en el arte sin quemarse. Sus cuadros son como cometas llenos de buenos augurios.

Su Prometeo nos volvió a traer el fuego del conocimiento. Nos muestra y nos invita a ser inteligentes y sensibles.

La noche de ayer para Tanya y para mí se abrió otra vez el camino. No has muerto camarada. No has muerto camarada. Ahí en las paredes del salón de la plástica mexicana laten varios corazones en forma de pinturas. Vayan y escuchen esos cuadros. Sean parte de un pintor verdadero y profundo. La compañía es necesaria y el tiempo se encarga, afortunadamente de quitar toda basura falsamente artística y hacer que lo real, lo que está creado con verdadero espíritu humano salga y nos muestre que sí es posible vivir con dignidad y ser un artista y dedicar la vida a la creación del arte y a la creación de uno mismo.

Vayan a ver y a acompañar a la pintura de José Hernández Delgadillo.

El sentido es crecer y ser y ese sentido se encuentra en esos cuadros.

Salón de la plástica mexicana

Colima no.169

Col. Roma norte

Gracias a la Fundación José Hernández Delgadillo por la invitación y a Alberto Cerritos.

"Se llama poesía todo aquello que cierra la puerta a los imbéciles."

2009-02-15T08:24:00.000-08:00

El poeta pobre de Spitzweg

Dentro de la imaginación más común, se ve al poeta desprotegido de todo bien y con todos los males posibles. Como si después de Eva y Adán, el poeta fuese el tercer desterrado y descielado del paraíso. Antes creía esto también, que de alguna manera y de muchas formas el destino del ser que decide dedicar su vida y muerte y obra a la poesía, sería el de ser pobre de bienes materiales y rico en conciencia y en espíritu.

Oh luz del saber! que a sus hijos da la claridad prometida. Así en elcamino me encontré con otros tantos que creían lo mismo y entonces confirmar que para "ser poeta" hay que sufrir.

Y el camino de espinas seguí y en condiciones infrahumanas viví y contento estaba con mi sufrimiento y mi pasión por los poemas. De la manera más romántica pero sin títulos nobiliarios ni el dinero de sus rentas pero con sus fantasmas y amadas en el otro mundo y su espiritualidad para espantar a los mediocres de alma.

Afortunadamente esos calambres poéticos pasaron y transmutaron en otro tipo de conocimiento. He de decir que para mi propio bien y con el egoísmo que me caracterizaba, encontré o me encontraron en mi camino a varios maestros que no ostentan el título de maestros no porque no los tengan sino porque son muy humildes, humildes en el mejor sentido de esta palabra sin la falsa humildad de la que habla Sábato.

Así que encontré maestros, maestras y demás seres luminarios y oscuraditos de los que bebí como en una fuente extraña, bebí grandes tragos de dolor y de paciencia y de trabajo y más trabajo. De dónde más se obtiene lo que ya se tiene sino del trabajo que cuesta sacar todo a la
luz.
Así que todo se fue a la poesía y de la poesía todo retorna.

El ojo lleno de dientes

2009-02-10T16:29:00.000-08:00

Once años ya han pasado y quedado en la poesía. El ojo lleno de dientes poemario que se inició en 1986 y que se publicó por primera vez en 1998 por Tierra Adentro.
Ya no hay ejemplares ni en las librerías de libros usados.
Y entonces ahora comenzar otra vez para verlo publicado nuevamente.

2009-02-10T16:12:00.000-08:00

Odilon Redon

Primer Manifiesto Retaguardia de la Poesía

¡Viva la poesía de la Generación de los Muertos!

Manifestamos:

1.-La Retaguardia avanza al revés.

2.-Tenemos como pulso vital y creativo lo visionario.Tenemos como motor la profunda curiosidad del depredador. Tenemos como única salida la libertad absoluta de escribir como se nos hinchan las letras. Y tenemos como transgresión la luz primigenia del huevecillo en la punta de la flecha.

3.-No practicamos el culto a la personalidad. No creemos en las luminarias creadas por el estado, por instituciones, por academias, ni fundaciones, ni por grupos formados por la desesperación de la fama poética.

4.-Creemos en la continuidad del trabajo poético y enla raíz del mundo de cabeza de la estética.

5.-¡Vivan los ismos! Nuestra tradición viene del Romanticismo, Simbolismo, Decadentismo, Expresionismo,Surrealismo y Postismo y otros todos los ismos de la historia humana y poética.

6.-Como espíritu llevamos el lenguaje onírico, como alma el lúdico, como corazón los idiomas indígenas,como razón la sin razón.

7.-Creemos en la Poesía libre de todo compromiso Social, Político, Educativo, Cultural y Económico.Creemos en la Poesía desnuda, amoral, Poesía viva con todo lo que esto tenga de riesgo.

8.-No escribir para gustar: escribir para ver más allá.

9.-Poesía de bárbaros, de salvajes, de instintos.Poesía para la Poesía.

10.-La Retaguardia avanza al revés. Vamos un pasoadelante de la "poesía" y de los "poetas" miedosos.(Con miedo nadie puede ser poeta). Nos pega el aire en la cara por eso muchas veces miramos hacia adentro.Sin miedo ni al fracaso ni a la muerte. Avanzamos con lo visionario. Con los corazones del pulpo cósmico en las manos. Sin nudos en la voz ni en el cerebro ni enla lengua. Sin temor al tiempo. Poesía libre por la Poesía libres.

Adiós a los "poetas cobardes". Hasta aquí llegaron.

Concluimos: La Generación de los Muertos es nuestrageneración. La muerte como Re-evolución de la conciencia. La muerte el principio para cantarle a la vida. La muerte como Retaguardia de la Poesía en México. Como vigía de las próximas visiones de los Poetas.

Ciudad de México octubre-2006 Año Caníbal

Marco Fonz de Tanya

Tanya de Fonz

Eduardo Gutiérrez de la Cruz

Marco Fonz de Tanya o las raíces de la virtud

2009-02-10T15:49:00.000-08:00

Marco Fonz de Tanya y Jaime Coello/ Casa del Lago. 2008

Fotografía de Ovidio Ríos

y vive en mí como yo en mi mano.
Hugo von Hofmannsthal.

Cada libro es una puerta, una puerta blanda como la cama es un ataúd blando. La poesía de Marco Fonz de Tanya es un animal selvático. Nos mira y su mirar nos asombra. Unas palabras que nos suenan de algo, de un sexo que espera desde la muerte de Góngora. Oír cáscara amarga el décimo tercer libro de Marco Fonz de Tanya llegó a mis manos, no podía haber sido de otra manera, de sus manos más amadas, las manos de Tanya de Fonz. Junto con el libro la consigna también amarga de que la poesía nos salva. ¿La poesía salva al lector, salva al mundo de un peligro, salva al poeta del lector y del mundo en peligro o se salva a sí misma, onanista, del mundo que crea o representa extinguiéndose en su propia ilusión salvífica? Es la víspera de una intemperie excesiva. El libro puerta Oír cáscara amarga de Marco Fonz de Tanya desfila o bandea esa intemperie. Es un libro de poesía, la poesía nos salva se ha dicho. Hermosa e ingenua consigna para un pragmático como yo. ¿De qué situaciones al margen de la muerte puede salvarnos la poesía? Me corto las venas delante del libro y no lo veo llamar desesperadamente como un niño pequeñito que apenas puede hablar al nueve once para salvarme. Suicidio asistido. La poesía no solivia al suicida, lo asiste. Es la clase de muerte que por más que queramos no conseguiremos. Es el ojo de un muerto borroso, casi extraviado.

En los poemas de Oír cáscara amarga no es fácil fijar el hallazgo, el tema va de la mano de ese aliento a todas luces insospechado. La interpretación que, escurridiza, escapa a la primera lectura debe dilucidarse en la relectura. Y es que hay un afanoso promisorio decirle al alba y no al lector lo que el poeta escucha, lo que es capaz y posible escuchar según las raíces de su virtud. Lo que se dice en la oscuridad de la vida. El cuerpo que robo de la soledad el deseo. El cuerpo y sus posibilidades metafóricas. Versos hipoglucémicos que según Gombrowitz deben escribirse hoy. No son poemas para una mesa de centro. Esos destellos de luz que el sonido posa sobre el sentido dejándonos ver la dimensión de un alma que cumple a cabalidad con su destino. Porque Marco Fonz de Tanya es el chamán que se sitúa en el comienzo de palabras y las cosas y la cosmogonía del cuerpo nos la cuenta. Cuerpo terrestre y terrenal y polvo, cuerpo palabra, ausencia y acomodo de lo ausente en un territorio página. Acomodo de lo invisible, latente y poderoso. La poesía de Marco Fonz de Tanya no está por lo inefable, que según Wittgestein debe seguir callado. En busca de lo probable, de lo ansiado y lo probable en Oír cáscara amarga la sensación o certeza de que bajo las apariencias de las palabras y los cuerpos late poderoso e inmenso un mundo invisible. La poesía de Marco Fonz de Tanya no se parece a ninguna.

Las palabras inauditas en los poemas de Marco Fonz de Tanya se bifurcan de forma insospechada, dóciles o mostrencas las emancipa el sonido. Las imágenes se desbordan insólitas estercolando las páginas que nos salvan de la horrenda verdad dioniciaca. Sin que el lector lo sospeche algo en él ha de cambiar, el sentido que, subterráneo, cobran los versos colmando el asombro. Porque la de Marco Fonz de Tanya es una voz auténtica y la temperatura en los poemas se templa por el oficio. Enredaderas gramaticales. Sustantivos gemelos que, a fuerza de poesía se descubren unidos en la sangre gramatical. El sustantivo acá sueña ser un sustantivo cuádruple. Unir dos sustantivos cuerpo que no necesariamente concuerdan en número y esencia. El extrañamiento nos remite a Jesús Gardea. La erótica que subyace en los poemas. Un viaje al cuerpo invisible que todos habitamos y vive en el espanto de lo frágil. El espacio de la poesía y el espacio de la realidad confluyen en un solo cuerpo el cuerpo de Oír cáscara amarga.

Qué en el alma de Marco Fonz de Tanya se drena, qué cuerpos sin límite. El alma luchando cuepo a cuerpo con su límite. Pero la piel no es límite sino sucesividad poética. Imágenes fecundantes de una palabra generosa. Indagar en el cuerpo que también es palabra los Outsiders y hibsters en la palabra. El cuerpo que quiere ser otra cosa. El cuerpo también es mirada: visión ilícita. Oír cáscara amarga es una colección de visiones que con su lucidez devoran a todo lector. Estamos hablando de una palabra orgánica, una palabra viva y una poesía más comprometida que vaporosa, no es la de Marco Fonz de Tanya una poesía en la que Orfeo se chupe el dedo y con las migajas de ese acto desvela el mundo. Orfeo en su poesía es como quien nos da su corazón en una caja, como quien desde las entrañas escribe y luego canta.

Alejandro Espinosa.