tag:blogger.com,1999:blog-33325815912851750572024-03-05T11:47:03.910-08:00El ojo lleno de dientes:Me tragarán pero me vomitaránMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.comBlogger55125tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-34900230693368613402013-06-07T10:33:00.002-07:002013-06-07T10:33:16.689-07:00Sobre Marco Fonz y Nono de Panópolis de Mauro Hernández Fuantos <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjHk_i0p9UboZuZjDyggjVohSNhwBgDp_xBQtpt1G7dYji9tIezPsTx5n67bfXZy3hyphenhyphen1vKHw9CGz2Q8QfXd2aZ3MJkEqbogSL7p4oz0YhVYlZ9zo1ahWzllBJ8vhR2hLLu2GcXfXlMGcFi/s1600/Marco+Fonz+por+Corina+del+Carmel+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjHk_i0p9UboZuZjDyggjVohSNhwBgDp_xBQtpt1G7dYji9tIezPsTx5n67bfXZy3hyphenhyphen1vKHw9CGz2Q8QfXd2aZ3MJkEqbogSL7p4oz0YhVYlZ9zo1ahWzllBJ8vhR2hLLu2GcXfXlMGcFi/s320/Marco+Fonz+por+Corina+del+Carmel+2.jpg" width="218" /></a></div>
dibujo de Corina del Carmel<br />
<br />
<br />
<div align="RIGHT" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><b><br /></b></span></span></div>
<div align="RIGHT" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><b><br /></b></span></span></div>
<div align="RIGHT" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><b>Dos
amigos ermitaños se encuentran de un milenio al otro</b></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="es-ES" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" lang="es-ES" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-ES">(Nono
de Panópolis siendo egipcio también es griego y todavía conoció
parte de Asia menor. Sus dos grandes obras, las que llegaron a
nosotros, son variantes de otras obras, de ideas de otros autores,
Homero y San Juan. Marco Fonz para ser mexicano (me consta su
preocupación por la aparente inexistencia de una poética mexicana)
se comparte con Latinoamérica, ahora vive en Ecuador. Y no es la
única vez en su vida que se ha repatriado. Esto para hablar de sus
similitudes.)</span></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-ES">(En
este libro un Nono expectante (que también es nueve, que también es
ermitaño, que también es abuelo, qué también es egipcio, griego,
católico copto) se nutre del mundo, de la obra de otros, de él
mismo para ser parte del </span></span></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-ES"><i>tránsito
del gozo/entre dios y hombre</i></span></span></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-ES">.
Dispuesto a curtirse para dar su paso hacia el vórtice.</span></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-ES"> Marco,
para enfrentarse a la parte de vacío que le tocó, funde la luz de
su faro con la de otros eremitas: si algo le gusta es leer, luego el
diálogo con sus textos. La crítica consciente después de la
inconsciente; después de saborear los sueños, calibrarlos. Sabe
bien que nada es nuevo, que todo ya estuvo aquí. El sol también se
ha repetido pero nosotros no podemos ni siquiera comprobar que las
montañas antes fueron éter.</span></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="es-ES"> ¿Entonces
qué queda? Tomar las partes que podamos comer las que gustan y las
que no. Así la poética de las variaciones. Que al admitir la
paráfrasis ratifica el diálogo.)</span></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" lang="es-ES" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i>(Hombre,
si me escuchas allá afuera</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> sigue
el curso del clima</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><i> y
come la carne cruda del poema.)</i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
(¿Por
qué este poema parece un hombre? Porque vive y dialoga; también
llegará a morir. Puede ser uno de esos focos rotos por los otros más
torpes; por los otros hombres de la edad que no ven y aplastan como
un elefante soberbio.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
(Las
grandes ideas, los grandes conocimientos ya están aquí y allá. No
se trata de tomar un atajo y usar los caminos allanados. Para ir
hacia adelante sólo hay que dejarse llevar. Entender a los maestros
es ver la propia radiografía.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i>(Si
con los épicos reyes comenzamos</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> tal
vez abandonar desde / </i><i><b>ya</b></i><i>/ la ciudad condal</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> y
seguir la ruta invisible de las caravanas</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> y
darle una buena mordida a la carne de la imaginación.)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
(La
confrontación de ideas es importante. Marco Fonz no le teme a
discutir, a ser influenciado por otros:)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i>(Si
sabes de lo que estoy hablando</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> retírate
un poco más</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> y
si no,</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> ven,</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> escuchemos
atentamente</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> lo
que nos tenemos que decir:)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
(Pero
a pocas personas les gusta repetir las cosas; a él no. Se debería
entender: ya lo hicieron. Y no es un deber mejorarlo, hacerlo del
modo contrario tampoco. Hacer, poiésis. Hacerlo a nuestro modo ¿Pero
cuál modo es el nuestro, el individual? ¿<i>”Yo es otro”</i>, y
poner un nuevo espejo paralelo? ¡No! mejor vamos hacia todos lados;
también hacia dentro y no solamente a las rupturas y las
contraposiciones. Para ser un creador imaginativo tenemos que
engullir lo anterior. No romperlo ni tirarlo sino conocer, masticar
feroces para poder digerirlo y, claro, en algún momento habrá que
desechar.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(El
noveno arcano no indica que la iluminación esté próxima, sino todo
lo contrario. La búsqueda del ermitaño está lejana y tiene que ver
el mundo para estar satisfecho. Lo que desea es su propio río y no
las alforjas de los otros viajantes. Porque hay quienes creen en la
originalidad pero lo original para ellos es ser lo primero. </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><i>“Sin
venir de ninguna furia en particular</i></span></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">/</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><i>siembran
flores con la mirada”</i></span></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">.
Y quieren engañar al lector con una mala asimilación de las
vanguardias: “</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><i>Nada
pateo: no existes”</i></span></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">.
Así nos dice el poema </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="font-size: small;"><i>Hombres
de mi edad: (Pequeña biografía de hombres desconocidos).)</i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Marco,
a diferencia, aprovecha las luciérnagas que ha devorado y a demás
es generoso y nos invita de su plato. En este libro se guía con
todos sus amuletos. Aunque llega a la médula, sabe que es carne y es
el río. Todo importa; ningún color está de más; no hay hologramas
que jueguen a morder los tímpanos ni los párpados. Si las imágenes
nos parecen herméticas será por llevar en las manos la arena de
países distintos. Pero, aún sin todas las lecturas pertinentes, el
mecanismo, el laberinto se disfruta. Lo aparentemente inconexo
funciona. Como las adivinaciones del buen tarotista, son pronósticos
tirados al inconsciente para llegar a pensar en infinitivo.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i>(Si
es así</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; margin-left: 1.25cm;">
<i> una fogata hay que hacer para seguir el ejemplo de las
luciérnagas eternas.</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<i> Un
hombre las cazaba y las metía en su boca</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; margin-left: 6.24cm; text-indent: 1.25cm;">
<i>y era un hombre alumbrado y cruel</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; margin-left: 6.24cm; text-indent: 1.25cm;">
<i>pero en su momento dio vida.)</i></div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<br />
<div align="RIGHT" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Mauro
Hernandez Fuantos)</span></div>
Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-55204926337789245392013-03-31T15:58:00.000-07:002013-03-31T15:58:18.654-07:00 (Prólogo de la antología: Muchachos desnudos bajo el arcoiris de fuego Once poetas, seis países: ¿poesía concreta o poesía en proceso?)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQkYAYGC-XOYCCybqcqayJAIeJuhC9DuXb5oHnvY7dShzrdsRWaNCSIEq52z0WHw3PVO8TQYweV5FKcWvobj2AWOhMxhZ3k5h5ce06ZSY5KcxMRJOhGoDkJMbOHDa4pLrYeDyV9HtzPP9g/s1600/infmuchachos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQkYAYGC-XOYCCybqcqayJAIeJuhC9DuXb5oHnvY7dShzrdsRWaNCSIEq52z0WHw3PVO8TQYweV5FKcWvobj2AWOhMxhZ3k5h5ce06ZSY5KcxMRJOhGoDkJMbOHDa4pLrYeDyV9HtzPP9g/s320/infmuchachos.jpg" width="154" /></a></div>
<br />
<br />
<br />
<br />
<div style="margin-bottom: 0cm;">
(Prólogo de la antología: Muchachos
desnudos bajo el arcoiris de fuego</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
Once poetas, seis países: ¿poesía
concreta o poesía en proceso?)</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(Años atrás (en 1971)
publiqué una antología de la poesía continental bajo el título de
<i>Poesía rebelde de América</i>, y en estos días acabé de
“corregirla y aumentarla”, según es costumbre y lugar común,
para su tercera edición. En ese lapso, mi trabajo se quedó atrás
y, por sobre los ajustes que tuve que hacerle, hice también
aumentos.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(Ahora, con la presencia
de <i>Muchachos desnudos bajo el arcoiris de fuego (11 jóvenes
poetas latinoamericanos)</i>, puedo
hacer un balance, no sólo cuantitativo sino cualitativo, de <i>Poesía
rebelde de América</i>. Así,
constato que de los once de esta “hornada”, tres estaban
incluidos en la edición de 1971: Luis Suardíaz (Cuba), Hernán
Lavín Cerda (Chile) y Beltrán Morales (Nicaragua), y que uno,
Fernando Nieto Cadena (Ecuador), fue incorporado a la tercera
edición. Cuantitativamente hablando, pues, tendría yo un saldo en
contra de siete poetas. Sin embargo, el problema no es tan
estrictamente matemático.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(En
la introducción a<i> Poesía rebelde de América </i>propuse
una diferenciación entre “rebeldía” y “revolución”, entre
actitud rebelde y actitud revolucionaria. En el primer caso, escribí,
“se trata de <i>no obedecer</i>,
de <i>resistir</i>, de
<i>salirse de un orden al que se considera</i>
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span>y
la mayor parte de las veces lo es<span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span>
<i>injusto</i>. En el segundo
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">la
revolución</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">,
el asunto está en tirar abajo ese orden, en </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>cambiarlo</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">”.
Planteaba, asimismo, que la poesía no puede cambiar el orden social
(puesto que sólo da un testimonio y concientiza a muy largo plazo)
sino la militancia política, y que su única posibilidad
revolucionaria es frente a sí misma.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(La
literatura </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">para
el caso la poesía</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
es idelogía y praxis a la vez. De ahí su lentitud concientizadora,
pues su acción está en ella misma, en el poema o en el libro. Esto
plantea una doble punta del problema: la de la escritura, por un
lado, de la cual somos absolutamente responsables, y la de la
lectura, por el otro, que depende de todo un proceso cultural (en el
que tiene su parte aunque sea pequeña, la literatura) y
revolucionario (en el que tiene su parte, definitoria, la
militancia).)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Esto,
que sigue siendo vigente para mí, me da un punto de partida para
examinar, y tratar de ubicar, </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Muchachos
desnudos bajo el arcoiris de fuego</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">.
Así, al margen de cualquier diferencia de criterio respecto a los
poetas escogidos, la mayor parte de ellos de excelente calidad,
considero que </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">dentro
de cierta amplitud</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
es un libro que viene a complementar </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Poesía
rebelde de América</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(La
dificultad comienza, para el asunto de ubicar, en las diferencias de
opiniones que hay sobre el origen y fundamentos de la “modernidad”
de la poesía latinoamericana. Como generalizaciones consideramos que
las características señaladas por Saúl Yurkiévich respecto al
tenor de la nueva poesía de nuestro continente son acertadas:
“Crisis del idealismo romántico, pasaje de los nerudeanos a los
vallejeanos, conciencia crítica desgarrada, desacralización
humorística, irrupción de la actualidad, transición entre el
psicologismo y el sociologismo, agresividad, libertad de expresión,
avance del coloquialismo y del prosaísmo, pluralidad formal y
estilística, discontinuidad, inestabilidad, ruptura, apertura,
cosmopolitismo...”)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Pero
esta enumeración que hace Yurkiévich en </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Poesía
hispanoamericana </i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">(1960-1970)
es insuficiente, y hay un verdadero galamatías en las opiniones de
otros que han querido precisar, emitiendo juicios de valor, estas
características. Veamos algunos ejemplos: para Roberto Fernández
Retamar y para Mario Benedetti, la “antipoesía” no existe sino
simplemente, es una “anti tal tipo de poesía”, en concreto una
poesía “antineruda”, y se encuentra en el extremo opuesto de la
poesía “conversacional”, representada por el “exteriorismo”
del nicaragüense Ernesto Cardenal. Fernando Alegría, en cambio
</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">tras
señalar que los primeros antipoetas latinoamericanos son Pablo de
Rokha y César Vallejo</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
ubica a Parra </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">—</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">de
quien dice que “maneja un lenguaje cotidiano mezclado con fórmulas
pedagógicas y sentencias de pillería popular”</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">–</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
en el mismo saco que al nicaragüense y afirma: “Cardenal es un
antipoeta áspero y disonante que trata de encenderle a lo prosaico
una llama interna para provocar otras luces a su alrededor...”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Según
Aldo Pellegrini (</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Antología
de la poesía viva latinoamericana</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">),
es el surrealismo el punto de partida de nuestra poesía actual,
ofreciendo a los nuevos poetas “el privilegio de una deslumbradora
libertad de expresión, el incentivo de la imagen insólita, y su
permanente carácter experimental”, y subraya más adelante que
“Nicanor Parra representa en Chile el esfuerzo posterior más claro
de intentar una nueva aventura poética”. Undarraga, por supuesto,
remarca al “creacionismo” de Huidobro como el arranque de nuestra
vanguardia, y nos recuerda una afirmación que es fundamental </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">–</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">y
a la cual volveremos</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">–</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
del autor de </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Altazor</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">:
“La idea es la que debe crear el ritmo, y no el ritmo la idea, como
en casi todos los poetas antiguos... poetas de vestuario, sin nada
interno”. José Olivio Jiménez (</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Antología
de la poesía hispanoamericana contemporánea </i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">[</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>1914-1970</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">]</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
), coincide con Pellegrini pero desde otro ángulo. Para él en
Trilce y en Añtazor “aparecen ya, de manera harto visible,
aquellos mecanismos nuevos que anunciábamos como arquetípicos de
los contemporáneos, y que son, para decirlo gruesamente, el
</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>irracionalismo</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
y la </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>desrealización</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Es
muy difícil, entonces, generalizar respecto a</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>
una</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
tendencia dominante en la nueva poesía de América Latina. Los
caminos han sido multiplicados y poco a poco, en mi opinión, han ido
clarificándose.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Desde
el dadaísmo (“...todo lo que se ve es falso... protesta con todos
los puños del ser en acción destructiva” y las “palabras en
libertad”) -al que se conectará, al menos en términos teóricos,
el “nadaísmo” colombiano-, el futurismo (la exaltación de la
tecnología, desde un punto de vista temático, y la destrucción de
la sintaxis, el empleo del verbo en infinitivo y la supresión del
adjetivo y del adverbio, en cuanto a la expresión), el surrealismo
(la actividad pura del espíritu donde reside la poesía es el
subconsciente humano y su manifestación la escritura automática),
hasta el ultraísmo (la coherencia del poema a través de cierto tipo
de imágenes), han influido y tomado diferentes direcciones a lo
largo del desarrollo de nuestra poesía.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Huidobro se encarga de contestar el planteamiento futurista de cantar
necesariamente lo “nuevo”. Dice: “Si yo canto el avión con la
estética de Victor Hugo, seré tan viejo como él, y si canto el
amor con una estética nueva, seré nuevo. El motivo no tiene ninguna
importancia especial para la modernidad o vejez de una obra”. Si
escarbamos bien las cosas (“la idea es la que debe crear el ritmo”,
esto es, el concepto que tengamos y las relaciones que establezcamos
como tal o cual tema), Huidobro está proponiendo, en contra de sus
intransigencias una estética no normativa, a pesar de su apariencia
idealista. Más tarde, como tendremos oportunidad de ver, la sujeción
a la tecnología, agregada al “rigor” de los ultraístas, de los
Contemporáneos de México y los agrupados en la revista </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Orígenes</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">,
de Cuba, dará un nuevo producto: la poesía “concreta”
brasileña. Ligada principalmente a lo inteligente en contraposición
a lo emocional, a lo “reflexivo” en contra del “temblor” o la
“iracundia”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Así
las cosas, tal vez se pueda ya intentar una demarcación de las
direcciones que ha tomado la nueva poesía latinoamericana, mismas
que están representadas, excepto la poesía “concreta”, en
</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Muchachos
desnudos bajo el arcoiris de fuego</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(A
mi juicio, las dos vertienetes que nutren el desarrollo de nuestra
poesía son la seca, escueta, fundamentada en la inteligencia, que
surge de los ultraístas argentinos (“Reducir la lírica a su
elemento primordial: la metáfora. Abolir las expresiones
intermedias, los enlaces y los adjetivos inútiles. Abolir los
objetos ornamentales, el confesionalismo, los discursos y las
abstracciones. Síntesis de dos o más imágenes en una sola,
ampliando así su poder de sugestión”, Borges </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>dixit</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">),
de los Contemporáneos mexicanos (a los que “caracterizaba el
rigor, la intransigencia, y sobre todo la inmovilidad”, según lo
remarca Francesco Tentori en la introducción a su libro </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Poeti
Ispanoamericani del 900</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">),
y de los cubanos agrupados alrededor de la revista </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Orígenes</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
(la tendencia de la poesía “pura” de antes de la Revolución,
también según señalamiento de Tentori). La otra podríamos
encontrarla, para el caso de Cuba, en la poesía negra o social
(Tentori), con Nicolás Guillén a la cabeza, pero ya cuando se ha
liberado del “ritmo negro” y entra de lleno a los instintivo y
emocionalmente popular (negro pero con sentido de clase), en los
“estridentistas” mexicanos, en Pablo de Rokha (“</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>U</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">,
publicado en 1927, es su libro clave... aquí de Rokha va dejando
inscripciones que representan una violencia directa contra la
sociedad burguesa y contra el hombre acomodado en ella. Desnuda a la
poesía de todo artificio, excepto uno: la grandilocuencia”, señala
Alegría), en Vallejo (Alegría subraya que éste, después de </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Los
heraldos negros</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">,
“adopta una libre asociación de imágenes y prosigue en amargo
tono de conversación a enfrentar la cara falsa del mundo,
escupiéndola, golpeándola, distorsionándola”, mientras que
Tentori recalca que en Vallejo “el lamento crece, se convierte en
gigantesco”, es “el </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>sentimiento</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
-el subrayado es mío- que aureola con un halo cristiano a los
desheredados”), en los “iracundos” ingleses, en los </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>beatniks</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
norteamericanos, en Neruda (especialmente en el de </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Residencia
en la tierra</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">),
y en Parra (“su expresión es sarcásica, llena de una rabia que no
estalla en golpes, sino en ademanes, en voces, en movimientos, y se
queda en el aire, amenazante pero inútil”).</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">Así,
pues, dos corrientes básicas se disputan la supremacía de la actual
poesía latinoamericana: la inteligente, fría, medida, que busca la
exactitud, y la emocional, desbordada, sin medida. Lo “apolíneo”
frente a lo “dionisiaco” y lo “fáustico”. Lo estático
frente al movimiento. El poema-objeto, como denomina Ramón Xirau,
laudatoriamente, a </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Muerte
sin fin</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">, de Gorostiza,
el poema arquitectónico, neoeleático en la perfección del círculo,
el poema “concreto” (“la poesía concreta”, escribe Xirau en
</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Poesía iberoamericana
contemporánea</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">, “se
pretende precisa, objetiva, reflexiva; toda ella más estructura que
movimiento; toda ella más espacio visual que tiempo sucesivo”)
frente al poema “proceso”, de la emoción ligada a la vida, a la
historia, nombre que tomo de una disidencia dentro de la poesía
concreta brasileña, la de Wlademir Dias Pino, que inventó el
poema-proceso y desembocaría, con Mario Chamie, en una nueva
escisión, en el poema-praxis.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(De
lo observado hasta aquí, las tendencias de la actual poesía
latinoamericana podría señalarse, ya más diversificadamente, en la
siguiente forma: 1. Una que basa su impugnación en una fuerza
irracional y desbordada, con elementos conversacionales y de las
vanguardias más añejas; 2. Otra que parte de una emotividad honda,
interior, sin desligarse de la realidad social; 3. La que nace de la
antipoesía no grandilocuente sino más bien coloquial, de Parra
(como la que hace “el ecuatoriano Edgar Ramírez Estrada”, según
Fernando Alegría, quien “combate en el plano de la revolución
social con armas conquistadas en la revolución antiliteraria: se
vale de la antipoesía para desenmascarar, atacar, purificar. La
antipoesía al servicio de la revolución”); 4. La que se origina
en los “exterioristas” norteamericanos y es objetiva, fría,
distanciada, hasta cierto punto maniquea, representada por Ernesto
Cardenal; 5. La que surge del rigorismo inteligente y cree más en la
“organización verbal” que en los motivos del poema, en la
“palabra” y su distribución en el discurso (coincidiendo con los
dadaístas que, como señala bien Raúl Gustavo Aguirre, llegaron a
plantear que “la palabra es anterior al pensamiento y, por lo
tanto, capaz por sí sola de crear una materia para el pensar, un
mundo, en suma, una realidad”). Estos poetas vuelven a los poetas
griegos y latinos, hacen con los textos de aquéllos nuevas
organizaciones verbales, construyen literatura sobre literatura; y 6.
Los “concretistas”, que entran, según Haroldo de Campos, en “el
mundo de la comunicación no-verbal y audiovisual”.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Muchachos
desnudos bajo el arcoiris de fuego</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
trae representaciones de las tres primeras tendencias enumeradas, al
menos en lo medular, con alguna que otra intercomunicación con las
tendencias no representadas.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">Se
hace necesario ahora el conocimiento de quiénes son los que integran
el libro. En orden de edad (de los más viejos a los más jóvenes)
son: Luis Suardíaz (cubano), Hernán Lavín Cerda (chileno), Jorge
Pimentel (peruano), Orlando Guillén (mexicano), Beltrán Morales
(nicaragüense), Fernando Nieto Cadena (ecuatoriano), Julián Gómez
(mexicano), Enrique Verástegui (peruano), Roberto Bolaño (chileno),
Mario Santiago (mexicano) y Bruno Montané (chileno).)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Ya
se podría, de acuerdo con las tendencias señaladas, ubicarlos. Sin
embargo, considero importante buscarles sus orígenes más cercanos,
el trampolín desde donde llegan. Para ello vamos a examinar (con el
lector) tres movimientos jóvenes aparecidos en América del Sur (dos
de los cuales hicieron pensar inocentemente a Aldo Pellegrini que
“los grupos más activos y revolucionarios en la poesía
latinoamericana parecen desplazarse desde la zona sur hacia el norte
de Sudamérica... formada por Ecuador, Colombia...).) (Me refiero a los
nadaístas colombianos, a los tzántzicos, del Ecuador, y al
Movimiento “Hora Zero”, del Perú. Estas tres tendencias, que
históricamente se dieron en el orden en que han sido mencionadas,
tendrían, supuestamente, su corolario en el grupo de los
“infrarrealistas” de México, tres de cuyos miembros .Roberto
Bolaño, Mario Santiago y Bruno Montané- están representados en
</span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>Muchachos desnudos bajo
el arcoiris de fuego.)</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Veamos:
J. Mario (nadaísta entonces), en carta dirigida a la revista </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>El
corno emplumado</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"> habla
de las voces que se oían en un momento (1964), y dice: “...la de
los balleneros (se refiere a los poetas agrupados alrededor de la
revista </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>El techo de la
ballena</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">) de Venezuela
encendida por el petróleo y la de los tzántzicos ecuatorianos con
las cabezas al cinto y la de los </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>beatniks</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">
llorando sobre la misma impotente máquina amarilla de escribir y la
de los iracundos que, como la mujer de Lot, siguen mirando hacia
atrás con ira...”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Pero
el nadaísmo se había iniciado en 1950 y tantos, con una influencia
directa de Dadá, del existencialismo y de los </span><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><i>beatniks</i></span><span style="font-family: Times New Roman, serif;">.
Su fundador, Gonzalo Arango, nos lo define estéticamente e
ideológicamente. Leamos algunas de sus propuestas: “Nada de
dogmas, ni para el arte, ni para la vida. Una misión para Mufados y
Nadaístas: estallar los últimos vestigios putrefactos de la razón,
del pensamiento lógico. La vida no es lógica ni razonable.
Razonable, en el mundo de hoy no queda sino la locura. Por lo tanto:
invasión al Reino Animal, embrutecernos de razón, y asalto a los
territorios Ignorados de la Virginidad del Espíritu. Sumergirnos en
las Oscuridades fecundas del Irracionalismo y la Irresponsabilidad
Original. El Espíritu, si quiere sobrevivir a su lenta muerte
civilizada, debe Animalizarse. La mente nos ha hecho cobardes,
asesinos, estúpidos, guerreros, impotentes, capitalistas o
comunistas, todo menos hombres, menos hijos de la Tierra y el Sol,
unos cochinos degenerados avergonzados del ombligo que nos trajo al
mundo... Nosotros nos quedamos con el reino Puro de la Nada... El
artista no tiene sino sus dos pies, su corazón, y un camino que no
conduce a ninguna parte... la Nada es la esperanza del Ser. El Ser
es la misma Nada que se pone a existir...”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(En
definitiva, es bastante fácil puntualizar sus conexiones con el
dadaísmo (todo es falso y lo único válido es la destrucción), con
el surrealismo (la zona pura de la poesía está en el subconsciente)
y con el existencialismo (el ser y la nada, la existencia). Todo
burdo, por supuesto, mal digerido. A esto habría que agregar lo
fácil de detectar su contenido reaccionario, puesto en claro en la
irresponsabilidad (léase no compromiso) y el meter en el mismo saco
ser capitalistas o comunistas cuando, según lo propuesto, lo que
deberíamos es ser hombres, al margen de la lucha de clases.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(En
cuanto a los “tzántzicos”, aparecieron al inicio de los años
sesentas y su órgano de expresión fue la revista <i>Pucuna</i>. Se
autocalificaban, como su propio nombre lo indica, “reductores de
cabezas” (las 2tzantzas” son las cabezas reducidas a menos del
tamaño de un puño que hacen los indios de la selva oriental
ecuatoriana) y su publicación -<i>Pucuna</i>- se refería a las
cerbatanas de esos mismos indios que lanzan dardos envenenados.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Así,
el tzantzismo fue más una actitud que una poética y su
característica el parricidio. Creía en la acción inmediata de la
poesía: tal vez por eso no dieron obra que valiera realmente la
pena. Su primer manifiesto salió a la luz en 1962 y desde entonces,
como señala Esteban del Campo en “¿Réquiem para el tzantzismo?”
(abril de 1972), su principal contenido fue “la negación,
dialécticamente entendida”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(“<span style="font-family: Times New Roman, serif;">La
actitud crítica de los tzántzicos”, continúa Del Campo, “vino
a colocarse en un nuevo nivel, de contenido completamente diferente y
que nos permite medir de mejor manera la variación de su iracundia y
negación en el tiempo. Este nuevo nivel tuvo sin duda mucho que ver
con una cada vez más alta comprensión marxista del fenómeno
cultural y social en el Ecuador y se refiere especialmente, a mi modo
de ver, al concepto de praxis artístico-política. De una praxis
insertada en el proceso de transformación de nuestra sociedad
sumergida en el atraso, la ignorancia y la explotación imperialista.
Fue, por lo tanto, en la aceptación de un compromiso práctico con
la lucha por una auténtica cultura nacional que se definió y se
sitúa esta nueva posición del tzantzismo”. Esta conciencia, que
fue positiva, la colocaron los jóvenes reductores de cabezas en el
nivel “de la poesía de denuncia, combativa y revolucionaria, <i>de
la</i> <i>praxis política en la literatura</i> (el subrayado es
mío). Su negativa a publicar sus poemas (en ediciones destinadas a
satisfacer el gusto de capas sociales reducidas y hasta insensibles)
y su decisión de decirlos, declamarlos en escenarios públicos o
populares... no fue otra cosa que la manifestación coherente de esa
época y la demostración de una toma de conciencia muy clara sobre
lo que se necesitaba hacer aquí, en nuestro medio, en nuestras
propias condiciones” (Del Campo).)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(A
esta actitud, que negaba al poema como ideología y praxis a la vez y
colocaba la acción fuera del mismo, en la acción política (que da
igual que hacerlo en cualquier otra acción, como los “praxistas”
brasileños que realizaron, ya a fines de los años sesenta, una
exposición con “poemas comestibles” que fueron “digeridos”
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">-</span>en verdad- por algunos de
los visitantes), habría que agregar, como subraya Del Campo, un
lenguaje “irreverente, mordaz, no literario...”, pero que no
estaba encaminado a una transformación de la dinámica de su propio
discurso sino a funcionar de manera directa sobre una burguesía a la
que querían agredir como si el poema fuese un garrote o una pistola.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Esta
confusión dio como resultado una poesía de poca calidad, más unida
a una estética anarquista, efímera, a los posteriores <i>happenings</i>,
que a una estética concientizadora a largo plazo y, por lo mismo, en
“proceso” dentro de la historia por las propias virtudes del
texto. Agustín Cueva expresa a este respecto que el tzantzismo “es
a la vez, nuestra poesía y la imposibilidad de una absoluta
poesía... la dimensión... de un momento en que el artista toma
conciencia del alcance social como de las limitaciones de la
palabra”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Tal
vez por eso, el movimiento se escindió: los partidarios de la acción
extratextual se orientaron hacia el teatro, y los que creyeron en el
texto como ideología y praxis simultáneas se agruparon alrededor de
la revista <i>La bufanda del sol</i>, haciendo poesía, narrativa y
ensayo teórico literario. En estos dos últimos aspectos han
alcanzado un nivel muy alto. Todo a su vez, se aglutinaron en el
“Frente Cultural”, la más importante manifestación
artístico-literaria de los últimos años en el Ecuador.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Cerca
de diez años después -concretamente en 1970- nace el movimiento
Hora Zero en el Perú, fundado por Juan Ramírez Ruiz y Jorge
Pimentel. Ellos nos hablan de la “poesía integral”, dentro de la
cual les interesa “la manera como es asumido el poema en toso sus
aspectos y matices: estructura formal, sintaxis, etcétera, etcétera.
Tiene que ser una creación absoluta. Todo poema en sí es una obra
que vale por sí misma. En cada poema es necesaria una forma
diferente de decir las cosas”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Mientras
en el aspecto sintáctico declaran la guerra al “adjetivo y al
sustantivo negativos” y demandan “la vitalización de las
imágenes, ritmos y palabras hasta el punto que puedan desplazarse y
ser olidas, tocadas, agarradas”, porque el poema integral “estará
escrito con palabras vivas, capaces de abandonar el papel”, en lo
que se refiere a la actitud frente a su medio quieren una poesía
“que escupa y estrangule a todo lo que obstruye e impide la
realización total de un ser humano”, que sea “el canto de lo
objetivo-subjetivo vital”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Más
adelante, en 1971, Hora Zero se define así: “...es un mundo vital,
mental, espiritual, es decir un mundo integral; plantea
fundamentalmente una ruptura con la Historia y se proyecta
imprimiendo nuevas formas de vida, nuevas formas de arte. Y aquí
tenemos dos leyes: <i>construir lo nuevo-destuir los viejo</i>”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Los
tres movimientos, entonces, tienen una secuencia que, más o menos
osculatoria, va construyendo una actitud que redefine lo que las
vanguardias de la primera posguerra, habían planteado: libertad de
expresión, rechazo de toda retórica, destrucción de lo viejo y
construcción de los nuevo.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(El
nadaísmo, nihilista en lo fundamental, se queda en la destrucción,
en la identificación del ser con la nada y en la ruptura con la
retórica, mal, este último, que había nutrido (¿desnutrido?) toda
la poesía colombiana anterior. En este aspecto, el nadaísmo fue
positivo, pero oponiéndose a un condicionamiento ideológico con la
aceptación y el ejercicio de otro. En esta dimensión tuvo una
naturaleza colonizada y refleja. Faltos de modelos nacionales que
seguir (León de Greiff ocultaba su verdadera esencia en excesivos
juegos verbales), se ligaron preferentemente a la poesía <i>beatnik</i>.
Ideológicamente sólo llegaban a la negación, una negación
perfectamente justificada en los Estados Unidos (canto a la
destrucción que correspondía con exactitud al proceso de decadencia
del imperio), pero no en Colombia, donde ni siquiera era factible un
“nacionalismo literario” puesto que -y recurrimos a palabras de
Pablo Antonio Cuadra- “el nacionalismo no nos impulsaba a cantar a
la Patria, sino a fundarla... La demanda era crear verbalmente un
país inédito”. El llamado a la <i>traición</i> de Goytisolo
(<i>Reivindicación del conde Don Julián</i>) no era posible
entonces, cuando lo tradicionalmente era tanto que el saldo no podía
ser sino la nada.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Los
tzántzicos, por su parte, arrancan de un error básico de juicios
sobre la naturaleza y la función de la poesía -a la que quitan su
especificidad como discurso y la convierten en un instrumento de la
política, en un acto sin acción en sí mismo, sin praxis propia,
para colocar a ésta en una dimensión estratextual- y de una
tradición que viene, por desgracia, de la llamada “poesía social”
que, desde los años 40 hasta ellos, había atiborrado de mamotretos
poéticos a buena parte de la poesía hispanoamericana como una
herencia del peor “nerudismo” (no Neruda). La ruptura con una
retórica poética (que se había quedado distante de la ruptura que
habían logrado los narradores de los años 30 en el terreno de la
prosa de ficción) la dan los tzántzicos, en lo poético, con años
de atraso, y, aun en esto, más fue escándalo que otra cosa, sin
rebasar lo que habían logrado ya los de la generación de Madrugada.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Hora
Zero, en cambio, hace síntesis de la poesía nadaísta y del
“clamor” (léase escándalo) tzántzico. Ni la destrucción por
la destrucción del nadaísmo (sus dos leyes son: <i>construir lo
nuevo-destruir lo viejo</i>, y nótese que para Hora Zero -y en este
caso el orden de los factores sí altera el producto- la prelación
es clara, primero la construcción, después la destrucción, esto
es, la construcción de lo nuevo produce la destrucción de lo viejo)
ni la acción estratextual de los tzántzicos (para los de Hora Zero
“todo poema en sí es una obra que vale por sí misma”). Es más,
ellos postulan que el poema estará “escrito con palabras vivas,
capaces de abandonar el papel”, con lo cual plantean una cuestión
fundamental: la supervivencia de la escritura está en su “lectura”,
y el texto, en cuanto tal, ideología y praxis a la vez , extiende su
función y su permanencia, su efectividad (siempre a largo plazo), en
las relaciones dialécticas que establece con quienes lo leen. Este
es el sentido, en mi opinión, de esas palabras vivas capaces de
abandonar el papel, esto es, de mantenerse en “proceso”, como el
Quijote desde el siglo XVII hasta nuestros días, vivo por todas las
posibilidades de traición que lleva en sí mismo y del juego
dialéctico que puede mantener con las diversas comunidades de
evidencias a la que ha tenido que enfrentarse a través de los
siglos, la geografía y el lenguaje.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Este
texto en “procesos” -distinto del texto objeto, del poema
concreto o del poema arquitectura, que es eleático y se encierra en
sí mismo en una falsa permanencia, la de la perfección del círculo
y la eternidad de lo ahistórico- es heracliteano, en movimiento, va
con la historia, se transforma y permanece en ella.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">Hasta
aquí hemos visto -y discutido un tanto- el desarrollo de las
diversas tendencias de la actual poesía latinoamericana. Sólo me
queda ahora abordar un aspecto que ha quedado suelto: el de la
“poesía narrativa” (o “poesía narración”).)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Encerrado
entre un lirismo que devenía “pobre ahondamiento, a menudo caído
en el gratuito y vicioso desahogo, que siempre conluía en el alarido
patológico” y, como respuesta y reacción a lo anterior, en el
“ejercicio de una maligna economía de versos” dentro de lo cual
“en cada poema prefijaba un límite a su número de versos,
pareciéndome de importancia observarlo, no lo quería sin embargo
muy bajo, por el terror de dar en el epigrama”, Pavese llegó a su
poesía narrativa. En esto, de todos modos, debemos ser cautos y
preguntarnos qué clase de narración era aquella a la que fue
llegando. Primero arribó al “estilo objetivo” y después, dentro
de cierto tipo de versificación, encontró que “ella contentaba
también materialmente mi necesidad, del todo instintiva, de líneas
largas, porque sentía tener mucho que decir y que no debía
aferrarme a una razón musical de mis versos, sino satisfacer también
una lógica. Lo había conseguido y, en ellos, bien o mal, <i>narraba</i>”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Más
adelante, sin embargo, nos dice: “Había descubierto... el valor de
la imagen; y esa imagen (he aquí el premio de la testarudez con que
había insistido sobre la objetividad de la narración) no la
entendía ya retóricamente como traslado, como decoración más o
menos arbitraria, sobrepuesta a la objetividad narrativa. Esta imagen
era, oscuramente, el relato mismo”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Así,
la poesía narrativa de Pavese se inscribe en lo que es la modernidad
del relato, evolucionando en una dirección “integrativa” y
paradigmática y basada en indicios, vertical, esto es, con
profundidad y espesor, al contrario del relato anterior,
“distribucional”, plano, resuelto a través de “funciones”
narrativas, horizontal. A esta diferenciación de tipos de discursos
se llamaba antes, en la vieja retórica, discurso metafórico,
característico de la poesía, y discurso metonímico, característico
de la narración.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Este
evolucionar desde direcciones distintas, desde esquemas impuestos por
una estética normativa, ha acercado a la prosa y a la poesía, ha
borrado sus límites, y ha producido, en quienes no lo han entendido,
estancamientos y repeticiones. La poesía conversacional -o
narrativa- de Cardenal, por ejemplo, retorna a la dirección
“distributiva”, al “exteriorismo”, esto es, al “accionar”
y al “estar”, dejando de lado el “ser”, lo integrativo,
volviendo a lo que en los años treinta hicieron los narradores del
“realismo social”. Y hace decir a Benedetti que entiende por
poesía algo así como un estado de ánimo, y que cuando narra
(aunque sea en verso) está escribiendo prosa (<i>El cumpleaños de
Juan Ángel</i>). Para él, entonces, poesía es sólo “la lírica”,
y narración lo “épico”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Esta
división, a mi juicio, está muerta, se cae, como decía Pablo
Palacio de las palabras del profesor estúpido, en las puntas de sus
zapatos. En protesta, a sus alumnos no les quedó otra alternativa
que suicidarse en masa, lo que quiere significar negarlos, decir
somos distintos y nuestra vida nace muerta.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">De
todas estas tendencias -que vienen de tan lejos-va haciéndose la
actual poesía latinoamericana, y produce varias actitudes -ya
señaladas-, unas estáticas, muertas, y otras en proceso, vivas. Sin
embargo, y lo veremos en el examen de los autores que conforman este
libro, también se da una relación dialéctica entre la vida y la
muerte, en la que triunfa siempre la primera, aun manejando elementos
de la segunda, las partes vivas del cadáver, algo así como el pelo
y las uñas.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(En
esta antología hay autores de Cuba (uno), de Nicaragua (uno), de
Chile (tres), de Ecuador (uno), de Perú (dos) y de México (tres).)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Luis
Suardíaz (cubano, nacido en 1936) concilia las dos vanguardias de la
poesía de su país, la de los agrupados alrededor de la revista
<i>Orígenes </i>(inteligente y rigurosa en lo esencial), y la
visceral, afroantillana, emocional, encabezada por Guillén. En gran
medida, el rigor prevalece en Suardíaz, pero “narra” y lo hace
integrativamente, con una emoción constreñida pero honda, interior.
Es un poeta hecho y ha tenido una tradición de la cual agarrarse,
neutralizando a la vez el tropicalismo y el poema arquitectura. Su
poesía, por eso, transcurre, se mueve, y su ritmo es sosegado pero
firme, sin desesperación, con la seguridad que le da el medio en que
se produce.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(El
nicaragüense Beltrán Morales tiene una tradición larga e
importante: desde Darío a Cardenal, pasando por Cuadra y Coronel
Urtecho. También, por supuesto Joaquín Pasos. Pero como dice Pablo
Antonio Cuadra sobre sí mismo, yo afirmaría que Beltrán Morales
“descubre que en su oficio hay un antihistoriador”, y desde ahí
toma, para antihistoriar la propia poesía de su país y la historia
misma, el coloquialismo inaugurado Darío (y más aún Lugones), el
rigor de sus antecesores nicaragüenses inmediatos, y el humor de
Parra, pero mientras éste se mueve más bien en el cinismo, Morales
lo hace en la agresión y la satírico. Esto, por supuesto, lo
mantiene vivo, en “proceso”, en la “iracundia” (aun no siendo
grandilocuente), incluso revitalizando lo ceñido, exacto de los
poetas arquitectos o “de concreto”, y aunque presente posturas
peligrosamente “humanistas”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Los
tres chilenos corresponden a épocas más o menos distantes: Lavín
Cerda, por un lado nacido en 1939, y Roberto Bolaño y Bruno Montané,
del 53 al 57, respectivamente.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Lejanamente
y muy bien digeridos, dos poetas están presentes en Lavín. Pablo de
Rokha (el desafuero y la grandilocuencia) y Nicanor Parra (el
escepticismo, el humor y lo coloquial). Narrador también
(excelente), las fronteras de sus textos se borran y lo narrativo de
sus poemas (nada “exterioristas”, desde luego) comparten lo
metonímico y lo metafórico, lo integrativo y lo distribucional,
buena síntesis en que lo emocional sigue viviente, lo cual los hace
transcurrir, continuar, moverse, no por la amargura y la agresión
que da vida al estatismo de Beltrán Morales, sino por su inmersión
en la historia (de la poesía y del hombre de su país). Lavín Cerda
sabe, como lo señalaba Pavese, que la “condición de todo avance
en poesía es siempre una atenta referencia a las exigencias éticas
(no morales, la observación es mía), y naturalmente, también
prácticas, del ambiente en que se vive”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Bolaño,
por su parte, proviene directamente de De Rokha, sobre todo en la
gran dilocuencia, pero con algunos aditamentos <i>beatniks</i> (no
tengo elementos para determinar si a través de Gabriel Carvajal
-poeta chileno que escribía baladas como Villon y se identificaba
profundamente con Ginsberg- o de su permanencia en México). Como De
Rokha, Bolaño tiene una respiración ancha, poderosa.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Fundador,
con otros poetas -especialmente Mario Santiago- del Infrarrealismo
(movimiento sin manifiesto, como no sería de esperarse en este tipo
de actitudes grupales), su poesía se mueve dentro de un “vitalismo”
que la mantiene, sin duda, en “proceso”. Del Infrarrealismo como
movimiento hablaré más adelante, al abordar al infrarrealista
mexicano que trae esta muestra.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Bruno
Montané -también infrarrealista- parecería estar más ligado a
Hora Zero que a cualquier modelo chileno. No es grandilocuente como
Bolaño y está, en este sentido, más cerca de Teillier que de su
compañero de grupo. En mi opinión, la cosa podría venir (no en
Teillier, que es anterior, sino en Montané) de Hora Zero, aunque con
menos combatividad, tanto temática como formal. Montané, en última
instancia, es reposado, un testigo. En él hay una contraideología
del poder en funcionamiento, pero con una expresión un tanto
rezagada.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Fernando
Nieto Cadena es un caso aislado en su país. Nacido en el Ecuador, no
tiene tradición de la cual asirse. Adoum, en el tiempo de formación
de Nieto, estaba demasiado sometido a Neruda (la gran poesía de
Adoum viene después, cuando se saca la “camisa de fuerza” de <i>Los
cuadernos de la tierra</i>), y Edgar Ramírez Estrada completamente
negado. Además, Nieto Cadena no va por el camino de la no-poesía de
Ramírez (reelaboración hasta las últimas consecuencias de la
antipoesía). Así, Nieto es en el Ecuador una ruptura total, pero
viene, ami juicio, del “escándalo” tzántzico, por un lado (en
cuanto actitud, como luchador, en su caso solitario) y de los de Hora
Zero. Sin embargo, se mete en lo coloquial con mayor agresión que
éstos y la construcción verbal se acerca más a la de Jorge Reyes
(poeta ecuatoriano contemporáneo de Carrera Andrade) que la de
Vallejo. La agresión de Nieto no cae en el patetismo ni en el
alarido patológico, mucho menos en el simplismo maniqueo.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Los
peruanos, débilmente representados en esta muestra según mi
opinión, son un Hora Zero (Jorge Pimentel), cofundador del
movimiento, y un ex Hora Zero, Enrique Verástegui. En los dos está
Vallejo (más en Pimentel), pero absolutamente digerido, sin que se
les pueda calificar, ni siquiera remotamente, de “vallejianos”.
Esto aparece, sobre todo, en la simplificación (léase
esencialización) de un lenguaje que, dentro de la vanguardia, (ser
sustantivos, renovación del tipo de imágenes, uso y contra uso de
lo coloquial, interiorización, etcétera), surge natural, se rescata
a sí mismo del folklore (forma del estatus de apropiarse de lo
popular). Verástegui, me parece, va externando esa expresión,
mecanizándola, “vanguardizándola”, pero más como un regreso
que como una asimilación, más como un “modo” que como una
“resultante”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Al
llegar a la parte correspondiente a México nos encontramos, en
primer lugar, con dos poetas (o un poeta y otro no) diametralmente
opuestos -Orlando Guillén y Julián Gómez- y luego con un tercero
-Mario Santiago- que pertenece al Infrarrealismo.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Guillén
resulta, dentro de la tradición poética mexicana de gran rigor y
estatismo (la que han tratado de romper -lográndolo sólo a medias-
los del grupo de la Espiga Amotinada, Sergio Mondragón y Jaime
Sabines), una excepción sorprendente. Aun dentro del “alarido
patológico” del que nos habla Pavese, su expresión es tan exacta,
sus imágenes tan integradas a la dinámica de su discurso, que éste
convence, vive y conmueve. ¿Su modelo? No sé. Me parecería ver a
Rilke (el de las elegías), a Eliot, sólo en lo formal, pero muy
bien asimilados, casi irreconocibles (o sin el casi). Más
cercanamente: Efraín Huerta (el mejor Huerta), el de la iracundia
verbal y emocional, el del desnudamiento, pero también casi (?)
irreconocible. En fin, Orlando Guillén me parece una realidad, y lo
que es mejor, un proyecto muy importante.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(De
Julián Gómez sólo puedo decir que no sé por qué está en esta
muestra: su poesía se debate entre lo estático (que es real,
auténtico) y el movimiento (que es falso, inauténtico), una especia
de colcha de bregué que no consigue una estructura y que quiere dar
una apariencia de calor cuando sólo nos deja el frío, una
simulación de ruptura sin romper con nada, como quedándose con un
pie aquí (el pasado) y un pie allá (lo que él teme que pueda ser
el futuro), para ver qué pasa.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Finalmente
tenemos a Mario Santiago, cabeza del Infrarrealismo en México (con
Bolaño). Desafortunadamente, no existen propuestas teóricas del
movimiento, ni parecerían posibles a artir del examen de los
trabajos de los restantes poetas infrarrealistas. En <i>Pájaro de
calor</i> aparecen ocho -José Vicente Anaya, Roberto Bolaño, Mara
Larrosa, Cuauhtémoc Méndez, Bruno Montané, Rubé Medina, José
Peguero y Mario Santiago- y las afinidades detectables son menos que
las diferencias. El origen de la denominación, por lo demás, podría
tener un origen pictórico (y chileno), y Mariátegui usa el vocablo
para referirse a Philippe Soupault, suprarrealista francés, de los
que (los suprarrealistas) decía Emmanuel Berl que habían fundado
“un club de la desesperanza, una literatura de la desesperanza”.
Asimismo, Mariátegui subraya que Soupault (después de indicarnos
que “Julián, el protagonista de Soupault carece, ante todo, de una
meta. Su <i>élan</i> se agota, se destuye en un vuelo sin objeto”)
hace una escritura de este tenor: “...estas imágenes sucesivas,
incisivas, que terminan en un <i>aceleré</i> (aceleramiento)
patético, deslumbran casi dolorosamente nuestro espíritu,
sugestionan nuestra atención y retienen nuestros sentimientos tan
perfectamente como cualquier historia lógicamente conducida”. Cito
esto (y también que “Soupault no puede prescindir del amor ni del
crimen”) porque creo encontrar ahí el <i>élan </i>(espíritu
animador) de la poesía de Santiago, a tal extremo que lo que se dice
de una novela se puede decir de su poesía (narrativa en muchos
aspectos, aunque ese soporte sea mínimo o casi un pretexto)
singularmente ilógica pero que nos golpea “tan perfectamente como
cualquier historia lógicamente conducida”. Por supuesto, otros
elementos caracterizan la poesía de Mario Santiago -el desafuero ,
el terrorismo verbal, la incorporación de signos aritméticos, la
acumulación de datos (o señales) culturales, etcétera-, pero por
ahora basta señalar que es un poeta en acción, en “proceso”,
vitalmente “agónico”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Frente
a esta visión, que he tratado de explicar lo más claramente posible
(tal vez penando en lo que Juan Andrade Heymann, ecuatoriano, autor
de <i>El lagarto en la mano</i> -una novela que algún día ocupará
el lugar que merece- dice: que “el escritor es un hombre con pocas
ideas, pero bien confusas” ironizando a aquellos que para simular
profundidad, oscurecen), queda otra mirada, la de los que defienden
el texto objeto, la simple organización de los significantes, el
poema “concreto”. Ante éstos queda un consuelo, lo que dice C.
Wright Mills sobre <i>The social system</i>, de Talcott Parsons:
“...como estilo de trabajo su difusión ha sido limitada. El hecho
es que no resulta fácilmente comprensible; y hasta se sospecha que
no sea inteligible en absoluto. Esto es, seguramente, una ventaja
protectora... Para los que no pretenden entenderlo, pero a quienes
les gusta muchísimo -y hay algunos de éstos- es un laberinto
maravilloso, fascinador precisamente porque es con frecuencia
espléndidamente ininteligible”.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(De
aquí en adelante, el “proceso” de la poesía latinoamericana se
irá diciendo a sí mismo (se dice, de hecho, en estos poemas, a
veces con gran seguridad, en otras con balbuceos) y seguirá, inmersa
en la historia -como objeto y sujeto de ésta- dentro de una
dialéctica que nunca termina.)</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="RIGHT" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">(Miguel
Donoso Pareja</span></div>
<div align="RIGHT" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif;">1979)</span></div>
Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-27965094595448030022013-03-21T14:41:00.002-07:002013-03-21T14:41:33.316-07:00Las edades de la pirita / Acercamiento al prólogo de otra antología de Fabre<br />
<div style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm; page-break-before: always;">
(Las edades de la pirita)</div>
<div style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Acercamiento al prólogo de otra antología de Fabre:)</div>
<div style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Escribir poemas es tan inútil como la vida misma. La utilidad de la vida como la de escribir poemas es sustentada por cada individuo y cada uno de nosotros le da el grado de importancia a cada acto, creación, oficio o trabajo realizado durante la vida. La Poesía se sustenta en su propia invención, pero la importancia de la Poesía es determinada por cada uno de los poetas o de los lectores de poesía o editoriales que la publican. El hecho concreto de escribir versos es importante sólo para los interesados y para nadie más. Así, las antologías de poetas pueden ser medidas en importancia desde el punto de vista del antólogo, de los poetas seleccionados, de los poetas no antologados y desde la visión de un crítico literario. Mi opinión sería la de un poeta no antologado, pero me gustaría aclarar que ello no implica una visión de “resentido” -como les gusta llamar a los que no estamos de acuerdo con algo política y socialmente aceptado y como si ello demeritara nuestra crítica. Entonces, al ser un poeta no antologado, puedo decir que mi crítica es más libre y más objetiva que la de un crítico literario o la de algún participante directo de la antología; pues no tengo intereses de ningún tipo. Los únicos objetivos que me mueven para hacer este texto son mi interés y amor por la poesía.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Valdría la pena aclarar también que este acercamiento más puntual hacia el prólogo de <i>La edad de oro. Antología de poesía mexicana</i> <i>actual</i> (UNAM, 2012) surgió a partir de los diálogos con algunos poetas incluidos en ella después de divulgarse ciertos comentarios que fueron tomados como “irresponsables” de mi parte en una charla casual en Facebook, lo que me hace pensar que ahora uno tiene que cuidarse de lo que opina en un ambiente tan de chisme, de comunicación inmediata y poco serio en cuanto a crítica literaria se refiere como lo es el Facebook, pero en fin, como dije al principio, cada quién le da importancia a lo que le interesa. Lo bueno de esta experiencia es que puedo, motivado por esas incomodidades ocasionadas involuntariamente, escribir este texto que, aclaro, nunca consideraría como un ensayo profesional o académico, si no una crítica sobre la visión impostada que Luis Felipe Fabre tuvo que crear para convencer al lector inexperto de que los poetas que conforman esta antología son eso: los poetas que dan rostro a la poesía mexicana actual.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Antes de comenzar, aclaro que no voy a generalizar aunque en algún momento lo pueda parecer, y que, en donde diga “poesía mexicana” o “poetas mexicanos”, estoy hablando sólo de alguna poesía mexicana y de algunos poetas mexicanos.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Desde hace algunos años vengo diciendo y escribiendo que en la poesía mexicana y en algunos poetas mexicanos no existe la invención ni la mutación y que la mayoría de poetas mexicanos imitan, copian y hasta plagian por su falta de genio o don creativo. Afirmo nuevamente que para mí No existe la llamada Poesía Mexicana. Y después de esta afirmación, se confirma para mal que Fabre vuelve a usar un concepto ya tan gastado pero poco analizado o estudiado a fondo, dando por hecho que todo mundo sabe qué es lo que conforma, parte por parte, cada órgano que hace funcionar al ente de innumerables cabezas que es la Poesía Mexicana. Luego, como para salvarse un poco, afirma en una entrevista que lo hace “sólo para molestar”; entonces, ¿él puede buscar la provocación y la molestia, pero uno no? En teoría, cuando lanzas una piedra diciendo que es para molestar, aceptas implícitamente la reacción que estás buscando en ella. Pero en mi caso, más que molestia siento cansancio de leer siempre sus mismas declaraciones, y trato de entender su afán de mostrar las propuestas “más transgresoras y atrevidas” del momento cuando en realidad son propuestas que forman parte de toda una tradición poética mexicana que al parecer no ha llegado a sus ojos, y lo único que sí demuestra es su desconocimiento de muchos otros autores que coinciden en el desarrollo de temáticas y estructuras, pero al parecer, no en los puntos de reunión en los que “ha descubierto” a sus autores de la poesía mexicana actual.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Preguntas aparte: ¿México se ha convertido en el país de las antologías poéticas? ¿Se le ha ganado a España en publicar más antologías de poetas vivos? ¿Sirve de algo en verdad publicar tantas antologías de los mismos poetas con casi los mismos poemas? ¿Será sólo un incentivo más para que el Estado les siga resolviendo la vida material, o será que las instituciones quieren ver el producto sin importar la calidad de las antologías?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Párrafo histórico: Tenemos como ejemplo principal que en el 2002 salió publicada la antología <i>El manantial latente / Muestra de poesía mexicana </i><i><b>desde el ahora</b></i><i>: 1986-2002</i>. Selección y prólogo de Ernesto Lumbreras y Hernán Bravo Varela (marcaré en negritas los conceptos que ocupan los antólogos en los subtítulos para ver cómo se reafirman y confirman su obsesión por ser Los Poetas de este tiempo, del aquí y el ahora de México e Hispanoamérica). Esta antología <i>publicada también con la intensión de transgredir y molestar </i>(como mencionó uno de los poetas antologados a otros poetas no antologados durante una plática en una cantina enfatizando que esa era una de las intenciones de Lumbreras y Bravo Varela), fue, desde mi punto de vista, un fallido intento por registrar la producción poética de <i>ese momento</i>, reafirmando, por el contrario, la falta de paciencia poética, la inocencia e inexperiencia por parte de los antólogos y el abuso de la condición de “jóvenes poetas” -circunstancia cronológica inventada más por CONACULTA que por la Poesía.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>(El manantial latente</i> quebró de por vida la confianza que se pudo haber tenido en los poetas antólogos mexicanos. De por sí, las compilaciones anteriores desde <i>Poesía en movimiento</i> hasta <i>Asamblea de poetas</i> y <i>La rosa de los vientos</i> crecieron <i>mochas</i>; quiero decir que por lo menos el 50% de poetas antologados dejaron de escribir o nunca decidieron dedicarse a la poesía en serio, y creo que lo mismo pasó con los suscritos en <i>El manantial latente</i>. Aunque al final de la antología los amables y comprensivos antólogos hacen una lista de “Todos los posibles poetas que en algún momento de su vida escribirán algún buen poema” y no me molesta decir que estoy incluido en esa lista y que al pasar ya 11 años de su publicación, ahí hay que darle mérito a los valerosos compiladores, pues sí que estoy en mi mejor momento poético, cosa que no podría decir de algunos poetas prematuramente antologados. Y así se fueron sucediendo otras antologías casi con los mismos personajes poéticos, variantes más variantes menos. 2005: antología <i>El decir y el vértigo / panorama de la poesía hispanoamericana </i><i><b>reciente </b></i><i>(1965-1979)</i> Selección de Rocío Cerón, Julián Herbert y León Plascencia Ñol. Prefacio: Hernán Bravo Varela y Eduardo Milán. O veo doble o algunos nombres se repiten de antología en antología (por cierto, sabemos que Milán es un producto de Paz y que este producto ha acogido a estos poetas antologados como casi hijos o ahijados suyos; en fin, otro caso que merece texto aparte). Esta antología nos muestra a los poetas hispanoamericanos, van otra vez con esa manía del tiempo: <b>reciente</b>. Y por supuesto no sólo sería cuestionable el autonombramiento y la exclusión más aventurada, pues en este caso hablan por toda Hispanoamérica, sino las propuestas estéticas. Pienso siempre si el ser aceptado, leído y antologado no genera en verdad un peligro para los poetas que están <b>recién</b> escribiendo su obra. Pero en fin, en ese sentido no se puede culpar a los poetas, pues en muchos casos su vanidad responde por ellos y sabemos desde hace mucho que ninguna antología, por insistente que ésta sea o por la mayor calidad poética o editorial que tenga, podrá, nunca, garantizar la calidad de la propuesta estética del poeta. Ahora 2008: antología <i>Divino tesoro / Muestra de </i><i><b>nueva</b></i><i> poesía mexicana (1965-1979)</i>. Coincidencia o no, creo en verdad que el tiempo los aterra. ¿Y quién hace la selección y el prólogo? ¡Sorpresa! Luis Felipe Fabre. ¿Y a quiénes selecciona? Pues no a los mismos, pero sí a casi los mismos. Ustedes pueden verificar cada una de estas antologías y la repetición de nombres que a su vez aparecerán relacionados en diversos roles públicos: jurados de premios; comité dictaminador para otorgar becas; editores de las editoriales en donde se publican y promueven las ediciones de estas antologías; funcionarios de instituciones en donde se apoyan estas mismas antologías y por supuesto en ese afán de presentarse mutuamente como Los Poetas Mexicanos de la Poesía Mexicana.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Preguntas aparte: En esas coincidencias, de tanto repetirse poeta por poeta y poema por poema y antología por antología: ¿Cómo no creer que conforman un grupo? Tal vez se trate de una acción involuntaria, tal vez no exista una consigna o un manifiesto que los congregue como grupo, tal vez ni siquiera sea ése su objetivo ni necesidad en absoluto, pero me parece que si uno es atento y ata cabos, puede encontrar ciertos lazos que van más allá de una relación amistosa. Que si el punto de coincidencia principal es la amistad, eso no debe siquiera cuestionarse. Lo que es cuestionable es si acaso el hecho de ser amigos y poetas les da el pase automático para autoerigirse de esa forma sin tomar en cuenta a todos los grupos de amigos poetas que tendrían el mismo derecho y capacidad para autoerigirse como los poetas mexicanos actuales de todos los tiempos, pero que curiosamente, no tienen la necesidad de hacerlo.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Esta reflexión viene al caso porque cada que abro un diálogo con uno de estos poetas que podríamos llamar “Poetas de la Casa del Poeta” o del FCE o del CONACULTA o del INBA, me dicen que no pertenecen a ningún grupo. Que no estamos en la época de Los Contemporáneos y que yo no soy estridentista ni infrarrealista. Cierto. Pero, ¿no es un poco sospechosa su forma de actuar o su desempeño como persona en el disfraz del poeta? Sin embargo, el verdadero diálogo está en la lectura y en el descubrimiento la calidad en lo que escriben algunos poetas de ese otro “no grupo”. Muchos de ellos realmente tienen una propuesta poética decorosa y profunda. Nacieron para escribir poemas. Pero también es necesario reconocer que, como en todos lados, y como dice el mismo Fabre al referirse a algunos poemas de Papasquiaro, existe basura, así que espero no se ofendan si en algún momento señalo algunos elementos de este tipo en algún poema, que la aseveración será siempre al texto y no al escritor.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Terminaré esta introducción diciendo que hay como otras cinco antologías que pretenden reunir a lo más actual o representativo de poetas mexicanos o hispanoamericanos pero que no aportan mucho a las ya mencionadas. Ello radica en que los criterios de selección varían de acuerdo al poeta de moda que salte de algún sitio de la Novedad Editorial, el Premio Nacional o la Beca en curso, o de acuerdo a lo que el programa editorial sudamericano vocifere como actual, e incluso de acuerdo a los comentarios de amistades directas y de encuentros poéticos a los que el antólogo haya sido invitado. Porque, eso sí no podrán negarlo: en este baile de vanidades, mientras mejor trates al poeta en jefe del momento, mejor serás tratado, y así hasta crear eslabones casi eternos que suelen romperse sólo cuando los intereses personales separan a cada poeta de su anterior “no grupo” de poetas.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Ahora sí, vuelvo a la antología <i>La edad de oro / Antología de poesía mexicana </i><i><b>actual</b></i><b>.</b> Fabre cuenta en su prólogo que uno de los motivos que lo llevan a crear la reciente antología es porque un sudamericano comentó que “A la poesía mexicana le falta calle”. Jorge Esquinca (otro maestro poeta del “no grupo”) ya había mencionado la misma anécdota en la Casa del Poeta como por el año 2011 cuando dicha institución organizó unas mesas de discusión sobre la poesía mexicana actual. Curiosamente, durante esas sesiones la mayoría de los invitados habló sobre la obra de Los Contemporáneos y López Velarde, lo que me hizo pensar que existe una severa confusión sobre lo que es la poesía mexicana actual, o una prohibición a hablar de ello en público, como le pasó a Bautista en una de esas sesiones cuando empezó a referirse a autores vivos y con obra reciente, y con una frase fulminante Antonio del Toro lo hizo callar al momento, lo que ocasionó que Bautista no volviera a emitir comentario alguno. En dichas mesas Esquinca dijo que en Argentina, alguien, (nunca han dicho quién fue el poeta que lo dijo y si era argentino o no), comentó que “A la poesía mexicana le falta calle”, y yo, riendo dentro de mí me dije que claro que cualquiera que leyera <i>El manantial latente</i> o a Jorge Esquinca, sea sudamericano o no, pensará lo mismo. ¡Claro que les falta calle! Pero esto que se toma como una afrenta o un defecto no es ni lo uno ni lo otro. Sólo es una cruda verdad que no tendrían que esmerarse en cubrir o afanarse en demostrar lo contrario, simplemente deberían asumir su estilo y estudiarlo, no para forzarse a cambiarlo, si no para enriquecerlo en una estética particular. Pero, ¿qué sucedió? Que a Fabre se le ocurrió que con una antología de algunos amigos suyos podría demostrar lo contrario y afirmar con orgullo que él había sido el descubridor de poetas mexicanos en cuya propuesta Sí existía la calle necesaria como para callarle la boca a quien se atrevió a decir lo contrario. Sin embargo, parece que su selección fue dictada más por capricho personal que por un interés verdadero de investigar sobre la producción poética del país en donde es evidente la preocupación y la diversidad de abordar dicho tema. Desde los años 70 o desde antes existen poetas con Calle y no sólo en la poesía sino con la calle misma en la carne. Aquí es donde uno confirma que a Fabre no sólo le hace falta calle sino también lecturas. Eso se soluciona con que tuviera la humildad y paciencia de leer al otro 90% de los poetas mexicanos cuya actualidad está implícita en la atemporalidad.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Dice Fabre en su prólogo: <i>Porque aunque haya todavía quienes se empeñen en negarlo (o tal vez sea un tanto invisible para sus practicantes), durante la mayor parte del siglo xx hubo un modelo poético imperante en México que se identificaba a sí mismo con las dimensiones “más sublimes” de la lengua: un lenguaje de “altos vuelos” sustentado en una confianza desmedida (y un tanto</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>anacrónica) en los poderes de la lírica.)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Pero no hay negación, es claro que él y sus antologías reafirman esa aseveración. Otra vez oí al poeta Esquinca defender a la vieja frase francesa de “La poesía por la poesía”. Y el mismo Esquinca me aseguró que sólo leía a sus amigos. Me imagino que él, creyéndose de las familias imperiales no mezclaba su sangre poética con ninguna otra poética. Y como Esquinca es amigo de Fabre, me da pie para mal pensar que esa práctica de no leer a quien no es su amigo se transmitió como un consejo que, desde mi punto de vista, lleva a la ignorancia y a la terrible actitud de proveerse sólo de lo que, por conocido, es bueno, sin arriesgarse un poquito a conocer aquello que dicen que no debe leerse, que no vale la pena leerse o que es muy difícil de leerse; aquello que se encuentra en las editoriales lidereadas por gente que, dicen, es intratable, por gente con la que no hay que juntarse porque suele tener opiniones críticas ante el sistema cultural vigente.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Más adelante Fabre continúa justificando su selección diciendo que la antología actual es muestra de que ya rompió el cascarón, y se revela: <i>Podría leerse, incluso, un cierto “clasismo” más que un “clasicismo” (en un país tan clasista como éste) en las exquisitas maneras de aquel modelo poético. Un intento por demostrar, poema a poema, una pretendida superioridad sobre otras posibilidades verbales. ¿A la poesía mexicana le faltaba / falta calle? Sorprende que siendo</i> <i>el lenguaje coloquial tan lúdico en México, la poesía fuera tan tiesa, tan acartonada, tan formalita. Un asunto de buenos modales. De gente bien educada. Culta.)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Pero por favor, basta leer cualquier ensayo escrito por él en la revista <i>Letras Libres</i> para darse cuenta de que lo que según él denuncia y rompe, lo cuida y asegura para su bienestar propio. No existe contradicción más grande que querer ser un punk con encajes.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Preguntas aparte: ¿Creerá Fabre que en verdad es un rebelde? ¿En serio se siente ya muy de la calle? Llama polémicos a un grupo de poetas totalmente consentidos por un sistema político y social corrupto. ¿En dónde está la polémica de <i>El manantial latente </i>si es muestra de docilidad pura? Ni siquiera dan para armar una polémica. Ante la sujeción de parámetros estéticos no existe discusión, porque todo está tan bien acomodado que no altera ningún orden. Tal vez, más que polémica, lo que ocasionó <i>El manantial latente</i> fue que el otro 90% de poetas mexicanos sonrieran conscientes de que el poeta tiene que vivir en su espacio poético y no en el tiempo de los antólogos. Ése es un pensamiento romántico que me permito creer.)</div>
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<br /></div>
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(Algunos poetas de esta antología me cuestionan en demasía el por qué generalizo tanto, pero no son autocríticos con Fabre y a él sí le permiten generalizar en el prólogo: <i>Ahora bien, lo anterior no quiere decir que las nuevas generaciones no lean a los poetas mexicanos de otras generaciones. </i>¿A qué poetas mexicanos de las nuevas y otras generaciones se refiere? Aquí asegura que todos los poetas vivimos en un país de poetas lectores en donde todos nos leemos unos a los otros cuando él mismo no lo hace y miente para beneficiarse y beneficiar a sus antologados. Como podemos comprobar casi de inmediato, sólo vean la lista de los becarios del Sistema Nacional de Creadores y la lista de los jurados y se darán cuenta de que siempre hay un mínimo del 10% de los mismos escritores y poetas.)</div>
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(Fabre descubrió recientemente a Papasquiaro y a los infrarrealistas y ya cree que con ese descubrimiento ya está del otro lado de la poesía mexicana y que ya propone cosas nuevas. Y eso que los descubrió -como muchos lo hicieron- gracias a la fama inevitable de Bolaño y no por la poesía de los infras.)</div>
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(Como lo escribí en otro texto, para mí el único poeta, de este nuevo no-grupo, que ha demostrado serlo es Gerardo Deniz, y eso que el viejito recibió en su momento toda la ayuda de Paz y ahora toda la ayuda del grupo de Paz. Pero a trabajo dado merecimiento otorgado. Aunque se le haya otorgado un premio Aguascalientes sin pedirlo.)</div>
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(Nunca he creído y no practico el culto a la personalidad. Y no sé por qué, las extravagancias personales en algunos poetas se toma como algo bello e imaginativo y en otros poetas molesta e indigna, cuando sólo deberían tomarse como eso: extravagancias personales.)</div>
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(El ejemplo que pone Fabre: <i>En este sentido puede entenderse la popularidad de Gerardo Deniz entre las nuevas generaciones de poetas (Minerva Reynosa incluso se ha tatuado un par de versos de Deniz en el pecho a modo de collares: un fabuloso tatuaje hay que decir))</i></div>
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(Preguntas aparte: ¿Cómo no va a ser popular Gerardo Deniz si tiene a todo el aparato cultural mexicano apoyándolo y este mismo aparato cultural mexicano sepulta al 90% de los otros poetas no populares? Un ejemplo claro y concreto: la Coordinación Nacional de Literatura del INBA mantiene, además del sitio donde se difunden sus actividades cotidianas, un Catálogo Bibliográfico de Escritores Mexicanos. Se sorprenderán cuando lo consulten y descubran la cantidad de escritores que hay en el país. Pero más sorprendente será revisar la cartelera de actividades de dicha institución y encontrar ciertos nombres que se repiten cíclicamente, concentrando los recursos de una coordinación que supuestamente debería servir para apoyar y difundir a los escritores de todo el país (en tanto que ostentan lo Nacional en su nombre) en beneficio de algunos cuantos, casi siempre del Distrito Federal y cuya inclusión obedece, la mayoría de las veces, a lo políticamente correcto más que a su propuesta literaria.)</div>
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(Como suele suceder, las alegrías de unos cuantos serán las desgracias de muchos. Pero eso no parece importar cuando eres el beneficiado de la política cultural, y es entonces cuando surge la polarización entre abusivo y resentido; lo que Sabato llamaba “el moño”: tiene que existir un Pinochet para que exista un Ché Guevara. Y aquí lo curioso es que muchos de los poetas beneficiados por un estado corrupto como el mexicano se crean estar del lado del Ché. En fin, una paradoja a resolver con la misma vida.)</div>
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(Veo otro ejemplo de justificaciones: <i>Entre los mexicanos antologados en </i>El decir y el vértigo<i> se encuentran ya Eduardo Padilla (1976) e Inti García Santamaría (1983): dos poetas que inauguran una nueva fase de la poesía mexicana.)</i></div>
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(Creo que ni el ensayista más adelantado podría explicar qué quiso decir Fabre con eso de: <i>nueva fase de la poesía mexicana.)</i></div>
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(Es verdad que se puede arriesgar “sólo para molestar”, como él dice, pero aquí hace quedar mal a estos dos poetas que, como él mismo ratifica, habían sido seleccionados anteriormente y uno de ellos aparece en las dos antologías. Si para ellos la nueva fase de la poesía mexicana es ser radical, entonces qué hacemos con poetas de la talla de Ramón Martínez Ocaranza o del mismo Orlando Guillén, en verdad radicales. Y si fueran radicales en vida y no sólo en obra nunca hubieran aceptado salir publicados en una antología. Aquí veo un defecto de discurso al querer asignar palabras que los poetas no llenan, y no por defecto del poeta nombrado, sino porque la naturaleza del poeta es otra; lo que sucede es que Fabre necesita definir sus conceptos de actualidad para justificar la selección de estos poetas y no otros. Lo novedoso para él es querer darle calle a los poemas “descubriendo” formas y vistiendo de disfraces a los poetas que él está antologando.)</div>
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(Los poetas antologados son:)</div>
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(Paula Abramo / (Ciudad de México, 1980)</div>
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Alejandro Albarrán / ( Ciudad de México, 1985 )</div>
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Rodrigo Flores Sánchez / (Ciudad de México, 1977)</div>
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Inti García Santamaría / (Ciudad de México, 1983)</div>
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Maricela Guerrero / (Ciudad de México, 1977)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
Yaxkin Melchy / (El Telar, 1985)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
Óscar de Pablo / (Ciudad de México, 1979)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
Minerva Reynosa / (Monterrey, Nuevo León, 1979)</div>
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Daniel Saldaña París / (Ciudad de México, 1984))</div>
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<br /></div>
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(Y aunque se hayan molestado conmigo algunos de los poetas antologados cuando me referí a ellos como clasemedieros o pequeño burgueses, por más que leo su ficha biobibliográfica no veo que ninguno sea campesino, ni obrero, ni indígena, ni pordiosero. Creo que les ha ido muy bien en sus carreras poéticas. Y que si en algún momento han participado en alguna marcha social o política es sólo por apoyar a tan buenas causas con su amable conciencia. No encuentro el insulto en una condición socioeconómica real.)</div>
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(Lo que hace Fabre a continuación es explicarnos por qué seleccionó a estos nueve poetas y por qué sus estéticas tienen la calle necesaria para ser consideradas como la poesía mexicana actual:)</div>
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<i>(Ambas escrituras parecen provenir de otro sitio:... / poemas de García Santamaría, por su parte, proponen un lenguaje </i><i><b>al borde del autismo</b></i><i> pero provisto de una ternura adolescente.)</i></div>
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<br /></div>
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(Toda poesía proviene de otro sitio. Se podría uno decidir por el autista o por la ternura adolescente. Y si decidimos, ¿el poeta García Santamaría quedará bien representado en sus poemas?)</div>
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<i>(El título de uno de sus libros podría entenderse casi como una poética: </i>Corazoncito<i>. El tono juvenil (casi infantil) de sus poemas resultó más que refrescante en un momento en el que el tono engolado de la poesía mexicana se empeñaba en agonizantes estertores.)</i></div>
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<br /></div>
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(Y dale con generalizar ¿no que eso no se hace? le pregunto a los dos poetas antologados que me regañan porque generalizo. Entonces, ¿cuando Fabre habla bien de ustedes, sí se puede generalizar, y cuando se les critica no se puede generalizar?)</div>
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(Y podría Fabre ser más preciso y explicar en qué momento el tono engolado de la poesía mexicana se empeñaba en agonizantes estertores. ¿Sucede en la Condesa o en la Roma o en Polanco o en el Pedregal? Porque para mí el invento de la poesía mexicana de ciertos círculos poéticos no ha dejado, desde su inicio, de tener ese tono engolado y de reproducir esos agonizantes estertores.)</div>
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(Creo que aquí, en lenguaje popular, se le podría decir al prologuista: “No me ayudes, compadre”.)</div>
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(Quitándole todos los letreros que Fabre les puso, los poemas seleccionados se salvan solos o mueren solos. No hay de otra para el poema publicado, lo escriba quien lo escriba. Lo desmedido son los letreros y explicaciones gratuitas con que Fabre equivocadamente los quiere presentar, forzando a los poemas y a los poetas a vestir una ropa estética que no tienen. Si entro a leer a García Santamaría, me hago cómplice de los poemas del poeta y dejo totalmente el comentario en el prólogo. Ni al borde del autismo, ni adolescente, ni radical, ni inauguración de nuevo lenguaje, ¿por qué no sólo el disfrute de un poema, y ya está? ¿Por qué debo encontrar lo que Fabre dice que hay ahí cuando puedo leer sin prejuicio alguno y encontrar muchas otras cosas, algunas quizá contrarias a lo que él asegura que están en el poema?)</div>
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(Así sucede con cada uno de los poetas antologados. Las explicaciones del antólogo sólo ensucian y abruman la personalidad y la estética de cada uno de ellos. Por eso insisto: lo molesto no es la antología en sí, sino la absurda necesidad de proclamar a todos los vientos que se trata de la poesía mexicana actual y que nos quieran convencer, cuando sabemos que no es necesario, de que estos poemas tienen calle: <i>Tal es el caso de Yaxkin Melchy (1985) e Iván Ortega López (1990), cuyos poemas, a la vez que retoman elementos de poéticas transgresoras, por momentos juegan a parecer anotaciones delirantes hechas en un cuaderno de clase de química o biología una mañana cualquiera en la secundaria. Anotaciones delirantes: “Hace falta locura en el mundo mexicano”, escribe Yaxkin Melchy al comienzo de uno de los poemas aquí antologados. Pero donde dice “mundo” habría más bien que leer “poesía”, pues más que en el mundo mexicano (que está ya bastante desquiciado), donde realmente hace falta locura es en la poesía mexicana: tan lúcida, tan inteligente, tan racional, de Sor Juana a Paz, pasando, claro, por Gorostiza: “¡oh inteligencia, soledad en llamas!” Y por lo que puede leerse, Yaxkin Melchy está dispuesto a aportar toda la locura que haga falta.)</i></div>
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(No sé si los poetas antologados leyeron el prólogo antes de que se publicara este libro, pero si son tan críticos, autocríticos, rebeldes, callejeros, radicales e irreverentes, ¿por qué aceptaron tales absurdos al ser definidos de esa manera en el prólogo?)</div>
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(Está claro que uno no va a encontrar locura en Paz o Gorostiza y menos en Sor Juana; ¿quién cree Fabre que somos los lectores, unos verdaderos idiotas o que sólo leemos, como él a sus amigos? En verdad esas aseveraciones con respecto a lo que escribe Yaxkin son absurdas hasta la risa. Se lee uno todos los manifiestos vanguardistas desde principios del siglo XX hasta llegar a los más latentes que, en caso mexicano son los manifiestos infrarrealistas, y ahí encuentras la locura que pide Yaxkin. Es como querer ir al Palacio de Bellas Artes a patinar en la sala mientras dices tus poemas. Lo novedoso no está en pedir la locura, lo novedoso estaría, en verdad, saltar a la locura real, sin las fotos o videos en youtube tan pertinentes y decentes, porque, al final de cuentas, si no lo fueran, hasta el youtube los borraría si lograran demostrar toda la locura del mundo. Vuelvo a decir que esto no es culpa del poeta nombrado o hasta ridiculizado involuntariamente, esto es una falta de lecturas de Fabre. Yaxkin no merece una presentación tan socarrona.</div>
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Lamentablemente para Fabre, 30 poetas más o menos, nacidos entre las décadas del 50 y el 90, son los que proponen, dicen, dictan modas, marcan derroteros e inauguran estéticas en todo México. ¿Realmente cree que todo el mundo poético son sus antologías y las que hacen sus amigos? ¿En verdad se puede llegar a estar tan enfermo de vanidad y de cinismo crónico?)</div>
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(Se agradece que la antología se pueda disfrutar sin su prólogo y que a cada poeta se sostenga por sí mismo, sin tanto letrero absurdo ni tanta desquiciante explicación de quiénes son y adónde van y de dónde vienen. Por ejemplo: <i>Un poeta renovador siempre es una excepción y por lo tanto un solitario. ¿Cuántos poetas renovadores coexistiendo en un mismo tiempo y en un mismo país son necesarios para hablar de una época excepcional? Aquí van nueve y hay más.)</i></div>
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(¿En serio es una broma? ¿Cree inocentemente Fabre que uno va a aceptar este comentario y dejar que les coloque una corona de cartón por ser poetas “renovadores y solitarios”? ¿Es en serio que uno tiene que quedarse callado y aceptar esta ridiculez? Y después se enojan conmigo porque escribo “tonterías y falacias” (lean bien, Flores y Albarrán: de mí se burlan y cuestionan lo que digo y permiten que Fabre los defina con malabares y luces de artificio que sólo adornan la superficie de lo que ustedes están en vías de construir, porque una época excepcional y una obra excepcional podrá percibirse hasta que ambas hayan sido verdaderamente construidas y no mientras se encuentran en el proceso de gestación, como sería el caso de ambos en tanto que su carrera poética empieza, o va a la mitad, pero en lo absoluto está concluida). Se podría notar, en cada uno de los poemas aquí antologados, la intención de renovar estructuras y juegos lingüísticos, pero más allá de que lo logren o no, habría que tomar en cuenta que no son los únicos que lo han o lo siguen intentando. Y eso de ponerlos románticamente como poetas solitarios, por favor, ni que vivieran en el desierto. Es verdad que no conozco personalmente a los nueve, pero puedo decir que los que conozco nunca han sido solitarios o por lo menos no en el sentido de La Gran Soledad Renovadora. El abuso de la grandilocuencia lleva al ridículo. Y con el párrafo anterior se comprueba la desmedida lógica que desde <i>El manantial latente</i> se ha tratado de imponer. Otros ejemplos, para terminar de mover la cabeza y dejar solos a los poemas y al lector:)</div>
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<i>(Yo quisiera destacar dos rasgos que encuentro, en mayor o menor medida, en los poemas de estos nueve autores: la desconfianza ante la escritura poética y la incorporación del contexto del poema al interior del poema.)</i></div>
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(Creo que otros poetas mexicanos, franceses, ingleses, españoles, chilenos, argentinos y etécetera ya lo han hecho desde hace como 100 años. No veo lo destacable. Si quieren ejemplos les puedo dar por lo menos 50 referencias bibliográficas para que entiendan que es mejor un redescubrimiento constante de estas formas, que asumir que se está dando por primera vez El Descubrimiento.)</div>
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<i>(Esta desconfianza ante el fenómeno lírico resulta más que acusada en la obra de Daniel Saldaña Paris que incluso dice o simula decir: “Quisiera escribir sobre la escritura, como un bardo que se muerde la cola. / Pero no llego: muerdo…” Sus poemas (ya de por sí condensadísimos, </i><i><b>al borde de la implosión</b></i><i>) siempre están a punto de no serlo, de ser algo menos o algo más, y en ese filo se tensan.)</i></div>
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(Qué curioso, para Fabre todo está al borde de algo, en Santamaría al borde del autismo y en Saldaña Paris al borde de la implosión. Será que por eso tanto estar al borde lo hace no concretar nunca su propia visión de la poesía mexicana. Estar en los bordes no te permite ser ni ver el fondo, y casualmente el 90% de los poetas mexicanos está en el fondo. Fabre debería de decidirse por fin a dejar de estar al borde y saltar de una vez. Tal vez así se salvarían un poco su texto y sus antologías.)</div>
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<i>(En cuanto al otro rasgo común que aprecio en la obra de estos poetas, la incorporación del contexto </i><i><b>del poema al interior de este mismo,</b></i><i> supone dejar de entenderlo como algo fuera —por encima— del mundo para (volverlo a) comprender como un lenguaje en relación con el momento y el lugar desde donde se escribe.)</i></div>
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(¿Así o más retórica de relleno?)</div>
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<i>(Por supuesto que se trata de una escritura política: si incorpora el contexto </i><i><b>al interior del poema</b></i><i> es también para reverberar en el afuera del poema, en el contexto.)</i></div>
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(Si es una escritura política entonces significa que a los poetas de la Casa del Poeta ya no les molesta (o ya entendieron) la poesía social o los panfletos. Ya habla bien de Fabre que acepte que la poesía no es sólo para la poesía. Un acierto.)</div>
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<i>(Es en este sentido que considero a “Carta” de Rodrigo Flores como uno de los poemas más emblemáticos de este momento y por ello esta antología abre con él. Allí el poema, o lo que tradicionalmente se entendería como poema, es negado y en su lugar lo que se nos ofrece es el mero contexto del poema ausente: Flores plantea en ese casi no-poema una lectura de poesía donde el público escuche detrás de paquetes “sanguinolientos” (que no sanguinolentos) de carne para hacer visible el contexto del que la poesía generalmente no da cuenta.)</i></div>
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(Es curioso entender que durante años cierto tipo de poetas estilo Fabre han negado la validez de este tipo de poemas, y ahora que alguien cercano, por no decir del grupo, desarrolla este tipo de poemas ya se convierta en algo para aplaudir, agradecer y leerlo. Flores llegó a este tipo de poemas casi 100 años tarde. Otros poemas del mismo Flores recrean mejor su realidad, con un humor negro más llevadero y más verosímil; no necesita explicarnos lo que es evidente en una descomposición social, como en ese poema “Carta”, que es un buen ejercicio de nota roja en prosa, pero sin vislumbres de poesía:)</div>
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<i>(De hacer visibles los cuerpos, los cuerpos reventados, los cuerpos intervenidos por la muerte y la violencia. Barrio protestaba contra la dictadura militar. Yo sé y no sé contra qué o contra quién protestaría; incluso sé y no sé si se trataría de una protesta. Un amigo me dijo que le parecía “gratuitamente escandaloso”. Tal vez. Me gustaría conocer tu opinión. ¿Cómo has estado? (…))</i></div>
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(Mi opinión es que es claro el cómodo sillón desde donde se escribe este texto. Y hasta se podría ser irónico: ¡ay, los cuerpos reventados, ay, qué miedo, qué tristeza, qué dolor...! y cosas así de moco tendido que llegan a volverse efectistas más que poéticas. Como digo, cuando el poeta Flores no quiere dar testimonio de una preocupación mediática por lo socialmente humano, es mejor poeta.)</div>
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(Y hablando de efectismos mediáticos, un párrafo más de la justificación de Fabre:</div>
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<i>Más que la escritura como testimonio o como denuncia, se trata aquí del poema como fecha. Elijo el término fecha, porque no estoy del todo seguro de si se trata de una apuesta por la historia o por el puro hoy. Y en la fecha se tensan ambas posibilidades. En cualquier caso es un desmarcaje de aquella concepción del poema (tan cara a cierta poesía mexicana) como un instante suspendido e iluminado, fuera de la historia y del calendario, pero desde ya inscrito en la eternidad.)</i></div>
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<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(“...desde ya inscrito en la eternidad.” Más modestia no se puede pedir. Y después no quieren que uno los critique (pero “si se ponen de pechito”, como dicen en la calle). Aquí él solito se mata: ¿Cómo seguir una vanidad así? No sé cómo se puede estar de acuerdo con un tipo tan enfermo de tiempo y tan ególatra: ETERNIDAD.)</div>
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<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>(Óscar de Pablo, por su parte, lleva ya varios libros explorando nuevas posibilidades de aquello que en otro momento solía descalificarse con adjetivos como “panfletario” o “comprometido”. En su poesía es claro un compromiso político aliado a una conciencia histórica (en su caso sí) que es también una conciencia de la historia de la forma, de la tradición poética y echando mano de ella con singular fortuna. O la poesía de Paula Abramo, donde la autora hace confluir a la poesía mexicana con cierta tradición poética brasileña: aquella donde la experimentación formal es también una preocupación social: la del “Poema sucio” de Ferreira Gullar —que Abramo tradujo)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>(espléndidamente— o la de “El perro sin plumas” de João Cabral de Melo Neto. En ella el rigor y la exactitud formal son una ética. Pero también es político el estruendo de los poemas en prosa a todo volumen de Minerva Reynosa: post-feministas, post-punks, post-pop. Estruendo: no es casual tampoco que Alejandro Albarrán haya titulado precisamente Ruido a su primer libro. Un estruendo que oponer a la poesía del silencio: tan aséptica, tan apolítica, tan pura. Frente a esa poesía, el contexto, el ruido del mundo, el sonido de fondo, un paisaje brutal aunque inasible entrevisto velozmente desde la ventanilla de un tren en marcha: ese imparable poema de Maricela Guerrero</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>llamado Kilimanjaro.)</i></div>
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<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(En ciertos poetas, conocidos algunos, otros no, es preferible -como lo señalara Cardoza y Aragón- quedarse con alguna que otra bella página que hayan escrito. Con estas afirmaciones da pie para volver al mismo cuestionamiento: ¿por qué sería válido para nosotros entender y creer que por tratarse de los amigos de Fabre de pronto ya es bueno que escriban panfletos y poesía social y post- todo? ¿Y que entonces todos los otros poetas mexicanos que han escrito exactamente con esas características desde hace más de 50 años no tengan validez aunque estén vivos y puedan ser leídos y entrevistados y con mayor derecho a ser denominados con la etiqueta “poesía mexicana actual”? No encuentro la novedad ni la actualidad en lo que menciona Fabre como aciertos en estas poéticas. Si él ignora la gran tradición panfletaria o de poesía social o anárquica o post-todo, es porque apenas está descubriendo en la poesía mexicana lo que para otros lectores ya es una tradición. Habría que prestarle varios libros para que se ponga al corriente y deje de descubrir cosas ya hechas (aunque sea por piedad y que no quede en ridículo). Los poetas antologados merecerían más respeto y más atención. No están inaugurando nada, vuelvo a decir, son producto de algo que se viene escribiendo desde tiempo atrás en México y en todos los países del mundo. Disfrutar la lectura de sus poemas y seguir de cerca sus libros recientes y futuros es obligación amable para que no nos pase como a Fabre: por no leer lo que no se vende en el FCE o lo que no publica CONACULTA o lo que no leen nuestros amigos, ignoramos lo otro que también se escribe en México.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>(Y es que esta antología toma partido sólo por algunas de las posibilidades de la poesía mexicana: las que a mí me parecen más interesantes, propositivas, vitales, las que intentan asumir formalmente su época, representadas por estos nueve autores aunque compartidas por muchos más.)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Vaya, algo un poco más sensato pero igual de inexacto. ¿Cómo no le van a parecer las más propositivas, vitales y las que intentan asumir formalmente su época si son las que él presenta? Si está queriendo vender una idea estética o poética, está perdiendo clientes.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>(Casi podría decirse que la poesía mexicana se ha polarizado (no quiero sonar maniqueo, pero el país anda así, aunque claro, todo dentro de una conciencia y una retórica de la pluralidad): por un lado, esta serie de escrituras que se erigen más allá de lo que fuera la poética dominante, que se radicalizan, se cuestionan, y exploran más allá de sus límites; y, por otro lado, poéticas que se han asumido como albaceas del legado de la poesía más conservadora e institucional, que han hecho suya la encomienda de salvaguardar lo tradicionalmente considerado como poético (llevándolo a extremos involuntariamente ridículos y accidentalmente caricaturescos), o que, en su defecto, han intentado utilizar ciertos recursos “posmo” pero la noción de poesía en que se sostienen sigue siendo la del antiguo modelo poético.)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(En esto sí que peca de inocente. En verdad, ¿cuándo abrió los ojos Fabre? Parece desconocer toda la historia de la poesía mexicana y en general, a menos que esta antología se vaya a ocupar como texto escolar a nivel secundaria o algunas preparatorias del Opus Dei, porque si no, no encuentro la razón de estos párrafos didácticos y “lúcidos”.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<i>(El lector interesado en neoconservadurismos ramplones puede encontrar un ejemplo sin desperdicio en la sección mexicana de Poesía ante la incertidumbre: la fallida antología de poesía iberoamericana que quiso vender la claridad verbal y la emoción poética más chata como una postura que oponer a estos tiempos oscuros: “La emoción no puede estar de moda. La emoción es intemporal y universal. Y la poesía tiene que emocionar. Ante tanta incertidumbre, para nuestra sorpresa, una gran parte de los nuevos poetas en español se han adscrito a una tendencia tan experimental como oscura…”)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Y como le dije a los dos poetas antologados que se ofendieron tanto con mis comentarios al aire en el Facebook: cómo sucede que Fabre o ellos mismos en algún momento puedan criticar duramente y burlarse sin tregua de otros poetas y cuando uno los critica ya no les gusta. Ser objetivo y aguantar las críticas creo que es parte de la formación del poeta. En el párrafo anterior Fabre nos ilustra cómo no se debe hacer una antología, como si él supiera hacerlas muy bien.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Y por otra parte, y ya para terminar, Fabre casi nos felicita por leer su antología y nos hace cómplices de sus desaciertos: <i>Por otra parte, tal vez una de las pruebas de la </i><i><b>fuerza de estas nuevas poéticas</b></i><i> aquí representadas lo constituya un curioso fenómeno: la escritura de algunos poetas de generaciones anteriores se ha transformado también a partir del cambio de </i><i><b>paradigma estético</b></i><i> operado desde la escritura de los más jóvenes: una influencia a la inversa de lo que sucede tradicionalmente. ¿Se trata de una “cirugía estética”, un vano afán de rejuvenecimiento en una cultura donde el modelo a seguir es la juventud? ¿Podríamos hablar de una poesía-botox? ¿Es una moda o es algo más profundo? Debo confesar que en última instancia, a mí la moda no me parece mal. La moda como un modo, superficial si se quiere, de, como otrora se decía, </i><i><b>ser moderno,</b></i><i> es decir, de </i><i><b>habitar el hoy.</b></i><i> Y es justo la marca del </i><i><b>“hoy”, la fecha, lo que faltaba a la poesía mexicana tan preocupada por la eternidad. </b></i><i>Sí, las modas pasan. Habría que añadir: como todo. Y también: las modas vuelven. Algunas. A veces. Pero hoy por hoy no me interesa preguntarme: ¿qué de todo esto perdurará? Sino, más bien: ¿qué está pasando? Y lo que está pasando es este ahora convulsivo de la poesía mexicana al que, por momentos, me siento tentado a llamar Edad de Oro: </i><i><b>una época de liberación poética </b></i><i>que tiene lugar justo en pleno desastre del país, pero sin negar el desastre, más aún: asumiéndolo. Sí, qué ganas de declarar una </i><i><b>Edad de Oro de la poesía mexicana, aunque sea de broma, aunque sólo sea por molestar.)</b></i></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(En mi caso, como dije antes, más que molestia, me da pena ajena, y yo, en vez de la Edad de Oro la llamaría Las Edades de la Pirita: la poesía mexicana tan preocupada por la eternidad. Fabre denuncia ciertas preocupaciones sobre la poesía mexicana, pero él mismo parece más preocupado por conservarse como el Dorian Fabre de la poesía mexicana. Dice cosas tan viejas como “ser moderno”, “paradigma estético”, “habitar el hoy”, “época de liberación poética”… Parece que estoy leyendo a Justo Sierra. En fin, que habrá quien se crea todo su prólogo y toda su grandilocuencia gracias al apoyo constante de las grandes instituciones culturales y universitarias de México.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Y hasta aquí mi texto serio pero no académico sobre esta antología fallida en su vanidosa formación y prólogo y con bellos aciertos entre los poetas y poemas seleccionados.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Contesto con verdadero placer a los dos poetas que se sintieron ofendidos y violentados por mi diálogo con el poeta Pedro Damián en Facebook, pero leí en otro momento -creo que era de Brecht- algo así: “se le llama violento al río pero no se llama violentas a las orillas que lo contienen”. Habría que preguntarse si no es violenta la actitud que siempre ha tenido Fabre y algunos de sus amigos en contra del otro 90% de poetas mexicanos con sus absurdas afirmaciones y cabría denunciar seriamente sus abusos y pedirle en este caso a la UNAM que cuide más los libros que imprime, porque está entrando al juego de la mercadotecnia de la pose y la discriminación. Agradezco la atención prestada y recomiendo la lectura de Las edades de la pirita, pero sólo los poemas, porque todavía hay tontos que creen que el Tiempo es Oro.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Marco Fonz</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
Quito, Ecuador, atemporal.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(P.D. Por fortuna, <b>a</b><b>hora, hoy, actualmente, recientemente y la nueva </b>forma de leer los libros de la UNAM también es virtual, y se agradece.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<b>(Epílogo</b></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<a href="" name="_GoBack"></a>Para que Luis Felipe Fabre no diga que sólo quiere molestar y que en verdad se haga un trabajo serio y completo de investigación sobre poetas sociales, panfletarios, rebeldes, radicales, punk, bizarros y sin estar solamente al borde si no en verdad dentro de sus situaciones de vida, no sólo en apariencia ni en pose (porque una verídica poesía de la calle surge cuando la calle se transforma en poesía), quisiera regalarle esta lista de poetas que curiosamente vienen trabajando desde hace años toda la estética que Fabre acaba de descubrir. Y no es malo que Fabre tenga sus primeras experiencias con este tipo de poesía, lo que es excesivo es que crea que son actuales y que sólo nueve poetas las desarrollan en México, cuando, si es real su interés por ello, a continuación encontrará propuestas para las que se esperaría que se diera el tiempo y el verdadero oficio de lectura e investigación para ver si se le ocurre seguir la sugerencia que alguno de los poetas antologados me hizo: hacer una antología de poetas resentidos (no apagaré su sarcasmo, pero no lo olviden: el resentido aparece en respuesta de la actitud abusiva). Y ojalá también los nueve poetas antologados lean a estos otros poetas para que no se sientan tan solos creando poemas que ya otros vivían desde hace muchos años, antes de que los nueve publicaran sus primeros libros (o incluso algunos coincidirán en la edad, pero no en la necesidad de forzarse a escribir con calle, siendo ésta su naturaleza real):)</div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 18px; margin-bottom: 0cm;">
(Roberto López Moreno, Leopoldo Ayala, Oscar Altamirano, Enrique González Rojo, Edgar Artaud Jarry, (Ya conocen a Jaime Reyes), Juan Martínez, José Vicente Anaya, Ramón Martínez Ocaranza, Pedro Damián, Ektor Zettaek Balam, Orlando Guillén, Lalo Quimixto Chacala, Francisco Zapata, Ramón Méndez, Ricardo Castillo, Rogelio Dueñas, Jaime Coello, Israel Miranda, El Colectivo Morvoz, Colín, José Fons Textosterona, Ángel Carlos Sánchez, Colectivo La Tarántula Dormida, Jesús Bartolo, Andrés Cardo, Adriana Tafoya, Saúl Ibargoyen, Colectivo Órfico, Mauro Hernández Fuantos, Jerónimo E. Gómez Cuadra, Reneé Acosta, Rojo Siena Editorial, Colectivo La Rabia del Axólotl, María de Jesús Villalpando, Gerardo Grande, Javier Raya, Semanario Deportivo de Poesía, Máximo Cerdio, Tulio Chavarría, Jeremías Marquines, Mikel Lecumberri, Rojo Córdova, Pita Ochoa, José Peguero, Fernando Trejo, Arturo Alvar Gómez, Gustavo Alatorre, Daniel Téllez, José Manuel Recillas, Ruperta Bautista, Andrés López, Metáfora Hoja de Poesía, Ángel Nungaray, Ignacio Ruiz Pérez, Sonia Silva-Rosas, Antonio Salinas, La Jerga, Revista Clarimonda, Éric Marváz, Estrella del Valle-Arizpe, David H. Rambo, Mauricio Jiménez, Javier Moro Hernández, Balam Rodrigo, El Piñón, Adán Echeverría, Iván Cruz, Sergio García, Pterocles Arenarius, Mardonio Carballo, Juan Carlos Bautista, Arturo Terán, Gabriel Cruz Mayorga, Heriberto Yépez, Marceal Méndez, Sergio Loo... y cuando terminen de leer les enviaré otra pequeña lista con más poetas mexicanos actuales. Porque querer vender pirita en vez de oro es un daño espiritual.)</div>
Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-53097397070003574272013-02-24T12:52:00.005-08:002013-02-24T12:53:04.494-08:00Marco Fonz y el retrato poético de las miradas cruzadas<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDZ96zEjrG1a5hyphenhyphen-OH6TCoLbGkw599NXapszlYEOTcN3HWZt_9e945lPtKrUEVoUfuIUVECqddVKTyyg2MvzalwWzc-BvQqO6sjsGzLjn1l-11p3IMq3JkW7zTL97F0WbMFzsQmAH9QNdM/s1600/Quito+2012+051.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDZ96zEjrG1a5hyphenhyphen-OH6TCoLbGkw599NXapszlYEOTcN3HWZt_9e945lPtKrUEVoUfuIUVECqddVKTyyg2MvzalwWzc-BvQqO6sjsGzLjn1l-11p3IMq3JkW7zTL97F0WbMFzsQmAH9QNdM/s320/Quito+2012+051.jpg" width="179" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlUd5adgcoQTjQYiX2XRLzMgDKwB2hO_gdWoHbXnw9VLzCEjYpBPYF8EA0ugna0CZhadWZP5u_306KcOfDkc1UEPB8Kb8djJUEagpprl769KQgGi8izHolKHOhwc7s9ETOThYGL9r0oH-t/s1600/koczys.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlUd5adgcoQTjQYiX2XRLzMgDKwB2hO_gdWoHbXnw9VLzCEjYpBPYF8EA0ugna0CZhadWZP5u_306KcOfDkc1UEPB8Kb8djJUEagpprl769KQgGi8izHolKHOhwc7s9ETOThYGL9r0oH-t/s320/koczys.jpg" width="248" /></a></div>
<br />
<div>
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(Koczys: Un minuto en la
tragedia de lo eterno:</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
Marco Fonz y el retrato
poético de las miradas cruzadas)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(Entrevista por Hugo
Galecio</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
Quito, febrero 2013)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(Encuentro al poeta Marco
Fonz en un café de la Plaza Foch y de inmediato comenzamos la
entrevista que en por momentos se vuelve una forma de reafirmar su
poética y en otros se convierte en un mapa de referencias y citas de
poetas y poéticas diferentes.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>: Gracias por
aceptar la entrevista Marco. ¿Podrías platicar un poco sobre
Koczys?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>: Gracias a ti
por interesarte en el poemario Koczys. Ese libro viene a ser mi
poemario número 24 publicado y es digamos un hermano gemelo del
poemario Ozyko que fue publicado en el año 2008 por Israél Miranda
en la colección Destos deme dos de la editorial Start/pro. Koczys es
un diálogo de miradas entre Jorge Ibargüengoitia y el poeta peruano
Manuel Scorza. Un minuto que pasa antes del accidente aéreo en el
que los dos pierden la vida. Imagino y comparto durante un minuto
turbulento los posibles diálogos y el juego de palabras, temas,
subjetividades y posibles futuros inexistentes que tienen los dos
escritores.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>: Bueno ese el
el tema central que desarrollas, pero dentro del poemario vienen
otros temas, ¿No?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>: Sí, el
diálogo de un minuto imaginario es digamos el tema central pero
dentro del cuerpo del poemario desarrollo otros temas como la parte
en que se despegan los versos de las <i>azules piedras del lloro</i>,
que son versos motivados por una anécdota que sucedió en Chihuahua,
un estado del norte de México, cuando un indígena rarámuri
pregunta: ¿cómo se llama la piedra que llora? Y la respuesta es: el
hielo. De esa imagen que considero un metalenguaje comencé a
escribir esos versos que incluyo como parte no integral de los otros
poemas, algo así como cuando creas un collage. Y en este caso
propongo un collage lingüístico y poético al “pegar” esos
otros versos y la parte que titulo, haciendo una paráfrasis, <i>El
intento de suicidio como otra de las bellas artes</i>.
Que consideraría son antipostales de un hecho que no se llega a
consumar. Y al unir esas tres partes en un solo poema queda como un
muro en el que puedes ver la pátina del tiempo y del espacio
sobrepuesto y sucio hasta cierto punto, la rareza imperfecta como
propuesta estética.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
Pero así pareciera que estás ofreciendo versos inacabados o poemas
mal construidos.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Y creo que eso es el efecto que quiero desarrollar. Me interesa mucho
creer que los poemas o versos no se construyen de forma lineal, ni
lógica, ni de forma perfecta. No creo en el poemario perfecto. Creo
profundamente en la construcción de los versos de acuerdo a los
brincos del pensamiento y a la “alteración de los sentidos”
siguiendo esa misión que el Rimbaud nos dejó de tarea y que pocos
se atreven a vivir o a plasmar verdaderamente en los versos. No
exactamente construir la verdad en los poemas sino sugerir la
veracidad de los versos.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
¿Pero entonces así nos estás ofreciendo poemas como una especie de
aforismos?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Tal vez, aunque el aforismo en realidad es muy difícil de construir
y que salga como un aforismo con todas sus pequeñas partes. Cioran o
Ramón Gómez de la Serna me parecen dos buenos ejemplos de un
escritor que desarrolla su arte aforístico de manera perfecta. Yo
mas bien lo que hago es una construcción casi en prosa de segundos
que pudieron haber vivido estos dos escritores y que me incluyo como
espectador fantasma y testigo espiritual. Puedo casi oír sus miradas
conversando en pleno terror durante un minuto completo antes del
accidente.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
Todos los poemas los señalas con los segundos en número. ¿Por qué?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Los números son otra forma de escritura y aunque en este caso van
marcando cada segundo y lo que sucede y platican en ese segundo
también señalan la perfección del tiempo y del espacio cuando
estás cumpliendo cabalmente tu destino. Al animal humano, único
animal que se preocupa por el tiempo y el espacio y el único que lo
pierde a su gusto, llega como en ese minuto en equilibrio sobre el
abismo de la realidad en el que puede pasar toda tu vida frente a ti
o juegas pensando todo lo otro que pudo haber sucedido o que está
sucediendo de una forma acelerada y sin control. La muerte es esa
velocidad desbocada.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
Escribes en el segundo:)</div>
<div align="CENTER" style="margin-bottom: 0cm;">
<i>(00:00: 56 HRS.)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<i>(Nacido de mi ir, así
he nacido. Loco terrenal y tierra de imagen. Respirar es la derrota
de cuando no se tiene cuerpo. Estoy en el D´yer Mak´er y no quiero
ya salir de aquí.)</i></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
(Más
que un poema parece una especie de acertijo o de enigma por resolver.
¿No te importa que no se entiendan tus poemas o lo que quieres decir
con ellos?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Dentro de los poemas juego como bien lo dices con casi una especie de
construcción de enigmas. Como los enigmas que escribió Sor Juana
Inés de la Cruz y que no tuvo tiempo de resolverlos por su muerte
prematura. Pero en realidad sí pienso en el lector, me interesa
mucho lo que lea y cómo lo lea. Pero creo que yo haría trampa si lo
escribo muy fácil. Y no es que yo quiera ser poeta hermético o
neobarroco. Pero lo hago con perfecta conciencia de que esa es la
estructura “difícil” que quiero proponer y desarrollar. Y para
más facilidad de lectura diré que muchos de los poemas sugieren una
serie de canciones o músicos que sería interesante que los lectores
investigaran sobre ellos. Y el por qué los sugiero en ese momento
exacto del poema. A veces el querer decir las cosas en un poema de
forma fácil hace que se pierda todo el misterio que creo debe llevar
el poema en alguna de sus orillas o centros.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
Ahora, ¿el poemario termina entonces en el accidente de avión y la
muerte de los escritores? ¿No es demasiado para lo que estás
buscando poéticamente el desarrollar una anécdota tan clara y casi
histórica y realista?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Desarrollar algo real hasta el límite de la ficción es lo que hace
posible que surga de forma pura la poesía. ¿Cómo en un acto tan
común como un accidente aéreo puede haber poesía? Pues así tal
cuál, la muerte que llega a ser un lugar común se convierte en un
breviario de anécdotas y en una multiplicidad de posibilidades
reales o no reales dentro de algo que en verdad nunca sucedió. La
plática de miradas de estos dos escritores. La muerte de ambos es lo
único real de esa anécdota pero en el poemario no termina con la
muerte de ellos sino termina con el fantasma de Jorge Ibargüengoitia
hablando par sí mismo y por lo tanto para todos los lectores.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
Así termina el poemario Koczys pero el libro termina con la parte
de: Un muchacho de sombra. Son doce poemas ¿verdad? Y totalmente en
otro tono y con otra temática. ¿Por qué incluirlo en este mismo
poemario?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Curiosamente ese poemario con el que termina Koczys es un inicio de
mi experimentación poética que yo llamo: La Poética de la
Inconexión. Y se me hizo maravilloso contemplar como de alguna
manera no estorbaba ni opacaba a la parte de Koczys. Son poemas en
los que practico de primera versión la poesía inconexa y que logran
de alguna manera sugerir la estética que vendrá después en mis
otros poemarios. Y te adelantaré que dentro de esta misma colección
de los libros publicados por Israél Miranda viene ya el último que
acompaña a los dos anteriores y se titula: Kardyo. Y en ese poemario
se verá más fielmente y claramente a lo que me refiero con la
Poética de la Inconexión. Esta propuesta poética viene gestándose
desde el 2006, y nace con la inquietud de “Crear una estética
personal” y no sólo repetir poéticas ya creadas. De alguna forma
seguir el consejo directo que da Baltasar Gracián cuando escribe:
“Fácil es adelantar lo comenzado; arduo el inventar.”)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
La voz que ocupas para “Un muchacho de sombra” es una voz
coloquial y casi podría decir antipoesía o la estética con la que
escribía Coronel Urtecho o Ernesto Cardenal. ¿Te sentirías
influenciado por ellos o por Nicanor Parra?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
El poeta es el resultado de sus influencias. Eso es inevitable pero
es necesario hacer que esas influencias sean o estén situadas en la
mutación y no en la simple imitación. Si no existe esa pequeño
cambio que sugieras para tu propia voz, esa voz aunque con sonido
será voz prestada. Y espero que mis poemas de Un muchacho de sombra,
tengan su voz propia. No quiero decir que no se puedan encontrar en
algunos versos algunas influencias pero espero que la propuesta
estética propia pese más que las influencias. No sé si se logre.
Para mí por lo menos está el esfuerzo de cambiar lo dicho y el cómo
se dice. Ahora si no se logra el objetivo tampoco hay tanto problema
el cambio por lo menos estará dado por el intento.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
“<i>El problema con no querer decir algo / es que terminas
siempre diciendo algo. / Y no es lo mejor.</i>”
¿Crees que el poeta siempre tiene otras cosas por decir y de
diferente forma?)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Recordemos que la poesía es siempre lúdica y que en ese espacio de
juego el poeta es una pieza más y que esa pieza más siempre tendrá
la florida duda de que todo se puedo haber escrito mejor y de otra
forma. Creo en lo que dijo un poeta francés hace tiempo: “ el
poema nunca se termina sólo se abandona.” y ante ese abandono el
poeta no puede hacer nada, ni aún aunque haga algo más por el
poema. El poema siempre será un ser inacabado y creo que siempre
quedará la inquieta virtud de pensar que lo pudimos mejorar pero
casi nunca sucede ese arreglo entre el poeta y su poema.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
Pues ahora sólo nos queda desear que esos inacabados poemas tuyos
tengan el lector que merecen porque si te puedo comentar esto eres un
poeta que merece ser leído y criticado en el buen sentido de la
crítica...)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Y en el mal sentido también es válido...)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(H.G.</b>:
Bueno sí, todo es válido pero en verdad que tu poemario Koczys
merece ser profundamente leído y comentado. Espero que con esta
entrevista generemos más espectativa y búsqueda de tu poemario
Koczys. Muchas gracias por tu atención y tiempo para esta
entrevista.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<b>(M.F.</b>:
Gracias a ti y me imagino que uno al escribir un poemario ya está
lanzando una piedra sonora al universo, como un “la” universal. Y
me gusta pensar en los poemarios como seres individuales y muy a
parte del poeta. El otro día que estábamos esperando a un amigo en
la casa de la cultura, frente a mi esposa y a mí llegó un muchacho
con un libro, parecía que el muchacho también estaba esperando a
alguien y cuál fue nuestra sorpresa que el muchacho llevaba el
poemario Koczys y lo estaba leyendo y se veía muy interesado en él
pues ya iba por la mitad del libro. Y él nunca pensó o se imaginó
que el poeta que escribió el libro que llevaba estaba frente a él y
lo curioso es que para la poesía tampoco es necesario que el poeta
esté presente, con que los poemas sigan su propia luz es suficiente
para crear la mágica sustancia de la poesía. Muchas gracias por la
entrevista.)</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
</div>
Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-40047403308750095562013-02-15T11:57:00.001-08:002013-02-15T11:57:23.680-08:00La poesía chilena florece en el vacío: Leo LobosEl poeta y pintor Leo Lobos escribe desde su propia creación y nos ofrece un múltiple punto de vista sobre la poesía chilena:<br />
<h2>
<br /> La poesía chilena florece en el vacío. </h2>
<h4>
<span style="font-weight: normal;"><br /></span><span style="font-weight: normal;">Leo Lobos
Reiteraciones referidas a la lectura de Dulce Patria de Horacio Gutiérrez, publicado por RIL Editores, Chile, 2012.</span></h4>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyVdr5nx_6U5adQKY0auPmshEiROXpgfwlem3qk98hNo2YQgLebde08uSX4KTdSVZkxS7DXk4UC8oxJajMjUEaffY_4mLN2wKsDzhbQGUL-BON4JJViFlQGFfM1XexeMyoKqdA6fUdmfQG/s1600/leo-lobos-100x66.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyVdr5nx_6U5adQKY0auPmshEiROXpgfwlem3qk98hNo2YQgLebde08uSX4KTdSVZkxS7DXk4UC8oxJajMjUEaffY_4mLN2wKsDzhbQGUL-BON4JJViFlQGFfM1XexeMyoKqdA6fUdmfQG/s1600/leo-lobos-100x66.jpg" /></a></div>
Leo Lobos
“cada aventura poética es distinta y cada poeta ha plantado un árbol
diferente en este prodigioso bosque parlante”
Octavio Paz
La omnipotencia de la Internet como vehículo y canal de comunicación, la banalización de las ideas, el escepticismo generalizado, la falta de editoriales, salvo destacadas excepciones, con proyectos inclusivos y masivos que den cuenta de la bio y biblio diversidad cultural y la supremacía de lo visual por sobre la palabra es el escenario donde la poesía contemporánea irrumpe y donde además debe soportar a los que dicen que ella debe reducirse a ciertos temas, formatos, ciertos lugares y colores como si se tratará de una vaca sagrada presa en una cerca inalterable.
“El buen lector -ha dicho Roberto Frost- puede indicar el momento en que ha sido tocado y vencido para siempre por un poema, de tal forma que nunca podrá olvidarlo”. No importa cuanto se condecore y promueva la poesía y a los poetas, pocos, excepto un circulo muy reducido la leen. Ha dejado ella de formar parte de la dieta regular del intelectual post-moderno. La poesía ha sido desplazada del centro del escenario, de hecho parece ser una actividad secundaria, singular, extraña, pero con un pequeño -y numeroso a la vez- grupo de fieles que creen en ella ciega y visionariamente.
La vida, la naturaleza ha cambiado de manera fundamental y ahora los poetas y artistas deben cambiar en consecuencia. Vivimos en un mundo cuyos diarios y revistas, libros y películas, estaciones de radio y televisión han destruido, en una gran mayoría de las personas, entre otras cosas, la capacidad de entender la verdadera poesía y el arte genuino de cualquier especie. Vivimos en un Chile anti-intelectual y hostil al arte en la vida cotidiana de la nación. Un grave y por cierto subsanable error, al menos para quienes se inclinan a ver la poesía como un vehículo de la belleza y un recipiente amplio y basto tan útil como jamás se ha concebido otro que posibilita contener las ideas, puntos de vista, percepciones, sueños, imágenes, sentimientos, colores, voces, visiones imprescindibles para personas e instituciones del presente y del futuro. Y los poetas no han cejado -afortunadamente agregaría- en su empeño de contar historias, para informar acerca de la manera en que la gente vive y ha vivido para luchar por las grandes y pequeñas causas y verdades sobre la vida, cuyo descubrimiento es la justificación final de su lectura. El poeta Horacio Gutiérrez nacido el año 1957 en la ciudad de Viña del Mar – Chile nos dice: "vuelvo hoy por segunda vez a Chiloé / a este hermoso Archipiélago", imagino al padre detrás del hijo recorriendo los caminos, imagino al poeta en la ciudad de Sao Paulo, Brasil donde reside y lecciona en la mítica Universidad de esa megapolis latinoamericana. Un Archipiélago cultural basto y aún nuevo de América, como nos muestra en su acción el arquitecto Carlos Véjar Perez-Rubio desde la revista que lleva ese bello nombre desde la Universidad Autónoma de México.
La poesía lamentablemente pareciera haberse convertido en una forma artística accesoria. La poesía ha sido despojada de su espontaneidad, convirtiéndola en algo artificial y disminuyendo el ser humano en el poeta. Los poetas tienden a cultivar la compañía de otros poetas, lo cual no solo los fortalece en su actitud de avestruz frente a la realidad, sino que les impide ver con claridad sus propias debilidades. Algunos crean sobre todo para otros poetas lo cual es otra debilidad, que les hace olvidar el hecho de que más allá de su mundo cerrado existen otros mundos llenos de interés. Pues es claro que aquellos que no aprecian la poesía no son lisiados espirituales, ni los poetas tampoco los únicos seres de razonamiento sensible.
Uno descubre en la poesía, después de todo, un placer por lo genuino, a pesar de que es hoy cuando toda empresa de la creación poética se ve amenazada por haber sido arrancada del mundo, enfriada en salas de clase, y de manera profusa reproducida por hombres y mujeres autorizados por un grado académico para escribir y no necesariamente por su talento o espíritu. El pintor español Pablo Picasso decia que los buenos artistas copiaban muy bien, pero que los geniales artistas robaban descaradamente.
Encontrar escritores que se consideren sinceramente justificados con el placer de la escritura, con el agrado de realizar el oficio diario de escribir y de hallar, escribiendo, iluminaciones que lleguen a apasionarlos sin más oscuras y bastardas pretensiones, es algo muy extraño en los tiempos que corren para la poesía, aunque existen por cierto preciosas excepciones.
* * *
Leo Lobos
(*) Leonardo Lobos Lagos, Leo Lobos, como creador de Arte polifacético (Santiago de Chile, 1966)
Poeta, ensayista, traductor y artista visual. Laureado UNESCO-Aschberg de Literatura 2002. Realiza una residencia creativa en CAMAC, Centre d´Art Marnay Art Center en Marnay-sur-Seine, Francia los años 2002-2003 con apoyo Fondo Internacional para la Cultura y la Fundación francesa Frank Ténot. Ha realizado exposiciones de sus dibujos, pinturas y una residencia creativa los años 2003 hasta comienzos del 2006 en el centro de cultura Jardim das Artes en Cerquilho, SP, Brasil.
Ha publicado entre otros: Cartas de más abajo (1992), +Poesía (1995), Perdidos en La Habana y otros poemas(1996), Ángeles eléctricos (1997), Camino a Copa de Oro (1998), Turbosílabas. Poesía Reunida 1986-2003 (2003), Un sin nombre (2005), Nieve (2006), Vía Regia (2007), No permitas que el paisaje este triste (2007). Su obra ha sido traducida parcialmente al portugués, inglés, italiano, árabe, francés y holandés.
Sus fotografías, ensayos, dibujos y poemas han sido publicados en revistas y antologías en Chile, Argentina, Perú, Brasil, Cuba, Estados Unidos, México, Túnez, España, Portugal, Francia, Italia y Alemania.
Como traductor desde el portugués ha realizado versiones en castellano de autores como Roberto Piva, Hilda Hilst, Claudio Willer, Tanussi Cardoso, Helena Ortiz, José Castelo entre otros. Sus dibujos, poemas visuales y pinturas forman parte de colecciones privadas y publicas en Chile, México, Estados Unidos, Brasil, España y Francia. El 2003 recibe la beca artística del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes del Ministerio de Educación de Chile y el 2008 la beca de creación para escritores profesionales del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile.
Es director de comunicaciones y relaciones públicas del Centro Bibliotecario desde 1992 al 2001. Forma parte del equipo productor del V Encuentro Internacional de poetas CHILEPOESIA el año 2008 y 2009, uno de los principales festivales de poesía de Hispanoamérica. Trabajo en gestión de proyectos en la Corporación Cultural y el Centro Cultural Chimkowe de Peñalolén los años 2009-2012. En la actualidad es gerente de gestión cultural en la Fundación Hoppmann-Hurtado y del Espacio Cultural Taller Siglo XX – Yolanda Hurtado en Santiago de Chile ciudad donde reside.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-79622366270882830542013-01-27T08:27:00.003-08:002013-01-27T08:27:56.296-08:00Los Juan Gelman por Marco Fonz<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIQ2cVwGcqwAKldbXZgQL88BpHsc8a1NuF7bneNG2P8bNw-Vh8mgOJfDfxymqml75RBojR_4dh82TgmqBqOj0CsctCTFsXlGdgYgR6RDMbT-DnuEgyNSpEq4BreloStzmt6N2gcvTIuwWe/s1600/gelman.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="199" width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIQ2cVwGcqwAKldbXZgQL88BpHsc8a1NuF7bneNG2P8bNw-Vh8mgOJfDfxymqml75RBojR_4dh82TgmqBqOj0CsctCTFsXlGdgYgR6RDMbT-DnuEgyNSpEq4BreloStzmt6N2gcvTIuwWe/s320/gelman.jpg" /></a></div>
Los Juan Gelman
Mi primer Juan Gelman
México. Juan Gelman de marfil con el cabello recordando canas y un cigarro en rojo entre los labios, dentro del aire y los dedos. El looby de un hotel siglo XIX en la calle Álvaro Obregón; el evento: “Encuentro de Poetas del Mundo Latino”. Yo, invitado de piedra, sin invitación subo a un autobús en el que no se sube Gelman, pero en el que están José Vicente Anaya, Orlando Guillén y Enric Cassases, así que estoy en casa. El rumbo: Morelia, Michoacán. El autobús se detiene en una gasolinera para que todos los poetas vayan al baño; a mí me toca orinar junto a Juan Bañuelos, hermano chiapaneco de orina, pienso, y sonrío.
A la hora de la comida José Vicente Anaya me regala su boleto del encuentro para comer gratis. Me formo detrás de Juan Gelman —flaco como la justicia y con cara en tristeza que ve pasar otra tristeza. Lleva un plato hondo de flores y pájaros en las manos y flota mientras sonríe y platica con Javier Sicilia, quien me sonríe y pregunta: “¿cómo estás, Marco?” Sonrío, avanzo y ponen consomé en mi plato hondo de flores y pájaros; me siento junto a Gelman, quien se adentra con la mirada al caldo como si de lo profundo saliera un Gelman de vapor y especias a respirar y suspirar. El Gelman de este lado real dice: “Lo que más extraño es la sopita de pasta”.
Lo relevante late y se manifiesta en su plática, lenta y con voz de cuerno de carnero. Nada extraño para un poeta que mantiene su fuerza en la voz de sus primeros poemarios.
Después vamos todos a las lecturas. En el auditorio, José Vicente Anaya es el único que celebra en el micrófono la lucha zapatista. Yo, invitado de hielo, leo junto con Orlando Guillén y Enric Cassases en la Plaza de las Rosas. A Gelman lo pierdo de vista y después lo encuentro en la mesa de lectura en donde los “Reconocidos y Viejos Poetas” viven sus poemas. Ahí lo veo transparente con una luz de quinqué que lo ilumina desde adentro. Lee y todo relumbra con la máscara de la felicidad incompleta.
Subo a otro autobús al que tampoco me invitaron; ahora voy entre los “jóvenes poetas”: mutaciones entre becerros sagrados y payasos desinflados con ínfulas de no sé qué gloria nacional y mérito poético. Me aburro y por fin llegamos, afortunadamente, a Ciudad Mutante D.F. Dejo atrás a los glorificados, vacas sangradas y futuras promesas del lirismo nacional.
Mi segundo Juan Gelman
La noticia era cierta: la poeta Enriqueta Ochoa acababa de morir y la velarían por la tarde en la Gayosso. Ahí, entre cientos de flores de todas formas, tamaños y aromas está el cuerpo que tuvo la poeta, pero la poeta ya no estaba ahí. El cuerpo con su último nombre brillaba en una de las esquinas de la habitación. Todos a media voz y con medio mirar, veíamos para todos lados y ninguno (en esos momentos, lo único vivo son los nervios). “Un café”, pensó mi nervio mayor, y ahí voy con mis huesos que todavía considero míos y con mi nombre. Atrás en el velorio estaba Marianne Toussaint, hija de la poeta, y su esposo Alejandro Sandoval, Saúl Ibargoyen y su esposa y otros poetas y esposos y esposas de poetas, escritores, críticos y funcionarios de cultura nacionales y del D.F. que quisiera olvidar pero no he podido. No nombrarlos sí puedo.
Mi café sin crema ni azúcar, entre que le muevo una vez o unas dos veces recuerdo que el poeta Mario Raúl Guzmán me presentó a Enriqueta Ochoa en su casa. Yo ya había leído tres de sus libros y quise conocerla con el gusto del descubridor de tierras nuevas. Ahí estaba en su pequeño departamento de la colonia Del Valle. Sentada y moviéndose con dificultad de su asiento al baño y de retorno lento. Platiqué con ella y, aprovechando que llevaba el poemario Bajo el oro de los trigos, se lo mostré para que me lo autografiara y puso algo así como “dedicado a Marco para que pronto encuentre trabajo y que todo vaya bien en la vida”. Cuánto trabajo es buscar trabajo, cantó el Rodrigo González. Vino tinto que llevó Marianne y plática agradable por todos los ahí presentes. Por desgracia llegué tarde a los talleres de poesía que compartía Enriqueta, no como Orlando Guillén, quien tuvo una buena maestra y poeta en ella, a quien dedicó un poema. Yo, un buen momento maravilloso al conocerla y después volverla a ver en Bellas Artes en donde le dieron la medalla de oro (que, dicen, aunque de eso nunca estaré seguro, era de plata) por parte del INBA. Pero en ese momento que pensaba si había sido de plata o de oro la medalla que le dieron a Enriqueta, se apareció como de la nada, con su color de cirio pascual, Juan Gelman. Estaba detrás de mí, junto al café. Lo saludé, saludé a su esposa; en lo que se servía el café le comenté mi pensamiento sobre la medalla de oro o plata, me miró como desde abajo de su nostalgia y me preguntó si eso era cierto. Le dije que sí hasta donde yo sabía (que al final era de saber muy poco). Movió su cabeza como si el vals de la tristeza tuviera otros pasos, y sorbió su café. Me preguntó cómo iba mi poesía. Le dije que muy sana y que en otro momento, si me dejaba su correo electrónico, le enviaría algunos poemas; o incluso, si quería, después podríamos vernos para entregárselos. Aceptó con la cabeza que parecía que lo arrastraba al sueño y dijo algo de un cigarro. Su esposa lo siguió, yo le di la mano para sellar lo dicho, lamentarnos por la muerte de Enriqueta y quedar para vernos en un futuro-futuro. (Su correo electrónico siempre revotó mis correos electrónicos.)
Regresé con los pies pegados a mi sombra; fui a ver a Enriqueta dentro del ataúd y le di mi adiós al cuerpo y mi bienvenida a las nuevas lecturas a sus poemas. No sé por qué pensé en la similitud que existe en la descomposición del cuerpo y en las instituciones de cultura de mi país.
Mi tercer Juan Gelman
La calle de Donceles, lugar en donde los libros usados y viejos hacen muros o montañas o torres en donde uno puede escalar realmente o con la imaginación. Donceles navegable, despegable, insoportablemente bella para los que tenemos los bolsillos vacíos de monedas pero llenos de libros. Una y otra vez recorro esa calle de largo a ancho y entro entraña adentro de sus pasillos históricos, poéticos, narrativos y demás, más y más temas locos, deschavetados, raros, místicos y hasta demoníacos temas para construirse otra personalidad cada que uno va a esos laberintos con minotauros o sin ellos. Me gusta ir especialmente a la sección de POESÍA, a mirar de reojo, a hojear, a hundirme en sus títulos y autores, a reír cuando uno de esos libros olvidados dice que fue Premio No Sé Qué De Cuál Año, perdido en la memoria de los poetas y de los miles de premios que existen. Y ahí el libro premiado agradece que alguien lo abra y por lo menos sacuda el polvo de sus premiadas hojas empolvadas. Definitivamente ningún premio te premia para toda la muerte. Ahí voy de la A a la Z, todos los autores por orden alfabético… uno se encuentra cosas tan bellas por feas, poemarios que alumbran: tan sólo le das un vistazo e inevitablemente cargas con él. También ocurre que uno abre un poemario y lee el verso que salta a la garganta, y a veces se va con uno en la memoria, y a veces se vuelve a tirar como un cigarro para apagarlo con la punta del zapato: todo brillo es efímero (si lo sabrán los cigarros y las efímeras). G, Garcilazo, Garza, Gelman, Gómez de la Serna, Gutiérrez Nájera, etcétera. Gelman, lo agarro, abro y encuentro razón para llevarlo. 20 pesos al contado y sin pedir rebaja, colección Práctica Mortal, CONACULTA, año olvidable. Bello libro porque en ese momento era necesario. Los poemarios, a diferencia de cualquier otro género literario, sirven por momentos y por otros momentos ya no nos dicen nada; lo mismo pasa con los poemas y pasa más a menudo con los poetas. A veces dejan de servir muy rápido, a veces duran un poco más, pero definitivamente es mentira que son inmortales. La muerte, igual que la poesía, tiene sus secretos no develados. Ante eso nadie, ni los poetas, pueden hacer nada, por mucho que lo intenten.
Llevo mi libro dentro de mi saco, bolsa, mochila o espíritu, no lo recuerdo. Y entre los brillos de la calle Donceles recién mojada por la lluvia, veo que de una puerta sale un humo delgado y caliente buscando la frescura del cielo. Del cigarro se desprende un esbozo de cuerpo, del hombre se desprende un nombre y del nombre sale un poeta, es Juan Gelman que se cubre de la lluvia que persiste en el aire. Le digo: “Hola Juan, qué haces?” Me dice: “y bueno... aquí esperando entrar al teatro de la Ciudad de México para escuchar la sinfonía Moctezuma de Vivaldi”. Me detuve junto a él como guardianes de la puerta y al mirar el arco colonial de la casa en donde estábamos vi el mascarón serio y observando el teatro y después vi a Gelman observar también el teatro como apurando el tiempo del cigarro y listo para entrar. En ese suspiro y distracción de la tarde saqué el poemario; se lo mostré, y le pedí que me lo graffiteara con su firma. Sonrió, dejó al cigarro conservar con su boca y firmó sin quitar su mirada triste que veía a la hoja pero también a todas partes. Me volvió a preguntar por mis poemas; comenté que ahí iban haciéndose, que después se los mostraría. Acabó la luz del día en el mismo instante que el fuego del tabaco. Me dio la mano, abrazo mexicano y un “nos vemos luego para seguir con el poema”. Gelman entró al teatro de la Ciudad de México y su poemario entró a mi lectura.
Hay poetas que se vuelven plateados con el tiempo.
Mi cuarto Juan Gelman
Lectura de poemas de Juan Gelman y Juan Manuel Roca. Interesante escuchar al primero con gusto; al segundo poeta… siempre hay que dudar de los segundos poetas. Y ahí vamos a un café-librería-foro cultural de la colonia Roma, Ciudad Mutante, D.F.
Convoca Iván Trejo, escritor y editor. Presenta dos poemarios, de los autores antes mencionados, publicados por su editorial. Muy interesante verlos, escucharlos y hojear las nuevas ediciones.
Teatro pequeño, bien iluminado, cortinas rojas, fondo negro, buen lugar para la poesía. Iliana y yo tomamos café mientras comienza el evento. Gelman llega en medio de los periodistas; Roca llega en medio de su comitiva. El editor, atento a que todo salga bien, igual que los que dirigen el teatro.
“Todos adentro”, dice una voz, pequeño tumulto al entrar pronto desvanecido y adentro estamos, a dos filas antes del escenario. Podemos ver hasta la marca de los zapatos que usan los poetas y el editor. Comienza Iván (con los nervios hablando por él) a hacer un recuento de vida literaria, de vida de exilio, de contra-vida y la obra. “¡Que lean, que lean!”, piden las múltiples señoras en edad de plenitud… “¡Que lean, que lean!”, cada vez las groupies son más y más grandes también: alguien perdió la dentadura con la emoción, pero no dejó de corear y de suspirar por cada uno de los poetas y de los poemas que leían los también adultos en plenitud –tanto poetas como poemas.
Ahora estoy absolutamente seguro de que algunos poemas sí envejecen con su poeta y su público. Me avergüenzo por cada suspiro coreado de las “viejitas” que no dejan que los poemas se caigan de malos, si no que los levantan en muletas de falsa admiración y de peor estilo por el gusto. Poemas tan evocativos que parecían verdaderos museos del horror en el recuerdo más chabacano y sensiblero/efectista que antes no había oído de Gelman. De Roca ya sé que es su estilo y no comulgo con él, pero Gelman se fue deshaciendo como la ceniza de los cigarros que fuma, no quedó más que el filtro cuando terminó de leer esos verdaderamente cursis poemas. En fin, tomamos buen café, los libros con buen diseño y nos enteramos de que la editorial está lanzando varios autores… eso, me imagino, salvó la noche. Por lo demás, me quedo con los primeros Gelman y sus primeros poemarios. Como escribiera alguna vez Luis Cardoza y Aragón: “Me quedo con alguna que otra bella página que haya escrito”. Eso fue todo.
Bonus trash
Hay poetas que, conforme uno los va conociendo, es difícil de creer en lo que se van convirtiendo o en lo que los van convirtiendo las instituciones o la “fama”. Recordemos que Juan Gelman fue uno de los poetas que Bolaño más o menos deja con piel después de la trasquilada que da con la clasificación de poetas en la novela Los detectives salvajes. Pero no me imagino qué pensaría Bolaño después de que Juan Gelman recibiera una medalla de oro por parte del INBA, CONACULTA.
El planteamiento, acompañado de una pregunta profunda sería: Si un poeta como Juan Gelman salió de su país (Argentina) a causa de la represión de un gobierno militar y asesino, y México lo recibe como recibió (y como sigue recibiendo a poetas, escritores, filósofos y todo tipo de intelectuales y artistas refugiados de todas partes del mundo), las preguntas serían: ¿Por qué recibe una medalla de oro de un gobierno mexicano que tiene en la última cuenta de seis años a más de 600 mil muertos y desaparecidos de forma violenta? ¿Por qué la recibió sin criticar nada ni a nadie sobre la mala administración y gestión cultural que da mucho a pocos y da poco o nada a muchos escritores, poetas y artistas de todo México? ¿Acaso su tristeza no se hermana con las familias mexicanas que han perdido sus trabajos o a sus familiares como él perdió a los suyos a causa de la similitud en el modus operandi que existe entre los gobiernos asesinos de Argentina y México? ¿Cuándo se le muere el ser crítico al poeta? ¿Por qué no simplemente dijo “No, gracias” y a seguir con algo de dignidad y ética?
En fin, son preguntas que espero hacerle a Juan Gelman cuando el destino o el azar me vuelvan a encontrar con él… No olvidemos que es posible cuestionar a los poetas; siempre con respeto, pero sin miedo.
P.D. Es igual de vergonzoso y creo que hasta gacho el que las glorias artísticas “contraculturales” que supuestamente eran Óscar Chávez y José Agustín también hayan recibido en su momento sendas medallas de “oro” o alguna condecoración del mismo gobierno mexicano asesino, sin que tampoco dijeran nada o hicieran algún pronunciamiento o queja o señalamiento. Creo que tanto smog apendeja de igual forma al ciudadano común y al intelectual encumbrado. ¡A tomar aire fresco, damas y caballeros, no vaya a ser el chamuco!
Marco Fonz
26 de enero del 2013
Quito, EcuadorMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-36790939180199411392013-01-17T06:39:00.003-08:002013-01-17T06:39:59.847-08:00Los Tzántzicos del blog de k- Oz<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWYWOXBTxgfeE0_VtY50YgPzGIOTahQPWyV8-4V9o_O-zMaxg0mn9jMTuKA3Wkj0kqYZAwe8IaG5maaMQ59lYsmoNqeBBqiJpFiy7AM8sFKyp_2KOb7Hm0GF9RLcCA4wQScfZbh87X0cnI/s1600/tzan" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="238" width="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWYWOXBTxgfeE0_VtY50YgPzGIOTahQPWyV8-4V9o_O-zMaxg0mn9jMTuKA3Wkj0kqYZAwe8IaG5maaMQ59lYsmoNqeBBqiJpFiy7AM8sFKyp_2KOb7Hm0GF9RLcCA4wQScfZbh87X0cnI/s320/tzan" /></a></div>
Ponencia presentada en el I Encuentro de Talleres Literarios
Alfonso Chávez Jara, CCE Riobamba 2006
Por: Alfonso Murriagui Valverde*
El 27 de agosto de 1962, firmado por Marco Muñoz, Alfonso Murriagui, Simón Corral, Teodoro Murillo, Euler Granda y Ulises Estrella, apareció el Primer Manifiesto Tzántzico. En un ambiente saturado por la beatería, inmerso en la "Sanfraciscana paz de los sepulcros", y en medio de las loas a los "ilustres intelectuales" pertenecientes a la aristocracia usufructuaria del poder, un grupo de jóvenes, la mayoría estudiantes de la Universidad Central, decide participar activamente en la vida cultural de Quito, especialmente en el campo de la creación poética, que venía siendo maltratada consetudinariamente por "poetitas" trasnochados, que no querían abandonar la poesía "lloriqueante, sensiblera y derrotista", que tanto éxito tenía en los círculos sociales del "romántico Quito" de los años cincuenta.
El Manifiesto no fue un exabrupto sino una constatación de la realidad cultural que vivía nuestro país a comienzos de los años 60; por eso en sus primeras líneas afirma: "Como llegando a los restos de un gran naufragio, llegamos a esto. Llegamos y vimos que, por el contrario, el barco recién se estaba construyendo y que la escoria que existía se debía tan solo a una falta de conciencia de los constructores. Llegamos y empezamos a pensar las razones por las que la Poesía se había desbandado, ya en femeninas divagaciones alrededor del amor, (que terminaban en pálidos barquitos de papel) ya en pilas de palabras insustanciales para llenar un suplemento dominical, ya en 'obritas' para obtener la sonrisa y el “cocktail” del Presidente¨
Alfonso Murriagui en su ponencia
Efectivamente, como lo afirma Agustín Cueva, en su libro “Entre la Ira y la Esperanza”, "los Tzántzicos aparecieron cuando en el Ecuador se había pasado de la literatura de la miseria a la miseria de la literatura y por eso su primera reacción fue la denuncia a los literatos y a la literatura, denuncia que, por supuesto, llevaba ya implícita la severa acusación social que luego formularían de manera directa."
Esa constatación del estado en que se encontraba el país en los campos del arte y la literatura, y las condiciones sociales en que se desenvolvía, conmovió a los jóvenes e irreverentes Tzántzicos e hizo que afirmaran:
"Estaba claro. - no somos extraños como para contentarnos con enunciar que Quito tiene un rosario de mendigos ni que Guayaquil afronta el más grave problema de vivienda de la América, no. Decidimos hacer algo, ¿Por qué? Quizá porque nunca hemos tenido un estudio con paredes revestidas de corcho para evadirnos de esa miseria circundante al arte por el arte; o quizá porque lo tuvimos y a pesar de todo algo nos gritaba, algo nos llamaba en forma urgente: ¿Un llanto, una esperanza de redención, un fusil? Quien sabe"; y añaden: "No decimos que encima de estos restos nos alzaremos nosotros. No. Se alzará por primera vez una conciencia de pueblo, una conciencia nacida del vislumbrar magnífico del arte. Será el momento en el que el obrero llegue a la poesía, el instante en que todos sintamos una sangre roja y caliente en nuestras venas de indoamericanos con necesidad de saltar, de combatir y abrir una verídica brecha de esperanza"..... Y terminan: "El mundo hay que transformarlo. Nuestro paso sobre la tierra no será inútil mientras amanezcamos al otro lado de la podredumbre, con verdadera decisión de ser hombres aquí y ahora.
TzántzicosQuito, 27 - VIII - l962"
Por ser un hecho histórico que requiere ser fijado con precisión, es necesario aclarar que Ulises Estrella está confundido cuando en su libro Memoria Incandescente, página 10, afirma: “Una noche, cuatro poetas (Leandro Katz, Marco Muñoz, Simón Corral y yo) decidimos realizar la primera presentación pública en abril de l.962, en el Auditorio Benjamín Carrión de la Casa de la Cultura, en el que bajo el título Cuatro Gritos en la Oscuridad, se leyó el Primer Manifiesto Tzántzico”, y narra a continuación el acto. Lo que no se dio cuenta Ulises es que, en su mismo libro, en la página 60, se publica un recorte de prensa del diario El Comercio de fecha 28 de Abril de l962, en el que se afirma, entre otras cosas: “En realidad se trababa de un recital de poemas de Leandro Katz, Simón Corral, Marco Muñoz y Ulises Estrella”. Esa noche no se leyó el Manifiesto; lo escribimos meses más tarde y sin la presencia ya de Leandro Katz, y lo leímos Teodoro Murillo, Marco Muñoz, Ulises Estrella y Alfonso Murriagui el 27 de Agosto de l.962, a las 7 de la noche, en el Salón Máximo de la Facultad de Filosofía, acto en el que distribuimos el Manifiesto: un plegable de 8 x 10 centímetros, impreso en cartulina gris y con la figura de una tzantza en la portada. Más aún, Cuatro Gritos en la Oscuridad, no fue “la primera presentación pública del grupo”, como afirma Ulises, pues ese suceso se dio dos semanas antes, en el Salón Máximo de la Facultad de Filosofía, con la participación de Marco Muñoz y Leandro Katz. (Datos tomados de la Revista Pucuna No. 1, aparecida en Octubre de 1962).
Como queda demostrado, la lectura del Primer Manifiesto no fue la iniciación de la actividad cultural y política de los Tzántzicos, puesto que, después de los Cuatro Gritos en la Oscuridad, en mayo de 1962, Leandro Katz y Marco Muñoz leyeron poemas en la Asociación de Artistas Plásticos y en ese mismo mes se produjo el primer signo de persecución: un recital que debía realizarse en el Teatro Sucre, organizado por los estudiantes con motivo de las fiestas patronales del Colegio Montúfar, fue suspendido abruptamente por orden del Rector del Colegio, 30 minutos antes de su iniciación, aduciendo que los jóvenes participantes eran “comunistas”.Luego, en el mes de junio se realizó un recital en la Universidad de Guayaquil y, en julio, en Quito, para los Empleados Municipales. En Agosto se hizo un recital para los trabajadores de la Fábrica Textil "La Internacional" y el 27 de ese mes, en el Salón Máximo de la Facultad de Filosofía de la Universidad Central, como queda dicho, se dio lectura al Primer Manifiesto Tzántzico.
Las intenciones políticas y sociales de los Tzántzicos están claramente definidas desde sus primeras actividades: rechazan los cenáculos y los salones elegantes y van a las fábricas, a las universidades y colegios, a las agrupaciones de artistas y asociaciones de empleados. Su intención es llegar masivamente a los estratos populares, tanto que utilizan, por primera vez en Quito, la radiodifusión para hacer conocer sus planteamientos: por Radio Nacional del Ecuador difunden un programa denominado “Ojo del Pozo”, en el que, dos veces por semana, leen sus textos y sus poemas. Y es más, sus inquietudes derivan hacia la discusión de los problemas sociales, pues organizan y participan en debates importantes como la Mesa Redonda, realizados en Agosto de 1962, sobre el tema “Problemática y Relación del Artista con la Sociedad”, en la que participan los destacados pintores nacionales: Oswaldo Viteri, Mario Muller, Jaime Andrade, Jaime Valencia, Hugo Cifuentes y Elisa Aliz y actúa como moderador el Dr. Paul Engel; y el Debate realizado en septiembre del mismo año sobre “La Función de la Poesía y Responsabilidad del Poeta”, en la que el expositor fue Jorge Enrique Adoum y la discusión estuvo a cargo de Sergio Román, Manuel Zabala Ruiz, Ulises Estrella y Marco Muñoz.La presencia de los Tzántzicos, como era de esperarse, despertó la furia de la burguesía y de sus recaderos; Agustín Cueva, en el libro "Entre la Ira y la Esperanza", lo reseña en los siguientes términos: "Ahora: odiado por los derechistas; detestado por los mini y microensayistas que le aplican la cobarde y sistemática represalia del silencio; ignorado por pontífices y periodistas 'sesudos' pero aplaudido en universidades, colegios, sindicatos, etc.; el tzantzismo, tierno e insolente, es, mal que pese a sus adversarios, la verdad de nuestra cultura (y el público así lo siente: los Tzántzicos son los únicos poetas capaces de tener lleno completo en cualquier local donde se presentan). Negación de toda retórica, es, a la vez, nuestra poesía y la imposibilidad actual de una absoluta poesía: es el germen y el fracaso de nuestra ternura; la dimensión exacta, auténtica, de un momento en que el artista toma conciencia del alcance social como de las limitaciones de la palabra. Por eso, entre el acto y el grito próximo al estallido, el tzantzismo se afirma como una forma de arte ceremonial y agresiva, destinada a vencer la capa de inercia, y la barrera opresiva- depresiva que le oponen los detentadores del poder socio-político".
Es necesario señalar que la actitud de los Tzántzicos, no fue dirigida exclusivamente al trabajo literario, fue, mejor, un pretexto para ejercer, con audacia, una actividad abiertamente revolucionaria, como lo señala Cecilia Suárez en su trabajo de investigación sobre los Movimientos Culturales: "El parricidio predominó sobre la tarea de diseccionar el pasado para deslindarlo y se orientó no solo contra las figuras y las obras de la cultura oficial, sino contra toda la tradición que representaba, por el hecho de serlo, el colonialismo, la conciencia feudal, la aristocracia, o la oligarquía. Con una actitud polpotiana, despiadada, implacable, combatieron y arrasaron con todo el pasado, lo negaron y lo invalidaron totalmente".
Efectivamente, los Tzántzicos no fueron ni diletantes ni oportunistas, su actitud respondió a una clara militancia política, adoptada, responsablemente y con absoluta convicción, ya que tenían muy claros los problemas sociales, económicos y políticos por los que atravesaba el país, América y el Mundo. En el Ecuador gobernaba una dictadura militar de coroneles, que clausuró el Café 77 y que los tenía fichados como “comunistas peligrosos”. No debemos olvidar que los años sesenta fueron los años de la eclosión revolucionaria. La Revolución Cubana acababa de liberar a la Isla de la dictadura de Fulgencio Batista y rompía con el Imperio, que trataba de controlar una revolución que había estallado a noventa millas de sus dominios y que amenazaba con extenderse por toda América. La figura del Che Guevara era nuestro ejemplo y las lecturas y discusiones sobre los problemas de esa Revolución se habían vuelto cotidianas.
Cuando los Tzántzicos Rafael Larrea, Raúl Arias y Alfonso Murriagui viajaron por América, hacia el sur, conocieron a Hugo Blanco y a Luis de la Puente Useda, en el Perú y cuando se encontraban cerca del Cuzco se enteraron del asesinato del poeta Javier Heraud, quien decidió “morir entre pájaros y flores”. En su viaje de regreso, en el tren que venía de Buenos Aires, en un vagón de segunda clase, conocieron a Benjo Cruz, cantor y poeta, quien meses después moriría en la selva boliviana, como integrante de la guerrilla organizada por el Che Guevara. Con Benjo acuñaron esa hermosa frase que dio la vuelta al mundo: “Somos hartos los que estamos hartos”, que fue el epígrafe del primer libro Tzántzico: “Treinta y Tres Abajo”, de Alfonso Murriagui. Todas las gentes que conocieron y todos los pueblos pobres y explotados que visitaron, fueron las bases suficientes para que se convirtieran en militantes activos de la lucha para cambiar el sistema de explotación y miseria que campeaba en nuestra América Mestiza.Sobre este tema creo justo y necesario reproducir el pensamiento de Rafael Larrea, Poeta Tzántzico y uno de los más altos valores de la poesía nacional, tempranamente fallecido. En el No. 2 de la Revista “Diablohuma”, del Centro de Arte Nacional, en un artículo titulado “El Poder de la Irreverente”, entre otras cosas afrma: “El movimiento tzántzico fue encontrando los elementos de su ideología y de su estética, en un proceso vital de cuestionamiento y revalorización de lo nuestro, del pasado, de la cultura universal. Desarrollamos el pensamiento crítico, adoptamos una actitud consecuente con las necesidades históricas de nuestro pueblo en marcha a su futuro de libertad, y pusimos todo empeño por dinamizar nuestra actividad”.
“Ubicados dentro de una corriente ideológica y estética de izquierda, sostuvimos la necesidad de una asimilación sustancial del marxismo, así como la imprescindible asunción de una estética coherente, para lo cual penetramos en la textura del naturalismo, del realismo socialista, del surrealismo, del dadaismo y más corrientes renovadoras. El estudio crítico de Nietzche, el existencialismo sartreano, la teoría de la enajenación de André Gorz, la experiencia de la premonición de los cambios evidenciada por Frantz Fannon en la revolución argelina, etc., también nos fueron útiles”.“El nuestro fue un arte militante, consciente y claro de sus cometidos. Esto marca una gran diferencia con movimientos aparentemente similares, como el Nadaísmo colombiano. Trabajamos con espíritu de cuerpo, desplegada nuestra sensibilidad y creatividad vivimos, actuamos, sentimos, produjimos, polemizamos, argumentamos, removimos y potenciamos. Pasamos de la etapa de la denuncia a la protesta y de ella a la propuesta, al esto-bello que concebíamos, en una estética probablemente no plenamente resuelta, pero nuestra”.
Raùl Arias interviene en el encuentro
“Todo esto representó un peligro para la estabilidad de los dogmas. Fuimos atacados con la lápida oficial del silencio; por cada reaccionario, como pudo. Pero, nunca esperamos otra cosa del enemigo. Recordamos al Quijote: “ladran, Sancho, luego, cabalgamos”. Fuimos y somos enemigos de los opresores, de los falsos estetas, de los falsos poetas, de la mediocridad y el servilismo. No pedimos ni esperamos su respeto, su solidaridad, su consentimiento. Todo ello, y en abundancia, nosotros lo encontramos en los ánimos, el calor, la fraternidad sencilla y directa, en el cuestionamiento y apasionado interés por todos aquellos para quienes nuestro verso era una agua esencial, por todos los que tienen sed de grandes cambios”.
Los Tzántzicos fueron políticos, militantes revolucionarios, sino todos, la mayor parte de ellos; no hacen falta nombres, fechas, ni partidos. Ellos lo saben, algunos después renegaron, se convirtieron en empleados o asesores del sistema. Esa fue precisamente la causa para el rompimiento del tzantzismo: el aparecimiento de “nuevas corrientes” que impusieron su oportunismo derechizante, que, por cierto, no lo habían perdido nunca y que les ha servido para llegar a las más altas dignidades de la cultura nacional, que incluyen jugosas prebendas y prósperos negocios.Uno de los más importantes actos políticos que realizaron los Tzántzicos, fue la organización de la toma de la Casa de la Cultura, realizada en Agosto de 1966, con el propósito de expulsar a las autoridades nombradas por la dictadura militar. En esta acción, que se la denominó posteriormente “revolución cultural”, se demostró su capacidad de lucha y de organización y junto a la Asociación de Escritores Jóvenes del Ecuador, la Federación de Estudiantes Universitarios (FEUE), la Confederación de Trabajadores del Ecuador (CTE) y la Federación de Trabajadores de Pichincha (FTP) lograron cambiar, aunque momentáneamente, las condiciones en que se desenvolvía la institución rectora de la cultura nacional que, al poco tiempo, volvió a caer en manos del oportunismo, como se señala en el No. 9 de la Revista Pucuna, febrero de l968: “Las últimas actitudes de Benjamín Carrión y Oswaldo Guayasamín no solo han cuestionado la autonomía de la Casa de la Cultura sino que evidencia claramente el fracaso político definitivo de las viejas generaciones inspiradas en principios liberales. Junto a la posición de Asturias, embajador de un gobierno que asesina patriotas en las calles, a las vacilaciones claudicantes de Neruda, constituyen el último estertor, el derrumbamiento catastrófico de una manera de ver, pensar, sentir y actuar, el colapso de un modo de enfrentarse con la vida y la cultura”... “El intelectual no puede eludir una respuesta sobre la política nacional y mundial, tiene que hacer efectiva su actitud de integración popular, aún a costa de su tiempo, su tranquilidad, su vida. La condición de un escritor o artista tiene que evidenciarse en su capacidad de lucha contra el orden imperante”.
Los Tzántzicos no solo fueron un grupo de poetas rebeldes y parricidas, fueron los iniciadores de un movimiento cultural que se ha prolongado a través del tiempo y que continuará mientras subsistan las condiciones de explotación y miseria que agobian a nuestro pueblo y el arte y la literatura sigan siendo producto de la elitización y de la colonización cultural. Tras ellos vinieron otros Grupos afines: el Frente Cultural, con la 'Bufanda del Sol', los “Canchis”, “La Pedrada Zurda”, en los años setenta; en los años ochenta los talleristas de "la Pequeña Lulupa", los “Matapiojo” y el Taller Joaquín Gallegos Lara del Centro de Arte Nacional, que lo construimos junto con Rafael Larrea y Alfonso Chávez, para continuar con la Unión de Artistas Populares del Ecuador (UNAPE), que todavía se encuentra en plena actividad en todo el país.
Nota de los editores k-Oz
Alfonso Murriagui, Quito 1929. Miembro fundador del movimiento tzántzico. Fue durante muchos años periodista y profesor de la Facultad de Comunicación Social de la Universidad Central del Ecuador. Durante 40 años, ha dedicado su vida a la defensa y difusión del Arte Popular. Actualmente sigue trabajando en poesía, narrativa y dramaturgia; es miembro del Comité de Redacción del Semanario Opción. Junto con Rafael Larrea y Raúl Arias, constituyen la tríada del movimiento de reductores de cabezas, que no devino al paso del tiempo, con la “cabeza reducida”.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-614826997700755502013-01-14T08:36:00.002-08:002013-01-14T08:37:10.054-08:00Los Infrarrealistas desde los ojos del poeta Ramón Méndez<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsO2CHTY2kB1gOgtcSKaIQuuXjPa1Tz_kOKG0GokihpvOFn-s5UP_afPuWOXrnYAvkx8F5a6oY-hv1XqjonkHv_zjmNB5Ovl4iRp7WEa0I46BBj7cmsf_BiQuwX4khVlOeu3LUiDOJLaV5/s1600/infras.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="94" width="127" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsO2CHTY2kB1gOgtcSKaIQuuXjPa1Tz_kOKG0GokihpvOFn-s5UP_afPuWOXrnYAvkx8F5a6oY-hv1XqjonkHv_zjmNB5Ovl4iRp7WEa0I46BBj7cmsf_BiQuwX4khVlOeu3LUiDOJLaV5/s320/infras.jpg" /></a></div>
Va un texto del poeta Ramón Méndez Estrada por aquello de seguir recordando para que el olvido no haga de nosotros números académicos y nos convierta en Poetas Vivos. Saludos Ramón por aquellas pláticas en el Callejón Condesa lugar de buenos libros y mejores amigos.
Como veo doy,
una mirada interna del Movimiento Infrarrealista*
Ramón Méndez Estrada
Con casi dos años de gestación desde la revuelta de 1974 en el taller de poesía de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde un grupo de jóvenes poetas insurrectos firmamos la renuncia del entonces coordinador, Juan Bañuelos, el Movimiento Infrarrealista nació a la luz entre fines de 1975 y comienzos de 1976, en un edificio de la calle de Argentina, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, donde vivía Bruno Montané.
La idea del nombre y la fundación de un movimiento contra la cultura oficial fue de Roberto Bolaño, entusiasmado por la poesía irreverente de algunos cuantos jóvenes que seguíamos frecuentándonos tras nuestra expulsión del taller de Bañuelos.
A fines de 1973 habíamos llegado a ese espacio de estudios poéticos Cuauhtémoc y Ramón Méndez, venidos de Michoacán, donde fundamos con otros jóvenes de entonces, en 1972, el Taller Literario de la Universidad Michoacana. Nuestro arribo al taller de Juan fue la gota que derramó el vaso, casi colmado, de la inconformidad que iban acumulando los alumnos del coordinador.
El método de estudio, rito repetido dos veces por semana, consistía en que los jóvenes leyéramos en voz alta nuestros incipientes textos, y luego nos criticáramos mutuamente. Pero eso no nos satisfacía. “Vamos a estudiar a los clásicos, Juan”, le decíamos. “Estudiemos el Siglo de Oro, danos algunas clases del soneto”, pero el maestro no tuvo interés, o no pudo, satisfacer nuestras demandas.
Entre aquellos jóvenes los más beligerantes eran Mario Santiago, que entonces aún no había adoptado el Papasquiaro, y Héctor Apolinar. Sus críticas irónicas, su mordaz sentido del humor, nos empujaban a todos a escribir más y mejor. A fin, una tarde de principios de 1974, Mario Santiago se presentó al taller con una hoja en que traía redactada la renuncia de Bañuelos, con esa caligrafía particular que caracterizaba al joven vate y, por supuesto, también con su muy singular estilo, irreverente y desparpajado, donde el maestro se autoacusaba de menopausia galopante y otras lindezas para dejar su puesto.
Juan leyó el texto, y mientras la mayoría de los talleristas suscribíamos la hoja su rostro cambiaba de color y él, con contenida cólera, nos decía: “¡Qué buena broma, muchachos! ¡Qué buena broma!” Quienes lo enfrentaron con más decisión fueron Mario Santiago y Héctor Apolinar: “No es broma, Juan, no te queremos. No sirves tú para estas cosas”.
Un grupo del taller llevó la renuncia, también firmada por Bañuelos, por supuesto, a la directora de Difusión Cultural, y ella contestó que Juan era un empleado y no podían correrlo. Propuso, en cambio, que los inconformes consiguiéramos otro coordinador, y que el taller se dividiera: de los dos días de la semana que correspondían a la clase, uno sería para nosotros y otro para el maestro. Prometió también apoyar la edición de una revista. Al poco tiempo, mediante una coperacha de los interesados, salió Zarazo 0, con poemas de los beatniks estadunidenses, de los miembros del movimiento peruano Hora Zero y de algunos de los revoltosos del taller de la UNAM. Aunque estuvieron formados otros tres números de la revista, nunca pasaron a la imprenta: Menos de dos meses después de la insurrección en el taller, una tarde nos encontramos con la puerta cerrada y fuera de la institución.
El hecho sirvió para que algunos de nosotros consolidáramos una amistad que creció con el tiempo en largas caminatas por la ciudad y noches de juerga y de poesía. En el camino, se quedó la intención de fundar el Vitalismo, en que nos empeñamos algunos, entre ellos José Vicente Anaya, que no visitaba el taller de Juan en el tiempo de la revuelta.
Una madrugada de 1975, agotadas las reservas del espirituoso que compartíamos y cansados de vagar por las calles del centro de la Ciudad de México, Mario Santiago me invitó a visitar a un amigo suyo: Roberto Bolaño, quien vivía en un vetusto edificio cerca de la estación Cuauhtémoc del Metro. La recepción de Roberto no fue muy cordial que digamos, pues lo interrumpíamos de su diaria jornada de redacción creativa mañanera, que cumplía con el rigor de un burócrata sujeto a reloj checador. La conversación no fue muy larga, pero sí muy intensa. Cuando Santiago y yo salimos de la casa de Bolaño lo habíamos convencido de nuestra subversión vital contra el oficialismo de la cultura, y nos había comparado con los beatniks: “Tú eres Ginsberg –le había dicho a Santiago‑, y éste es Corzo: son los beatniks de México”.
Poco después –semanas o meses‑ Mario Santiago me informó que, entonces sí, estaba en puerta la constitución de un movimiento poético rebelde, el Infrarrealismo. En el camino, entre la frustrada creación del Vitalismo y la llegada del Movimiento Infrarrealista, se habían quedado desperdigados nombres valiosos: Kyra Galván, Lisa Johnson, Mara y Vera Larrosa, y otros que no recuerdo.
Idea de Roberto, la explicaba como una metáfora: a quienes cometimos el pecado de rebelarnos contra una de las glorias nacionales de la poesía nos tenían vetados en todas las publicaciones y espacios culturales de México; decía que éramos como soles negros, de esos que no se ven pero que atraen la luz, materia condensada a tal grado que hace caer a la energía por su peso, y auguraba que nosotros haríamos la literatura clásica de nuestro tiempo.
Seducidos por el poeta chileno, fundamos el Movimiento Infrarrealista. Después de la larga gestación, el parto fue alegre y mucho el entusiasmo con que nos proponíamos volarle la tapa de los sesos a la cultura oficial. Había muchos artistas sumados a la subversiva intención. Si no me traiciona la memoria, la noche de la constitución estábamos en la casa de Montané entre 30 y 40 personas, la mayoría jóvenes, hombres y mujeres, músicos, pintores, narradores, poetas... La mayoría desertaron. Roberto y Bruno se fueron a España, a donde también más tarde se fue Edgar Altamirano; el hermano de éste, Óscar, permaneció en Guerrero, y ahora vive en el Estado de México; Rubén Medina se fue a Estados Unidos; Jorge Hernández Piel Divina a Francia, y así, por los caminos del mundo. Unos se iban, y llegaban otros: José Rosas Ribeyro y Margarita Caballero; José Margarito Peguero y Guadalupe Ochoa, antes de la partida de Rubén. Pedro Damián se sumó después. Apolinar no llegó siquiera a la fundación: se lo tragaron los Comités Laborales. Darío Galicia y Julián Gómez, que no estuvieron en la revuelta contra Juan Bañuelos pero al parecer recibieron invitación de Mario Santiago, no aceptaron sumarse al infrarrealismo.
El camino ha sido largo y difícil. A Zarazo 0 siguió Pájaro de calor, Correspondencia Infra, la volada antología Muchachos desnudos bajo el arcoiris de fuego (que generó la única pelea de Julián Gómez con Mario Santiago), publicaciones todas donde no están todos los que son ni son todos los que están. En el transcurso, hubo irrupciones infras en recitales de poesía oficial que nos valieron en los medios de comunicación críticas y calumnias. Entre todo, la negación constante: los poetas infrarrealistas no existimos para la oficialidad más que como una leyenda de revoltosos.
Pero ha habido satisfacciones. Una noche que conversábamos en voz alta en el café La Habana mientras bebíamos unos tragos, se acercó a nuestra mesa un muchacho, Tulio Mora, y nos preguntó si éramos los infrarrealistas. Él pasaba por México con camino a Perú y dijo que después de tres meses de inútil búsqueda se había convencido de que éramos un cuento que circulaba en Francia y en España; se quedó entre nosotros varios meses más y ya publicó, en Perú, una antología horazeriana e infrarrealista. Y en 1989 llegó a Morelia un joven alemán cuyo nombre no recuerdo, en busca de Cuauhtémoc Méndez, cuyos textos había leído en checo, en Europa; iba rumbo a Brasil, en persecución de un amor, y decidió detenerse en México para conocer a un poeta que lo había asombrado.
En la década de los 80 trabaron relación con nosotros los hermanos Guzmán (Iván, Mario Raúl y Mauricio, y más tarde Eduardo). Mario Raúl publicó unas hojitas monográficas de poesía, Calandria de tolvañeras, algunas de las cuales fueron de infrarrealistas. Después algunos libros, y tres números de la revista La zorra vuelve al gallinero.
Poco antes de morir, Mario Santiago emprendió con Marco Lara Karhk un proyecto editorial en que se publicaron, además de otros varios, tres folletines y un libro de infrarrealistas: Beso eterno y Aullido de cisne, de Mario Santiago Papasquiaro; Estrella Delta Escorpio, de Pedro Damián, y Al amanecer de un día Dos Lagartija, mío. Antes Pedro había publicado Sexto paladar, premiado en Tijuana, y yo El paso de los días, auspiciado por la Universidad de Zacatecas.
Mario Santiago Papasquiaro murió atropellado, a principios de 1998, en el Distrito Federal, y entonces muchos plumíferos oficiales, aprovechando la ocasión, hablaron del infrarrealismo y la avasalladora personalidad del vate de Mixcoac, y en julio pasado, cuando se dio la noticia de que el poeta y novelista chileno Roberto Bolaño había muerto en España, le dieron vuelo otra vez a ese cuento francés que somos los infrarrealistas, la leyenda de los soles negros que se comen la luz.
Y los que no existimos hablamos así al mundo, y los poetas de la oficialidad tiemblan con sus patas de barro, sus mentes faltas de claridad, sus libros incoherentes, sin nada más que metáforas vanas. Nos vamos viendo al tiempo, porque viene por ahí la publicación de libros inéditos que varios tenemos, y la antología infrarrealista, cuyo nombre debemos al poeta guatemalteco Carlos Illescas, a quien alguna vez platicamos el proyecto con varias propuestas para el título y nos dijo: “De una vez póngase Nosotros los clásicos”.
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* Publicado en La Jornada Morelos el 9 de marzo de 2004.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-45489089653875019192013-01-11T10:43:00.002-08:002013-01-11T10:43:06.393-08:00Uno de Guillermo de Torre<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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EL ARTE DE SER JOVEN
Pero ¿quiénes son éstos? La especificación merece algún rodeo. Ser joven, así, a secas, no significa absolutamente nada. Es algo inevitablemente biológico. Todos lo han sido, lo son, o están en trance de serlo -con arreglo a la partida de nacimiento corpóreo, ya que no espiritual-. Ahora bien, lo difícil, lo que muy pocos consiguen, es ser dignos de la juventud, “saber llevar” esta edad, no como una rosa en el ojal, sino en la obra: inyectar en ésta la palpitación virgen, el estremecimiento creador que les posee, para quedarse después erguidos y alertas, dispuestos a nuevas y frescas acciones y reacciones ante la vida.
Mas no se infiere de estas restricciones que propendo a disminuir el papel de la juventud, movido de un prurito desconcertante contra los jóvenes, contra aquellos que inevitablemente están a mi nivel en el tiempo, ya que no en el espacio de las intenciones. Aspiro únicamente a precisar el concepto de la juventud auténtica, marcando sus diferencias con la apócrifa. Si la fórmula aforística fuese válida, yo diría que la juventud auténtica es aquella que permaneciendo perfectamente consciente de sus dotes pone una discreta elegancia en no hacerlas sentir demasiado; mientras que, por el contrario, la juventud apócrifa se nos muestra -sea cual sea la edad en que encarne- con un impuro descaro exhibicionista.
Porque la explotación de la juventud puede ser tan impura como la explotación del éxito o de la senectud. Ningún joven verdadero deberá convertirse en un empresario de eso con que los apócrifos especulan pomposamente llamándolo “mi juventud”. Porque ¡hay tantos jóvenes apócrifos y hay tantas juventudes equivocadas o sumidas en una prematura senectud! Precisamente, así en España como en América, ¡se ha entendido tan mal el deber de esa edad juvenil! Las sirenas del pretérito, del conformismo, ululan siempre con demasiada fuerza en los puertos de embarque juveniles. Recordaré siempre el caso de aquellos pintores aprendices en la Academia oficial madrileña que, en cierto momento, para asegurar la salvación de su ánima, se apresuraron a declarar espontáneamente y orgullosamente que ni el cubismo ni ninguna otra de las modernas fórmulas pictóricas habñia llegado todavía a ellos... afortunadamente -subrayando con una inocencia especial esta última palabra: afortunadamente-. Que es como si un jefe de estación dijera que el tren X que hacía quince años que debió llegar allí, no había llegado aún “afortunadamente”.
Con todo, lo urgente es dignificar la “edad de oro”, la “edad ingrata” o la edad sin memoria -o como se guste llamarla- de la juventud. Es un espectáculo bochornoso el que ofrecen esos jóvenes, que a veces ya no lo son, y que cifran toda su presunta novedad en el hecho de aplicarse escrupulosamente al calco de los modelos encontrados en la guardarropía de sus antecesores inmediatos; o bien en repetir hueramente con un acento de “tradicional” -lo llamo así por desacrediado- anarquismo cuatro borrosos latiguillos, hablándonos de los fueros de la juventud, de la “necesidad de exterminar a los viejos” y fáciles canturrias de esa índole. La actuación de esos individuos que he llamado antes “antropopitecos enmascarados” hace lícitas y justificables aquellas irónicas palabras de Cocteau cuando afirmaba que “los jóvenes son casi siempre los campeones de una vieja anarquía, con cuyos gruesos conceptos se llenaban la boca y los oídos”.
Con esta admonición a los jóvenes que se dejan arrastrar por la fácil pendiente del conformismo o del iconoclastismo -ambas son igualmente reprobables- no pretendo vulnerar susceptibilidades, sino señalar riesgos y evitar peligros. Ortega y Gasset ha dicho que existen épocas de viejos y épocas de jóvenes: épocas acumulativas y épocas eliminadoras y que la actual es una generación desertora. Sin contradecir -dada la perspectiva general que dicta tal aserción- más exacto me parece apostillar que dentro de toda generación caben dos fases: fase destructora y constructiva: eliminadora e integral. En la primera fase es permisible que la juventud se arrostre salutíferamente a las más encrespadas negaciones, sienta la duda cartesiana de todo y emprenda el replanteamiento radical de los problemas espirituales y estéticos. Esta actitud no implica un libertinaje nefado; al contrario, facilita el primer paso hacia una afirmación nueva, hacia un sistema de verdades intactas, hacia un orden nuevamente estructurado. Recordaré esta frase: “Toda afirmación profunda necesita ir precedida de una negación profunda” -decía sutilmente el agudo revelador del Secreto profesional.” “Destruir es construir” -. Y yo agregaría: quien no pretende edificar nada no tiene por qué derribar ninguno de los iconos más o menos respetables que le legaron sus antepasados.
Pero tal fase previa ha de ser prontamente superada. Quedarse en ella es signo de inanidad. Rebasarla es signo de vitalidad, posibilidad de pervivencia.
Guillermo de TorreMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-12089235529687657382012-10-09T11:11:00.001-07:002012-10-09T11:11:11.531-07:00Uno de Manuel Maples Arce<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj30-A9Ov0XuCjVm4pYUY-UU5I5EDdiCyiB5sDub8_8kG8l4VvbukvIFNWVFyO-RTKW1tkcCxW3TO48h7sl0u3178qoj07Df6Y5ocfiYsbTnM9-jsxwaobuiI9WgoKrWkfncQIiBl7ll5s1/s1600/estridente.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="256" width="176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj30-A9Ov0XuCjVm4pYUY-UU5I5EDdiCyiB5sDub8_8kG8l4VvbukvIFNWVFyO-RTKW1tkcCxW3TO48h7sl0u3178qoj07Df6Y5ocfiYsbTnM9-jsxwaobuiI9WgoKrWkfncQIiBl7ll5s1/s320/estridente.jpg" /></a></div>
Del sentido y dignidad de la poesía
Hay una tradición que atribuye al poeta misteriosos poderes para cuyo ejercicio debería alejarse de la sociedad; su único designio sería tan sólo cantar con absoluto olvido de las cuestiones civiles y humanas. La tradición opuesta reconoce en él exclusivamente un artífice. Entre los hebreos el poeta era un profeta; su canto, un grito, un himno, un desgarramiento. Para Wordsworth, el poeta “es un hombre poseído de una más viva sensibilidad, entusiasmo y ternura, con un conocimiento de la naturaleza humana y un alma más comprensiva, un hombre regocijado en sus propias pasiones y voliciones y que se regocija más que otros hombres en el espíritu de vida que encuentra en sí mismo...” Para Platón, el poeta es el poseído por las Musas, por lo que debe impedírsele la entrada al templo, según pretende en uno de sus diálogos. La iglesia, en contraparte, reclama los “socorros de la belleza poética” —alabanza, júbilo y drama—, y en favor de esta concepción, Paul Claudel esgrime un argumento dogmático basado en la fe. “Muchos de los poetas franceses del siglo XIX —dice— tenían talento y aun genio, pero eran la poesía sin Dios. Y si su obra produce en ciertos momentos el efecto de un amasijo de escombros, desearía mostraros que la causa de su rápido declinar no consiste en que les faltara talento, sino en que carecían de religión, es decir que a su talento y a su obra faltaba un ingrediente esencial”. Se podría replicar, sin embrago, que la misma impresión producen muchos poetas religiosos. En realidad ni la poesía religiosa francesa (Claudel, Péguy), ni la tradición anglicana o católica (Milton, Thompson, Coventry Patmore, Hopkins) viven por la fuerza del dogma, sino por el impulso vital. Cualquier dogma es peligroso para el arte porque impide que éste despliegue toda su intensidad.
Pero prescindiendo del concepto que tengamos de la experiencia lírica dada la condición humana del poeta, éste no puede eximirse de responsabilidad sin corromper su esencial actividad. El oficio de escritor es secundario, porque sólo es un medio de formación, afirma Novalis. Por importantes que sean las agitaciones personales, tampoco debe impedir al poeta ser universal, ni asumir la responsabilidad de sus decisiones. La tragedia que lo rodea forma parte de sus circunstancias, como diría Ortega y Gasset. Las circunstancias cambian, sin embrago, de una a otra generación, y con aquéllas los temas. La sensibilidad, el lenguaje, las ideas estéticas y las formas de expresión se modifican, lo mismo que las fuentes de inspiración: la mitología, la leyenda, la historia, el paisaje, las emociones y sentimientos humanos, la ciudad moderna y su neurosis, etc. Catulo vibra en sus amores de manera distinta a Petrarca; el vino de Anacreonte y el de Rubén Darío les infunde sueños diferentes y diversos son los caminos de San Juan de la Cruz y Rainer María Rilke.
En nuestro tiempo hemos visto que los movimientos líricos que se nutren en la pasión de la libertad agitan banderas anunciadoras de una alborada excepcional. El realismo lírico se toma subversivo. La indignación y el advertimiento que empujan a la acción unen a la vez el pensamiento invocado por los surrealistas, que proponen transformar el mundo, con la videncia poética de Rimbaud que intenta cambiar la vida. En las bellas páginas de Pour la Poesie, Jean Cassou señala sus coincidencias con el movimiento revolucionario: “no sólo se trata de búsqueda y novedad formales, sino también de una ampliación del concepto mismo de poesía, no habiendo la conciencia humana evolucionado solamente por una transformación de métodos y procedimientos de su arte, sino de su emoción misma, de su determinación y finalidad”.
La eficacia del poema, por su puesto, no depende exclusivamente del sentido que pueda condensar. La marcada intención de designios estorba en vez de favorecer la veracidad lírica. El proceso lógico encaminado a finalidades persuasivas no puede comunicar impresiones de carácter emocional e imaginativo que son la base de la creación poética. Desde el punto de vista estético, además, resultan inútiles las adhesiones a una causa si éstas carecen de esa maravillosa potencia sugestiva inseparable de la obra poética, como la liga apropiada en la perfecta fundición de los metales.
La poesía es al mismo tiempo operación vital y síntesis imaginativa. El poeta piensa en un amplio compás la realidad, lo psíquico y lo social, y gracias a ello consigue fecundos y maravilloso efectos en favor de una idea; más bien, como decía un gran romántico inglés, su misión es “someter la realidad a la imaginación creadora”. El proselitismo no influye para nada en su virtud. La poesía —dice Eliot— posee sus propios medios de inculcación, por lo que la preocupación de persuadir, cuando no va acompañada de una honda y pura fidelidad, pierde su posibilidad de resonancia. La verdad probatoria sólo es operativa y fecunda cuando integra todos los elementos del poema, sutil y fuertemente, en una unidad profunda. Hegel cita los ejemplos del Fausto de Goethe y de la Divina Comedia de Dante, en los que el carácter tendencioso no destruye la expresión de belleza, porque el senso moral y a las ideas se unen la intensidad emotiva y un equilibrio de cualidades singulares. Otro tanto puede decirse de la razón moralizadora que domina a Hamlet, cuyo carácter, sin embargo, delínea Shakespeare con la más viva efusión poética. Los mejores logros del arte consagran ese maravilloso efecto psicológico.
El poeta que interpretándose a sí mismo interpreta su tiempo no puede excluir sus intereses esenciales, ni desentenderse de las inquietudes del mundo; buscará formas de representación y de renovación que, incorporadas a la sensibilidad general, por incisión poética estimulen las posibilidades instintivas, los deseos y esperanzas que constituyen el cauce de la vida humana. Por dondequiera que se encuentre la poesía —decía Baudelaire—, es la negación de la iniquidad. La dignidad exige al poeta que sólo se someta al llamado de su conciencia para imponer sus visión del universo, pues la consigna es la derogación del principio poético. ¿No asegura un pensador latino que la cualidad principal del buen poeta es la de ser un liber spiritus? Este pensamiento puede transplantarse a nuestra época. La conjunción feliz de un ideal superior y una forma perfecta vuelve a la poesía rica de contenido y la convierte en una fuerza que eleva y dignifica al hombre que busca en la fragilidad liberadora de la palabra una respuesta a sus anhelos y a sus luchas transmutadoras.
Manuel Maples Arce
México 1956Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-20360163908185523622012-06-03T19:01:00.002-07:002012-06-03T19:01:17.923-07:00La poesía mexicana no existe: Buscapiés unoBuscapiés Uno:
La poesía mexicana no existe. Lo que conocemos con ese nombre es una impostura.
Si fuéramos honestos la llamaríamos:
Pre-poesía mexicana.
Las antologías de poesía en este país no son verdaderos parámetros para saber lo que se está escribiendo en México.
Este momento es el momento preciso para detenernos y reflexionar profundamente.
Momento para comenzar a construir y determinar los diferentes elementos que formarán
lo que podríamos llamar:
Poesía mexicana.
Un indicio de esto sería que por primera vez en la historia de la poesía en México
un poeta mexicano influyera en la estética y en la forma de escribir poesía
en poetas de otros países.
La llamada poesía mexicana no existe pero podemos hacer que exista.
Marco Fonz
México, Ciudad Mutante, 2012Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-29130275288478593132012-05-20T13:58:00.000-07:002012-05-20T13:58:06.528-07:00La patología del ser de Martínez Ocaranza / Enrique González Rojo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCCiulUgfz096MYRibyDZzG6bsduldZFxpDK0bRsdVbVU2Ymm7fGZsQNzXXfotNy5VhtaxHFlHklEsUWhD1PXaQgROeBhlyEfzdJjFJ-fE1qAATIDU8QUqDpMYVsoe9NlOPUUe26iZ2fm7/s1600/ocaranza.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="118" width="160" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCCiulUgfz096MYRibyDZzG6bsduldZFxpDK0bRsdVbVU2Ymm7fGZsQNzXXfotNy5VhtaxHFlHklEsUWhD1PXaQgROeBhlyEfzdJjFJ-fE1qAATIDU8QUqDpMYVsoe9NlOPUUe26iZ2fm7/s320/ocaranza.jpg" /></a></div>
La patología del ser de Martínez Ocaranza
En la producción lírica de Martínes Ocaranza, como en la de otros muchos poetas, es posible, conveniente y hasta necesario distinguir dos épocas.
La primera arranca con el libro Al pan pan y al vino vino de 1951 y termina con el haz de sonetos el Otoño encarcelado de 1965.
La segunda abarca cuatro textos relevantes: La elegía de los triángulos (1974). Elegías a la muerte de Pablo Neruda (1977), La patología del ser (1981), y La edad del tiempo (1982). Entre 1968 y 1974 hay un periodo de silencio donde el poeta, en proceso de maduración y cambio, posiblemente gestó un puñado de poemas intermedios que no quiso publicar. Sea como sea, podemos afirmar que así como el verdadero Manuel José Othón comienza con Poemas rústicos, Díaz Mirón con Lascas, González Martínez con Silenter y José Gorostiza con Muerte sin fin. Aunque sus obras procedentes no dejen de tener cualidades estéticas dignas de tomarse en cuenta.
Ramón Martínez Ocaranza aparece con voz propia, intensa e inconfundible que los caracteriza a partir de la Elegía de los triángulos. Si leemos con atención los cuatro libros que conforman la segunda época del poeta michoacano, advertimos que hay algunos temas, alusiones y acentos que diferencian unos poemarios de los otros, pero también que existe un común denominador o una infraestructura intencional que los convierte en partes de un todo. La Elegía de los triángulos hace énfasis en la mitología náhuatl y en la hierofanía purépecha y, muy dentro del espíritu de Pascal, pone entredicho a la razón geométrica desde un espirit de finesse que le hace decir socarronamente que es en las tabernas donde “crecen los conceptos”. Las Elegías a la muerte de Pablo Neruda exalta el lado cainista del ser humano y la ubicuidad del odio, o, como dice “amor vestido de candados”. La patología del ser pone el acento, si deseamos parafrasear a Max Sheler, en el puesto del hombre mal hecho en un cosmos abortado. La edad del tiempo está plagada de un extremo al otro de “meditaciones existenciales” con alusiones intencionadas y corrosivas al mundo clásico y mitológico. La patología del ser es, a mi manera de ver las cosas, no sólo el título de un libro, el extraordinario texto publicado en 1981, sino el tema englobante y el parámetro filosófico, épico y moral donde se afirman y desarrollan los versos, epigramas, manifiestos y hasta “novelas” que conforman el siniestro y al propio tiempo bellísimo mundo lírico de Ramón.
El ser patológico hace acto de presencia, pues, no sólo en el libro consagrado a su problemática, sino en todos los demás. Que en esto hay un absesión, nadie puede dudarlo. Pero cada vez estoy más convencido de que el verdadero poeta no escribe poemas aislados unos de otros y libros caracterizados por su unicidad, sino que, a veces sin sospecharlo, escribe un solo poema, personal e intrasferible. Esta es la razón que me lleva a afirmar que los cuatro libros de la segunda etapa de Martínez Ocaranza no son otra cosa que los diversos cantos o cantares, en el sentido qe le da al término Ezra Pound, donde se va desplegando con sus llagas, sus pústulas y su sufrimiento la patología del ser.
Ramón Martínez Ocaranza no proviene directa y servilmente de ninguna de las escuelas, tendencias o generaciones poéticas de nuestro país. Ni del modernismo, ni del posmodernismo, ni siquiera de la vanguardia, no está cerca de Los contemporáneos o de Paz. No hay afinidades con Alí Chumacero o con Rubén Bonifaz Nuño. Es posible hallar algunos puntos de contacto con Efraín Huerta, pero, a mi entender, no es ni muy ostensible ni muy significativo. Quizá haya mayor cercanía de Ramón con un novelista y cuentista como José Revueltas, que con los poetas mexicanos que le antecedieron o fueron sus contemporáneos. No es aventurado decir, por eso mismo, y en cierto sentido, que si Revueltas es el “novelista de las cloacas o del lado moridor”, Ramón es el “poeta de la podredumbre y las lobregueces”. De todo lo anterior hay que deducir una conclusión, y decirlo de manera resuelta y sin taxativas: Ramón Martínez Ocaranza es un poeta único en la poesía mexicana del siglo XX.
Si no estamos equivocados en nuestra apreciación, es lógico que nos preguntemos ¿por qué un poeta de esta importancia, de esta envergadura, de esta originalidad no ha tenido el reconocimiento que se merece? Tres causas saltan a la vista, entre otras, que nos explican el olvido y la subestimación, para decirlo lo menos, que se tiene por la obra poética de Ramón, el ser un poeta de provincia, el no pertenecer a ninguna mafia literaria y el sostener una posición política radical. Martínez Ocaranza, en efecto, se vio perjudicado en vida y después de su muerte por ser un escritor y maestro que vivió principalmente en su querida Morelia, por amarrarse a los mástiles de la independencia ante el canto de sirena de las mafias y por ser comunista. La honestidad política y la honestidad poética son, sin duda, los rasgos relevantes y perpetuamente reproducidos en su conducta.
¿Qué es, para Martínez Ocaranza, la patología del ser? La convicción de que la realidad en su conjunto se halla enferma. Que es defectuosa. Que está mal estructurada. En una intuición primera y esclarecedora, el ojo del poeta descubre, como si llevase a cabo la fenomenología de un caos, un lodazal o un estercolero, que la realidad está mal hecha. La patología no es atributo de una parte de la realidad o de ciertos entes, sino del ser en cuanto tal. La patología abarca al cosmos, a las creencias humanas, a la sociedad, al individuo, y al propio poeta. La teratología del cosmos salta a la vista cuando advertimos, con Ramón, que “el binomio de Newton nada vale/ junto a la maldición de las estrellas”. Las convicciones religiosas, Dios y los ángeles, la mitología en su conjunto también se hallan averiados. “La escala de Jacob está podrida”. Dice, con un nudo en la garganta, nuestro poeta. La antropomorfización de las deidades es tal que Martínez Ocaranza, como Luciano de Samosata, tiene que reconocer que “los dioses también son sexomaníacos” , y hasta que “ser ángel es una condición de perro muerto” . Enferma, maltrecha y monstruosa es también la sociedad. Tanto que Martínez Ocaranza dice, con un escupitajo de tinta: “¡qué fantasmas! ¡qué monstruos! ¡qué bisnietos/ tataranietos de patología”. Los hombres, temerosos de verse, de comprobar sus deformaciones y defectos, “inventaron teogonías por miedo a los espejos”. E incluos la comprobación de la enfermedad incurable que padece la sociedad, cuestiona, problematiza y hasta arroja a la esfera de lo imposible al ingenuo proyecto de la emancipación social. “Y vámonos al diablo Camaradas. Que la conciencia está podrida”. El individuo no escapa de este mundo de llagas, lobregueces y estridencias. Si no nos detenemos en la superficie, sino que buscamos el trasfondo y el soporte, hallamos en los espíritus más preclaros un origen bestial. Dice Ramón, por eso, “Pitágoras es nieto de los nietos de los tataranietos de un gorila”. El desorden nace, se desarrolla y se eterniza en el universo mundo “cuando Caín camina por la tierra”. Pero lo más dramático de todo es que el poeta, el que denuncia la purulencia y el morbo en el cosmos, las creencias, la sociedad y el individuo, también está inmerso en la enfermedad: “yo soy mi maldición” -Dice Martínez Ocaranza. “Yo soy mi cueva” - “Yo soy el bosque de mis aquelarres” o también: “todo mi corazón está podrido”. El denunciante, pues, acaba por denunciarse. No obstante, un coágulo de luz, que participa en la oscura ambigüedad que la conforma, le permite decir “Yo me llamó Caín, yo soy mi muerte”. Como escribe María Teresa Perdomo, en su texto riguroso y profundo Ramón Martínez Ocaranza. El poeta y su mundo: el autor “se sintió vivir en personajes abyectos, trágicos, desagradables, fue Raskólnikov, Caín, Edipo o Karamasov”. Hasta el poeta, pues, se encuentra enfermo y la poesía -pretendida proclama la libertad- sufrede no sé qué padecimientos secretos. “Yo soy – dice entonces Ramón- el adjetivo de la muerte”. Patología del ser o ser de la patología. El don de ubicuidad lo tienen más que Dios la estridencia, la disfunción y el sufrimiento. La patología del ser universaliza la locura, y la poesía debe convertirse, y se convierte en Martínez Ocaranza, en el “sermón del manicomio”
Esta patología del ser es, simultáneamente, la patología del tiempo. La sucesión de las diversas formaciones sociales en la diacronía de modalidades distintas de la insania. Decir que en el seno de lo viejo se genera lo nuevo es igual que aducir -o denunciar- que en las entrañas de un padecimiento están las premisas del siguiente. Cada enfermedad va acompañada de su sintomatología específica. Quizás el síntoma más elocuente de la patología del ser, en su fase contemporánea, es la bomba atómica, esto es, la desintegración al máximo de los átomos que conforman, según Demócrito y Epicuro, el alma humana.
La lectura atenta de los últimos poemas del profesor, me llevan a la hipótesis, que no quiero silenciar, de que en Ramón hay una cierta desilusión, que no deja de estar justificada, del materialismo histórico y dialéctico tomado como sistema doctrinario. Desilusión que lo conduce no a contraponerse al marxismo, sino a guardar distancias con él y, ya sin referencias dogmáticas o preconcebidas, a abrirse a la expresión y procesamiento de sus propias inquietudes, convicciones y torturas personales. Si la primera parte de su obra está realizada bajo el signo de la cosmovisión socialista y del optimismo revolucionario, la segunda, donde Ramón da con el acta de nacimiento de su propia voz, desfase los entuertos del prejuicio para dar con los vericuetos de su locura fecunda y memorable. Es importante subrayar que un sistema cerrado, que no corresponde a las necesidades emancipatorias ni a las perspectivas individuales, frecuentemente empuja a planteamientos y concepciones contrapuestas a su enfoque. Siento que en Ramón había, e ignoro con qué grado de conciencia, ciertos residuos religiosos (aunque, desde luego, no dogmáticos) que, aplastados durante su periodo marxista, salen a flote ahora con toda libertad y honradez. El poeta de La patología del ser, ya no escribe en y desde un materialismo filosófico cabal. Mientras que para el poeta materialista carece de sentido blasfemar, pedir un sentido a la vida, enloquecer por la ausencia de una ordenación teleológica o saberse, lleno de angustia, en la patología ontológica, para Ramón que va más allá de los poetas malditos. La salud, en la medida en que se pueda hablar de ella. No está sino en la conciencia de la enfermedad. Martínez Ocaranza es un poeta “de la rabia y la blasfemia”, como puntualiza Perdomo, porque sus viejas concepciones, enhorabuena, le hicieron crisis. Enhorabuena, digo, porque su cambio de terreno teórico y afectivo abrió la posibilidad, que fue realizada por el acucioso y emotivo trabajo del final de su vida, de dar a luz al gran poeta que es Ramón Martínez Ocaranza.
Quienes se han ocupado de la obra de Ramón, ponen el acento de que ella está influida por la Biblia -sobre todo el antiguo testamento- Shakespeare, Dostoievsky y Lautrémont, etc. Yo quiero destacar otro influjo u otra coincidencia: la que existe entre la última poesía del profesor, y los gnosticos primitivos, contemporáneos, como Simón el mago y sus sucesores, del cristianismo inicial. El gnosticismo sostiene, entre otras cosas, las siguientes tesis centrales y muy características: a)Este mundo que vivimos está mal hecho. Más que hablar de creación hay que hacerlo de engendro. b) La idea de que su autor es Dios es una falacia o un espejismo. Su creador fue un demiurgo suplantador o el mismo demonio. c) El supremo bien no puede tener nada que ver con un universo (y su eón respectivo) que es irracional, perverso y nefasto. d) El hombre posee, pese a todo, un fragmento de la pasión divina, que lepermite desechar este mundo de tinieblas e imaginar la pléroma o sea el mundo de la plenitud, depósito de las esencias. Creo que no es difícil hallar los puntos de contacto entre las tesis de Basilides, Carpócrates o Valentín y las ideas que animan el discurso poético de Ramón. Es posible advertir idéntico descontento por la disfunción del cosmos y la injusticia humana. Dios aparece en la poesía de Ramón, dice María Teresa Perdomo, “como fuerza incomprensible llena de locura, absurdo y crueldad”. Y Oralba Castillo Nájera hace ver que en la “macabra y siempre bellísima sinfonía” de Ramón “Satanás dirige la orquesta”. El poeta michoacano no sólo critica, como Nietzsche, la moral de los humanos, sino que, a lo grande, con manotazos y blasfemias, enjuicia a la creación y no retrocede ante la idea o el deso de que Dios se suicide “por su siniestro oficio de arquitecto de idiotas”Martínez Ocaranza, consciente de que el vate es el profeta, el que vaticina, el que anuncia apocalipsis y redenciones, se autoproclama “el último profeta” y se ve a sí mismo predicando “en la sinagoga de la última ceniza”. Y ¿qué es lo que predica? ¿cuál es su evangelio? “yo vine a predicar -dice- la última transmigración de palabras”, esto es, de palabras-conciencia, de palabras -denuncia, de palabras- blasfemia. En ocasiones va más allá de los gnósticos y llega a afirmar, más bien a gritar o aullar:
“Yo no creo en las parábolas del Nuevo Testamento. Yo creo en las maldiciones del Antiguo Testamento.” Martínez Ocaranza suscribiría la tesis del gnóstico Valentín de que el mundo es producto de un error y los humanos son en esencia deficientes. El residuo religioso que campea en su obra, lo hac volver a la concepción tradicional de la caída del hombre: “de god en dog el hombre se transmigra”. Un materialismo filosófico radical y congruente considera, a diferencia del pensamiento místico, que el hombre no ha sufrido una caída, no ha pasado del paraíso a la tierra, no ha devenido de Dios en perro, sino que nació desvalido, aplastado por su medio ambiente y por sus semejantes. En este contexto, su “destino histórico” no es levantarse para recuperar el punto desde el que se despeñó, sino conquistar posiciones y alturas nunca conocidas. Su pasión es, pues, el salto más que el levantamiento.
Y aquí hay otro drama, que no se identifica con el de Ramón o del gnosticismo.
Para comprenderla plenamente a la poesía bíblica y al propio tiempo blasfemante de nuestro poeta hay que mostrar, por otro lado, el lugar desde el cual se anuncia. Brota de un anhelo de perfección, de vida plena, de ciencia humanizada, de predominio del amor. En la pugna, puesta de relieve por Empédocles, entre el amor y la discordia ha ganado la discordia. Ramón dice, por eso: “jugamos al amor y nos ganó la muerte”. Ha triunfado, pues, lo que une, sino lo que divide. Pero el amor, replegándose, se vuelve perspectiva y pugna por levantar cabeza. Los euquitas o mesalianos, (orantes), una de las sectas gnósticas más curiosas, hacen énfasis en la contraposición entre le mundo inferior de las tinieblas (al que pertenecemos junto con nuestro demiurgo) y un mundo superior de luces donde reina el verdadero amor. Nuestro mundo ha sido creado por el diablo, el cual habita, además, en cada hombre. Hay, pues, la necesidad de un combate sin cuartel contra el demonio, lucha que puede llevarse a cabo con la única arma que el hombre dispone (o sea la plegaria) porque afortunadamente hay un corpúsculo de luz en el alma de cada individuo. Ramón es una especia de euquita que yergue su plegaria o su cantar sobre el soporte, a veces silenciado, pero nunca ausente, del amor o del odio-contra-el-odio. Martínez Ocaranza es consciente de que la muerte ha invadido hasta el amor: “¡Amor! ¡Amor!/ Palabra tristemente descompuesta”. Por eso ubica al amor no en la pasividad y en el disfrute de sus mieles y bienaventuranzas, sino en una trinchera: “El odio contra el odio es la más pura belleza del amor”. Perdomo dice con toda propiedad: “La critica que Martínez Ocaranza hace al hombre de todos los tiempos... lleva latente la sospecha intuitiva de que todo puede ser de otro modo más limpio, claro y armonioso”.
Ramón está pidiéndole constantemente un sentido a la vida y le horroriza no hallarlo. Resulta ajena a su punto de vista y a su estado de ánimo la afirmación de que, en realidad, no hay un sentido (o una teleología) que preexista al hombre. El ser humano, en este contexto, es el animal que le da sentido a la vida o la bestia que actúa persiguiendo fines. Pero antes de él, a sus espaldas, no hay sino materia en movimiento, no hay sino leyes, grados, determinaciones, condicionamientos. Tal vez se puede, entonces, disentir del enfoque filosófico que subyace en la poesía de Ramón. Pero, independientemente de ello, hay algo indudable: en esta cosmovisión apocalíptica,gnóstica y desesperada, y no en otra, es donde se pudo manifestar el poeta de grandes vuelos que llevaba consigo Martínez Ocaranza.
Ramón coincide también con el existencialismo sartreano, el cual, negaba la existencia de Dios, pero, añorando el sentido de la vida que el pensamiento religioso trae aparejado, comprobada la espantosa contingencia y facticidad de todo se veía presa de la llamada náusea metafísica. A decir verdad, tanto la filosofía existencial como algunos planteamientos posteriores de Marguerite Yourcenar, Emile Cioran y Henry Laborit tienen evidentes puntos de contacto con el viejo y por lo visto nunca muerto gnosticismo.
Quiero hablar, por último, de las virtudes, características y singularidades formales de la poesía de Martínez Ocaranza. Para entender la importancia y la significación de la aportación lírica del poeta de Jiquilpan, siento que es necesario no sólo aludir al qué de su poesía, sino al cómo. La primera y la segunda etapas en que se puede dividir la obra poética de Ramón, no se diferencian únicamente en el distinto y a veces hasta opuesto carácter del contenido o el mensaje, sino en el diverso status estético gestado a partir de una disímil conformación expresiva. Si en la primera etapa hay un entramado de formas diversas de versificación y rima, que culminan incluso con los sonetos del otoño encarcelado, en la segunda se emplea como vehículo esencial de comunicación el verso libre, esto es, el verso deliberadamente irregular que prescinde del “organillo melancólico” de la rima. En este segundo periodo, la metáfora, ese ingrediente fundamental de la efusión poemática, deja su terreno habitual de cosa ingeniosa, preciosista y sorprendente, es decir, de bibelot lírico. Ahora resurge como exclamación, aullido o desgarramiento, en una palabra, como “un chorro de sangre en la conciencia” que es la definición que de ella nos da Ramón en su autobiografía. La forma natural y elocuente de expresar la patología del ser no podía ser la forma clásica, romántica o modernista. Tenía que ser violenta, paradójica y ambivalente. La poesía de Ramón, desde la Elegía de los triángulos hasta La edad del tiempo, sin olvidar su poema la Vocación de Job, es una poesía que, en contraposición a su primer libro dice al pan vino y al vino pan, poesía deliberadamente ambigua, difícil en veces, elíptica cuando se le ocurre, hermética en momentos cruciales, clara como el agua cuando el poeta quiere compartir con nosotros algunas de sus úlceras. En ocasiones, no demasiadas a decir verdad, Ramón gusta del juego de palabras y hasta sepuede hallar cierta similitud entre la forma que lleva a cabo esto Xavier Villaurrutia, como cuando decía: “La vi/ la vid/ la vida” y la manera en que lo hace de cuandoen vez nuestro poeta: “¡Qué leyenda que pudo ser de sexos encontrados/ De cesos encontrados/ deseosos encontrados”. Pero yo me atrevería a decir que en nuestro trágico poeta más que haber juegos lúdicos de palabras, hay relaciones torturadas y torturantes de ellas. No es un juego para producir placer, sino para provocar sufrimiento o por lo menos inquietud. Ramón demanda lectores que abandonen su manera habitual de enfrentarse a un escrito. Requiere amantes de la poesía que se involucren en el drama humano que está viviendo y reviviendo, y no aquellos que pasivos y papando sus propias neuronas, permanecen al margen del tiempo apocalíptico que atraviesa la poesía. Tal es la razón por la que a muchos nos costó trabajo llegar a comprender al poeta. La metamorfosis que debe tener lugar en los lectores de Ramón, no es de fácil acceso y en ocasiones exige un abandono radical de camino trillados y prejuiciosos. Sin embargo, cuando la persona se logra ubicar en el sitio adecuado para aprehender el mensaje en torno al ser-que-padece-de-una-enfermedad-estructural, saltan a la vista no sólo el elan del contenido sino las virtudes de la realizacón. Y es entonces que uno no puede menos que estar de acuerdo en que “El único lenguaje verdadero es el llanto”, como dice Martínez Ocaranza, o en que el tono bíblico, el empleo de ciertos recursos superrealistas, la belleza puesta al servicio de la fealdad (Bebe magnolias. Para que aprendas a matar culebras) o su predilección por la palabra tarántula en lugar de los vocablos cisne o búho, como dice Oralba Castillo Nájera, adquieren un sentido preciso, original y contundente.
Enrique González Rojo
Revista Deriva, no.21
Ciudad de México diciembre 2010
Director José Francisco ZapataMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-25114145220970575482012-05-10T14:42:00.000-07:002012-05-10T14:42:22.227-07:00Manuel Silva Acevedo escribe sobre Paisaje de tres gritos de Marco Fonz<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf4rUzdU9hPDOWXlhhgXTWlP61qvhU2xxzvGB8avQ-iElprfT_d6DSBe0bgY4Ma2JgSLMwqcxAnhJmi0IdHGTmKDnjQjl74SUg6YIm5QkpGcppkA_5ZXP6L8on02_-RsAoB40DozxpedGG/s1600/m+fonz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="225" width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf4rUzdU9hPDOWXlhhgXTWlP61qvhU2xxzvGB8avQ-iElprfT_d6DSBe0bgY4Ma2JgSLMwqcxAnhJmi0IdHGTmKDnjQjl74SUg6YIm5QkpGcppkA_5ZXP6L8on02_-RsAoB40DozxpedGG/s320/m+fonz.jpg" /></a></div>
Gritar desde los márgenes
Todos hemos contemplado alguna vez con la piel erizada el famoso cuadro del expresionista noruego Edwar Munch, “El grito”, donde una figura humana despavorida abre la boca desmesuradamente para lanzar un larido en medio de un puente tendido sobre el marasmo de una realidad turbulenta y amenazante.
Pero ¿qué es un grito? ¿por qué se grita? ¿a quién se grita? Según el diccionario de la RAE, el grito es la manifestación vehemente de un sentimiento que expresa la queja de un dolor agudo e incesante o la petición de algo cuya falta se vuelve insoportable.
¿Qué es entonces lo que grita Paisaje de tres gritos de Marco Fonz?
En primer término, en el “Paisaje del primer grito” se rinde tributo a Jacobo Fijman, poeta ruso-argentino cuya marginalidad acérrima lo empujó a un hospicio psiquiátrico en el que finalmente murió, sin que hasta hoy las letras argentinas le reconozcan un lugar no obstante haber pertenecido a una promoción de escritores tales como Oliverio Girondo, Leopoldo Marechal y Jorge Luis Borges.
A su vez, el “Paisaje del segundo grito” está expresamente dedicado a Leopoldo María Panero, poeta español que constituye todo un caso en la historiografía literaria de su país. Panero, que es poseedor de una vasta cultura, vive recluido en un sanatorio para enfermos mentales y desde allí produce libros de poemas, narrativa y ensayos ampliamente difundidos y apreciados.
El tercer grito está dedicado al poeta gaditano Carlos Edmundo de Ory y a su esposa Laura Lacheroy de Ory.
Carlos Edmundo de Ory es un poeta de oculto y también de culto que en los años cuarenta fundó el postismo, movimiento marginal cuyo nombre es a contracción de postsurrealismo.
¿Estamos acaso ante un elogio de la marginalidad o más bien esta es considerada aquí como una frontera desde la cual el artista puede denunciar y desconstruir el “orden establecido” bajo el imperio de la razón fría y eficiente? Tal vez el próposito de este conjunto de poemas sea tan sólo el de delimitar por medio de la palabra poética un territorio fronterizo donde el artista, el joven poeta, pueda existir en plena libertad, sin sujeción alguna a una moral o a unas reglas que huelen a podrido, aun al precio de su soledad y autodestrucción. No en vano, Marco Fonz hace dialogar a Panero con Isidore.
Ducasse, muerto a los veinticuatro años, enfermo y abandonado, que bajo el pseudónimo de Conde de Lautréamont publicó en 1868, en París, los célebres Cantos de Maldoror, que fueron en su tiempo y siguen siendo una bofetada a las “buenas conciencias”.
Desde esta perspectiva marginal, de los bordes, el autor traza una suerte de epopeya del joven poeta enfrentado a las contradicciones feroces de un mundo dominado por gélidos dictámenes finacieros y constreñido por un orden moral la mayoría de las veces tartufesco y farisaico: “No vive la moral en los poetas/ y si la hubiera/ sería una mala leche/ que habría que escupir.”
El poeta entonces decide intentar desatar el nudo que atenaza la existencia humana: “Comencé a leer el libro de la vida/ cuando a mitad del libro,/ páginas adelante,/ pequeñas moscas escapaban”.
De ahí que proponga : “Escribir otra vez el libro de la tierra/ el libro de hueso/ el libro del relámpago/ el libro del consejo/ el libro de la sangre.” Tal parece se la ambiciosa aspiración de estos poemas que recurren al grito para hacerse escuchar. Es decir, reescribir la historia humana desde las raíces mismas, para poder recuperar la cordura y la lozanía juvenil que un mundo apoyado únicamente en la razón fría y utilitaria ha terminado por extraviar.
¿A caso los poetas, los vates, los guardianes del mito, no deberían se los centinelas que alerten al género humano sobre el peligro de llevar la vida por caminos sin corazón? Sí, pero la realidad suele ser otra... “Los viejos poetas con verrugas en el ego/ ¿con qué papel se limpian?/ ¿en qué papel escriben?”
El joven poeta comprende entonces que primero es preciso despertar del letargo de la autocomplacencia:
“Desde donde duermo soy/ responsable del árbol de los sueños/ aunque no lo vea/ aunque sólo escuche/ su feroz imagen/ dando para mí/ dolor que duermo”.
En esta empresa sobrehumana, el joven poeta no se llama a engaño. Sabe que carece de las fuerzas necesarias para cambiar el orden de las cosas y se siente torpe e impotente, digno de burla y escarnio: “Alguien cortó mis mangas de camisa/ alguien zurció el cuello de mi suéter/ alguien llenó de garbanzos mis zapatos”... “No encuentro en ningún mapa la voz/ del joven poeta...”.
No obstante, con tono visionario, este texto sobresaliente -que es todo un arte poética- entrega las claves de un nuevo canto capaz de refundas el mundo: “El mundo truena cuando gira/ hay que tener oído para eso/ hay que tener oído para todo./ El crecer del pasto salvaje/ el aletear de la domesticada aurora/ el acento grave de las nubes/ el suave respirar del inconsciente/ hay que tener oído para eso/ hay que tener oído para todo./ La ventanas gritan cuando solas/ el terraplén canta cuando llueve/ la situación bosteza cuando cansa/ y las estatuas sus inviernos lloran/ hay que tener oído para eso/ hay que tener oído para todo.”
“Hay que tener oído para todo”, parece gritarnos a la cara estos versos notables y no es poco lo que exigen. Para terminar, diré que Paisaje de tres gritos me parece la epopeya del joven poeta que lucha a grito desnudo y solo con las armas de la palabra por encontrar un lugar en el mundo que no entrañe un acto de sumisión o hipocresía, a sabiendas de que ello le granjeará como a Ducasse, a Fijman, a Panero y a Ory ser empujado hasta los márgenes.
Manuel Silva Acevedo
Santiago de Chile, julio de 2005Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-58315356850339548372012-05-04T08:21:00.000-07:002012-05-04T08:21:30.731-07:00Del blog de Iliana Vargas sobre Guadalupe Dueñas: Para no perder el nombre<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWCKbYebOzDYcVhLLl5-ixAm9q__hO4hLS84tIjAhM2COmiBB2w1pHoRIY93OgpLerbanGqRUau1Z1yHjn8T0u1JYcSZ4g1iJAnxDSjKZbWJPUrl8B0Axsp6ARKNhe5kdrOvBapWsy54Ds/s1600/guadalupe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="320" width="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWCKbYebOzDYcVhLLl5-ixAm9q__hO4hLS84tIjAhM2COmiBB2w1pHoRIY93OgpLerbanGqRUau1Z1yHjn8T0u1JYcSZ4g1iJAnxDSjKZbWJPUrl8B0Axsp6ARKNhe5kdrOvBapWsy54Ds/s320/guadalupe.jpg" /></a></div>
Para no perder el nombre: Guadalupe Dueñas
El siguiente texto es una presentación que debía publicarse en una plaquette/homenaje a Guadalupe Dueñas; sin embargo, por no cumplir con los tonos institucionales, no se incluyó.
Comparto también un breve texto que en su momento apareció publicado en la Revista de Bellas Artes, en el que, de manera soslayada pero ácida, la autora hace una reflexión crítica y atinada sobre el entreguismo de ciertos escritores.
Guadalupe Dueñas fue narradora, guionista de telenovelas, ensayista y colaboradora de algunas revistas literarias, particularmente de Ábside, la primera en publicar uno de los textos que conformaría, en 1954, Las ratas y otros cuentos, plaquette con la que se daría a conocer como narradora de una visión muy particular, “extraña” para la mayoría de sus contemporáneos.
A partir de ese momento, Guadalupe Dueñas empezó a vislumbrar un universo poco explorado por otros escritores de la literatura mexicana contemporánea, específicamente de mediados del siglo XX: los temas tratados por esta autora abrevan del humor negro, la ironía, la crítica incisiva, el horror y elementos muy particulares de la literatura fantástica, sobre todo, la trasgresión de lo sobrenatural a través de animales o personajes con los que se convive a diario pero que no suelen tenerse en cuenta o a la vista.
Dueñas construyó su propio panorama creativo a la par de otros proyectos curiosamente relacionados con la labor literaria: bajo la producción de Ernesto Alonso, realizó cerca de 50 guiones para telenovelas; entre las consideradas de “mayor rating” se encuentran Leyendas de México (1968); Carlota y Maximiliano (1965); La máscara del ángel (1964); y Las momias de Guanajuato (1962), esta última basada en el cuento “Guía de la muerte” de la propia Guadalupe Dueñas y en cuya adaptación trabajó a lado de Inés Arredondo, Vicente Leñero y Miguel Sabido como co-guionistas.
“Guía de la muerte” había sido publicado en 1958 como parte de Tiene la noche un árbol, con el cual obtuvo el Premio José María Vigil 1959. Poco después, entre 1961 y 1962, fue becaria del Centro Mexicano de Escritores; sin embargo, transcurrieron catorce años para que apareciera su siguiente libro, No moriré del todo (1972), en el que los tonos irónicos y la atracción por lo insólito, lo terrible y una introspección angustiante determinaron la voz narrativa de la autora. Esta fuerza en su escritura se vio enriquecida años después por la explotación de lo atmosférico en los cuentos que conformarían su último libro publicado, esta vez casi veinte años después que el anterior, y en cuyo título se adivina una sentencia: Antes del silencio, donde se hace presente más que en los libros anteriores, el espíritu lírico de Guadalupe Dueñas trasladado a una prosa pululante de imágenes oníricas, apariciones, juegos en donde es difícil determinar el umbral que se cierra cuando el sueño acaba.
Además de su obra narrativa, Guadalupe Dueñas escribió una serie de breves ensayos dedicados a diversos personajes de la vida cultural en México. Se trata del libro Imaginaciones, que, como el título afirma, es eso, un ejercicio a la manera de Vidas imaginarias de Marcel Schowb, en este caso basado en algunos rasgos característicos de autores que interesaban a Dueñas.
La única antología en la que participó fue Pasos en la escalera. La extraña visita.
Girándula, un libro colectivo publicado por Porrúa en 1972, donde se proponía el desarrollo de tres cuentos con los mismos títulos por parte de las autoras incluidas: Carmen Andrade, Beatriz Castillo, Guadalupe Dueñas, Margarita López Portillo, Mercedes Manero, Ángeles Mendieta y Ester Ortuño, cuyos textos iban acompañados de dibujos originales de Elvira Gascón.
El material que se reúne en esta plaquette sirva para conocer, de manera somera, el espíritu de esta narradora de lo fantástico que, tras diez años de su muerte, nos visita con la intención de recordarnos que la literatura mexicana tiene una identidad que está más allá de los elogios y la condescendencia entre escritores, de las cuestiones de género, de las imposiciones de estilos que están a la moda: la literatura mexicana contemporánea tiene algunos autores que han escapado de la farándula para preocuparse por escribir.
Yo vendí mi nombre
| Guadalupe Dueñas
Como algunos venden su alma y otros venden su cuerpo y otros más su sombra y hay quienes venden pájaros, yo vendí mi nombre. Consta de cinco letras. Es un nombre pequeño y un apellido muy largo, que en tiempo no remoto, alcanzó fama y pudo cotizarse como alta moneda. Apareció junto a plumas reconocidas y estuvo precedido por títulos de sabios y pro-hombres.
El misterio de su ampulosidad no viene a cuento. Baste saber que conservo en oro sus iniciales y que existen aulas y bibliotecas bautizadas con mi nombre. Grabado estuvo en universidades, y no faltaron editores que lo adoptaron por bandera izándola en las cúpulas. Otros muchos esculpiéronle en muros y portadas. Entretejían las mayúsculas con hilos de plata y sombreaban las vocales con acerinas y esmalte. Convirtióse en símbolo, en aleluya, en buen agüero, en triunfo y en sonido glorioso. En ese entonces, periódicos y revistas nacionales y extranjeras, se atropellaban por consignarlo, por encabezar sus columnas con los augustos rasgos de mi pertenencia. Los lectores enrojecían de emoción al hallarlo en enciclopedias, en semblanzas, en biografías y en números antológicos destinados a la eternidad, y aun en reseñas de modas. El mundo lo alquilaba sin reparar en el precio. Avanzó en popularidad como los mitos que la credulidad agranda. Adorno fue de la palabra; labios encumbrados lo envidiaban, hasta que un día, un desdichado día, empezó a apagarse con la prisa de las luciérnagas que dejan en sombra el paraje de la noche más obscura.
Restos de su gloria quedaron atrapados en artículos de segunda. Revistas no informadas retuvieron los jirones alfabéticos, los caracteres degradados, las letras que al transcurrir del tiempo perdían equilibrio como los epitafios de las tumbas olvidadas por los deudos. Las vocales disparáronse a manera de luces pirotécnicas.
Fue el comienzo de una tortura mortal. La mengua reducía el nombre cada vez más y más. Aparecía distorsionado o con letrilla microscópica del todo indistinguible. Nadie exigía las bélicas mayúsculas de trazo gótico, nadie extrañaba las alas de cuervo que rubricaron el nombre caído en desdicha, sucio de polvo como corcel abatido y sin dueño.
La adversidad propició el desacato de escribir las iniciales cuando se habla del D.F. Los letreros fueron empalideciendo.
Las publicaciones que ostentaron escandalosos ribetes con gualdas, suprimieron las gárgolas y los arabescos hasta que las consonantes danzaron derrengadas y sonámbulas. Con frecuencia fallaban letras o aparecían tan borrosas como si un designio infernal se anticipara a su cancelación.
El calvario se agrava. Ahora, antes de que amanezca, me dirijo anhelante al primer puesto, al vendedor más cercano, al gacetillero, al pepenador de desechos, para revisar meticulosamente cada publicación y comprobar si aún figura mi nombre aunque sea en el directorio; con mano temblorosa y ávida, abro las páginas, los dedos se me hacen huéspedes, con esfuerzo olvido el llanto que me causa ver en algún rincón mi nombre de pila o la inicial perdida del apelativo que ya nadie reconoce.
Confidencias afanosas o malignas me hacen saber que las directivas tratan el conflicto de suprimir el nombre que se les ha quedado fijo como una alcayata. Sé que quienes votan por el aniquilamiento, encuentran tibia persistencia en románticos añorantes de la firma que no tienen valor para desterrar de su paginario.
Un pudor no exento de amargura me hace cavilar en la manera de liberarlos a todos de la pesantez del nombre cuyas letras cadavéricas encenizan sus revistas. He llegado a sentir agradecimiento cuando alguien lo suprime sin ceremonias. Insoportable es irse muriendo a pedazos, mejor dicho a letras; un puntillo hoy y un acento mañana; ahora el rasgo de la T no aparece; más adelante el diéresis y luego la R y la M y aun la Y, que es tan poco socorrida en nuestro idioma. Lo capto todo. La fisura de mis tímpanos recoge las murmuraciones y a pesar de núbiles cataratas que entresolan mis pupilas, adivino el desdén y las muecas de repudio. Con las yemas de mis dedos palpo negativas y razones. En la rajadura de mis labios y en mi lengua reseca sopla el aire salado que dispersa mi nombre. Padezco comentarios y juicios sin poder darme a la fuga. “Dicen que ya no escribe, que está ciega”.
¡Bah! –“Estar ciego es estar muerto”.
Se desentienden de mi presencia. A veces rampo, me agazapo, ruedo, me deslizo, hasta las redacciones donde otrora pidieron de rodillas mi colaboración eterna. Los amigos de antaño ya no me conocen. Han ensordecido en el ruido de nueces de los manejadores de frases.
Un terror supersticioso me invade, un terror ajeno a vanidades y a esperanzas: la certidumbre de que en cuanto la última letra se esfume y el punto final se diluya sobre el papel como una lágrima, mi vida, frágil e inútil vida, será un renglón en blanco como el de los presuntuosos de ayer que ignoran su anonimato, aunque su engreimiento es sólo corrupción aprisionada en una fosa.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-14661006217767513422012-04-24T11:06:00.001-07:002012-04-24T11:07:37.501-07:00Marco Fonz frente al espejo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjXtJ2Df4fgy0u62cnn0RBTEQ18Ro4GScVfklqMkFX6y9lLuyABb2tGSXv-RR5KOR3GWtbf_afSd294B3BDu3PlVmOcdgUbgytiFjtvv0Q92UwGdQLCck1pLhpocf7DbvnOQA2ru8y3Q6K/s1600/foto+marco+f.JPG" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="240" width="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjXtJ2Df4fgy0u62cnn0RBTEQ18Ro4GScVfklqMkFX6y9lLuyABb2tGSXv-RR5KOR3GWtbf_afSd294B3BDu3PlVmOcdgUbgytiFjtvv0Q92UwGdQLCck1pLhpocf7DbvnOQA2ru8y3Q6K/s320/foto+marco+f.JPG" /></a></div>
Se descubre un día en medio del camino. Esto no sería nada raro, de hecho es un lugar común entre encrucijadas y escapes de asfalto. Pero el elemento nuevo bajo el sol sería: Un espejo. Nada mas aterrador que un espejo. Refleja pero no dice la verdad. Nos observamos pero somos ineficientes en el acto sencillo de observar y nombrar lo observado. El leve acercamiento nunca seremos nosotros.
Sobrevivir a esta primera impresión, retratar en la visión el autorretrato inacabado. Salir con chispas de ese contacto fugaz y saber que nunca más se volverá ese segundo. A ese flechazo de la luz con su sombra. Amordidas del espejo, arañazos del espejo, grito del espejo que se vuelve una cara.
Así, lo magnífico se muda a otra parte y se está uno quieto para ver si sale otro, otra cosa, otro símbolo que descifrar otra idea otra imagen otra floración otro mineral aéreo otro comienzo.
Pero nada, solo se está ahí, eso, tú, yo, él y su reflejo.
Nada de querencia, cruda carne, nada de sonreír, cruda carne, el espejo es carne cruda. Decadencia finita. Limitado paraíso, todo es la espalda con rostro.
Si me crees verás que ese soy yo.
Se descubre un día que todo ha desaparecido.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-71886735625986136032012-03-26T10:19:00.001-07:002012-03-26T10:21:32.047-07:00Carlos Edmundo de Ory un diálogo peregrino<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSL1DSmu3X1HKVJoPy9D438WXZIxbk0mEZ2MTNhorMS8qJpW_FFzbLVEfwGYRk-PMYskBX9uApzm_bHLTXBWyYhQ_2_uugApmNna0kjhYBZYmDuEYOAmXrnN-rMP42j3f6KxfmwvMw6PPZ/s1600/collage+y+ory.JPG"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSL1DSmu3X1HKVJoPy9D438WXZIxbk0mEZ2MTNhorMS8qJpW_FFzbLVEfwGYRk-PMYskBX9uApzm_bHLTXBWyYhQ_2_uugApmNna0kjhYBZYmDuEYOAmXrnN-rMP42j3f6KxfmwvMw6PPZ/s320/collage+y+ory.JPG" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5724256872359527970" /></a><br />Carlos Edmundo de Ory y dos collages míos junto con araña futuro:<br /><br /><br /><br /><br />Un diálogo peregrino<br /><br />Para Laura Lachéroy de Ory<br /><br />Tomados del brazo, caminamos por entre las tumbas del cementerio de La Madeleine. Después de visitar la tumba de Julio Verne, que en ese momento hervía de flores. Carlos comentó que era extraño, que nunca habían sacado una foto en esas circunstancias. Carlos Edmundo de Ory era un hombre que gustaba de los mágicos rituales mágicos y uno de ellos era llevar a sus invitados a tomarles una foto, junto a él y Laura, en la tumba del viejo Verne. Caminamos y continuaba el diálogo del día anterior, diálogo lúdico y lleno de misterio y de sonrisas. Sonreír era el otro gusto del poeta. Jugar, platicar, mostrar lo invisible. Preguntaba, todo el tiempo preguntaba, interesado en todos los temas posibles. Compartía, otro gusto de Ory, compartir. <br />Si me imagino de lleno a un poeta humano, humanamente humano, vendría a mi imaginación la figura luminosa de Carlos Edmundo de Ory. No gustaba de los premios, ni de las entrevistas y tampoco de los homenajes, aunque asistió a alguno. Le gustaba querer pero no gustaba de los huecos aduladores o fanáticos de su persona u obra. Se alejaba del mundo para querer al mundo y para crear sus mundos y ofrecerlos cálidamente.<br />Creador de uno de los “ismos” más extraños y controvertidos de los últimos que surgieron en Europa y el menos difundido. El Postismo. El movimiento postista llegó a México en el año del 2008, en una coedición de Editorial Andrógino y Ediciones sin nombre. Carlos recibió emocionado el libro La mano en la espalda, que reúne los cuatro manifiestos postistas. El primero de ellos se publicó en Madrid en 1945. Año del lanzamiento del Postismo.<br />La relación de Ory con México siempre estuvo presente: “Pues, yo mismo, Carlos, sé mucho de México y su poesía desde mi niñez gracias a mi padre Eduardo de Ory. Cuando estuvisteis en casa, "el otro día", no se me ocurrió poner ante vuestros ojos el precioso libro de oro de mi padre, edición de M. Aguilar, Madrid 1936, titulado como tenía que ser ANTOLOGÍA DE LA POESÍA MEXICANA. Por orden alfabético desde Acuña (Manuel) n.1849, hasta Zayas Enrique (Rafael) n. 1848. La dedicatoria dice: "A la memoria del inmortal poeta AMADO NERVO mi inolvidable y gran amigo.<br />E de Ory"” <br />Efraín Huerta y Octavio Paz, enviaban sus libros a Carlos. Él gustaba más de la poesía de Efraín Huerta. Para mí fue muy grato encontrar en la biblioteca de Huerta cuatro libros de Ory dedicados al poeta mexicano, con esa forma tan llena de colores y de figuras que tenía costumbre hacer en la portadilla de sus libros dedicados. Otros poetas mexicanos que conocía Ory eran: Pedro Damián, Víctor Monjarás, Mario Santiago Papasquiaro. Incluyendo el gusto por la poesía de Roberto Bolaño y de Bruno Montané, que vivieron un tiempo en México. Gran lector de poesía, recomendaba leer un poemario no como se revisa un almanaque, sino había que practicar el brinco de poema a poema, en diferentes días y a distintas horas. Leer uno o dos, cerrar el libro, acomodar el poema en el espíritu y después volver al poemario, abrirlo y dejarse llevar por la luz o la oscuridad del poema en turno. Y así hasta concluirlo en algún momento.<br />Cuando lo busqué en su casa de Thézy, él estaba solo y abrió la pequeña ventana de su puerta, y después de identificarnos, comentó: que era, yo, más inteligente que los gaditanos. Por haber dado con él, con Laura y la dirección de su casa sólo siguiendo la intuición y los mapas cósmicos de los vasos comunicantes. Le observé sentado en su sillón y comenté que al verle tenía unas ganas inmensas de llorar de gusto y él me dijo que: “si Homero no censuraba a los hombres que lloran tampoco él lo haría” después me pidió que leyera uno de mis poemas. Le gustó. Después me bautizó como un: extriste o como el ogro inteligente. Palabras, era un excelente malabarista de palabras e imágenes. Y como Byron un gran coleccionista de palabras y también de caballos, juguetes y otros objetos de magia o de arte.<br />No podría elegir a uno de sus libros como favorito. Todos me hablan, todos me seducen de forma distinta. Sus cuentos, poemas, ensayos, todo tiene ese algo especial de lo magnífico. Pero existe algo muy particular y casi embrujante, en sus diarios. Sus diarios son poesía pura de donde nace la vida y la muerte. Tal belleza sólo puede pertenecer al jardín de un genio. Y lo digo con la certeza y seguridad de que es verdad. Un genio humilde. Sus diarios, que detalladamente nos muestran paso a paso, hora a día, las vicisitudes que el poeta tuvo que pasar para encontrarse y cumplir su hermosa misión aquí en la tierra y en la literatura. <br />Una vez le escribí quejándome de la indiferencia de algunos poetas mexicanos hacia diversos temas o quejándome sobre la corrupción de ciertos poetas, él me contestó: “La poesía si verdadera se paga. Platica más con los poetas muertos que con los vivos.” <br />Dormí junto a los cuadernos forrados de negro en donde escribía su diario. Los originales que cargaba de un lado a otro, de un país a otro, de un estado de ánimo a otra visión. Hasta que por fin se instaló en Thézy: “Vivo en Francia desde hace mucho tiempo. En París, ya lo sabéis por el Diario. De París me trasladé a la capital de Picardía, Amiens desde 1967 y con Laura mi compañera, pintora, desde 1972. Vivimos desde 1990 en una aldea llamada Thézy-Glimont a 13 km de Amiens en casa propia.” <br />Cádiz, Madrid, París, Perú, Amiens, vieron ir y venir al poeta en alegre y a veces trágico, desde la visión poética, periplo. Lo constante era su poesía, su sino, su genialidad jocosa. Su amor por los amigos, siempre rodeado de amigos y gente que le quiere. Y él a su vez queriéndolos a todos. Como el mar abraza, como la tierra recibe, como el cielo dignifica la claridad de la frente. Carlos Edmundo de Ory era un mundo de entrega. En lo personal pasear por entre las tumbas y jugar a decir palabras serias, alegres, apesadumbradas, luminosas, fue una lección de vida y de literatura. Jugar para saborear el lenguaje. La bella pronunciación de las cosas junto a un demiurgo.<br />Con Carlos y Laura compartimos libros, poemas, viajes, collages, e intercambiamos visiones, gustos, sueños, palabras. En el 2004 comenzamos un diálogo que Carlos llamó, en uno de sus mensajes, diálogo peregrino. Y eso es nuestra larga plática. Un diálogo peregrino. Que afortunadamente continúa. Seguimos conversando: Laura, Carlos y yo. Continuamos con el ir y venir del mensaje, de poemas, de pulsaciones que imagino, compartirán los muchos otros lectores. Quien se acerque a su obra comenzará, como yo lo hice en algún momento, a conversar con este bello poeta. Poeta humanamente humano que me sonrió un día y que no ha dejado de hacerlo. Poeta que me abrió su casa, su poesía y su corazón. Que me presentó a mí mismo como poeta, que me enseñó que siempre se puede mostrar uno de muchas formas pero que sólo se puede ser uno mismo de una sola manera: Fiel a la pulsación creativa, fiel al poema.<br />Carlos y Laura escribieron: Sabed, ojos míos, ajos míos, hijos míos, que Karl Borromäus y Laura de Noves, novios diarios y nocturnos, paganos de la luna y el sol y el arco iris, os quieren <br /> mucho<br /> mecha<br /> macho<br />y esperan que nos veamos el día siempre pensado<br /> <br />Carlos y Laura<br /><br />Marco Fonz<br />Marzo, 2011, MéxicoMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-82863257910396381112012-03-23T09:53:00.002-07:002012-03-23T09:58:37.090-07:00John Ashbery/ Visto por José Antonio Ramírez<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSxLddub8voZc5yIPcv27RWZ4oA2Jsg1euAeUEMa-HMn9AGRQDv4QWYwXMoK1emPHT7rOxSwSggM90F1JdwHGLS5QVE367z_JJNx1P9u2VuZVFB1QqYx08kgIYuJD1WR8Ci5MEP3BbPKSS/s1600/ashbery.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 224px; height: 225px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSxLddub8voZc5yIPcv27RWZ4oA2Jsg1euAeUEMa-HMn9AGRQDv4QWYwXMoK1emPHT7rOxSwSggM90F1JdwHGLS5QVE367z_JJNx1P9u2VuZVFB1QqYx08kgIYuJD1WR8Ci5MEP3BbPKSS/s320/ashbery.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5723137987710111538" /></a><br />VIERNES, SEPTIEMBRE 03, 2004<br /><br />La inquietante poesía de John Ashbery<br /><br /><br />Mi último descubrimiento en poesía es también mi última admiración: John Ashbery, cuyo nombre me había sonado alguna vez, pero al que no había prestado atención. En el "Babelia" del pasado día 17 de abril, su foto venía en portada, y dentro, una entrevista con él por Eduardo Lago, una reseña breve de él mismo, y la reseña de dos libros que acaban de salir por Marta Pessarrodona: Pirografía y Una ola, en Visor y Lumen, respectivamente. También se nos ofrece un inédito, dentro de la galería de Babel, "Gente interesante de Terranova"( 2003), en donde se pone de manifiesto su prosaísmo, esa llaneza que a más de uno puede extrañar, si se está acostumbrado a cierto lirismo. En la página 4 hay un puñado de enlaces a sitios de la Red en donde se puede encontrar material sobre él y otros poetas norteamericanos. O sea, como introducción, más no se puede pedir..., bueno, no es un monográfico de la revista "Quimera", pero... <br /><br />La entrevista es muy buena pues en ella salen cosas sobre su forma de trabajar, pero también sobre su carácter: su simpatía, su sentido del humor, su capacidad para explicar su propia poesía, de la mejor manera posible. En resumen, su poesía se caracteriza por la fragmentación (algo muy posmoderno), su falta de lógica--pero no por una sintaxis rota, jejeje, él mismo se defiende de esta acusación--, su musicalidad en el sentido de que intenta expresar verbalmente algo que sólo se puede comunicar de forma no verbal, como hace la música--y él reconoce intensa afinidad con compositores como Cage o Carter--. Se le cita a Cage en El silencio: <br /><br />No tengo nada que decir y lo estoy diciendo y eso es poesía <br /><br />y esto mismo es la mejor definición de su manera de trabajar: y como su admirado Elliott Carter, el nonagenario, sigue al pie del cañón (aunque él sólo tiene 77 años), ya que, dice, la misión del poeta es escribir poesía. <br /><br />Ashbery gusta mucho de las frases hechas, de los tópicos, dice que esto le sirve para hacer su poesía más democrática--A. está en la corriente del pionero Whitman, pues gusta de hablar de todo, y no obstante, ha sido tachado a veces de minoritario, de que su poesía es altiva--. También su gusto por el collage, la acumulación y el misterio --lecturas de Jacob Böhme y otros místicos-- entronca con el surrealismo y la vanguardia artística del panorama neoyorquino, de hecho estuvo en contacto con Frank O' Hara y otros, pero él no es tan visual, es más sonoro... De alguna forma, Ashbery le tiende la mano a Auden en su gusto por lo simple, lo hermoso y lo mágico, en su diálogo con la tradición y en su mantenerse en el presente en lugar de escapar hacia territorios, éstos sí, altivos y elitistas. Dice Eduardo Lago: <br /><br />Ashbery era un perfecto desconocido cuando en 1956 cayó en manos de W. H. Auden el manuscrito de Unos árboles. Inmediatamente, decidió publicarlo. "¿Es posible escribir poesía hoy?", se pregunta el poeta inglés en el prólogo. Recordando que sólo es merecedor del título de poeta quien sepa regresar a las regiones de lo sagrado, le da la bienvenida al nuevo autor, precisando: "De Rimbaud a Ashbery la imaginación sigue aferrada a los valores de lo mágico". Enigmático, multidimensional, abierto a los caprichos del azar, el hacer poético de Ashbery se nutre de dos fuentes. Por un parte, la tradición anglosajona, en un arco que va de Wordsworth a Auden, y entronca con el legado del romanticismo norteamericano, incorporando esta vez desde Whitman hasta Wallace Stevens. Por otra, la propuesta de la vanguardia, tanto artística (Pollock, Rothko) como musical (Carter, Cage). A modo de puente, una vía que integra el legado de Francia, del simbolismo al surrealismo. Con el revolucionario Autorretrato en un espejo convexo (1975), lo que puso patas arriba el apacible y recluido reino de la poesía. Además de acaparar la triple corona de los premios más importantes de su país: el Nacional, el de la Crítica y el Pulitzer, Ashbery logró despertar el interés del gran público. A propósito de este libro, Paul Auster escribió: "Pocos poetas poseen hoy día su misteriosa habilidad para socavar nuestras certidumbres, para articular tan plenamente las zonas más ambiguas de nuestra conciencia". <br /><br />Como ya está bien de tanta teoría y tanto prólogo, pongo unos versos que pueden dar una idea de cómo es su obra. Es una de las citas iniciales de El catalejo lacado de Philip Pullman: <br /><br />Unos sutiles vahos escapan de lo que hicieren los vivos. <br />La noche es fría, delicada y llena de ángeles <br />que golpean a los vivos. Las fábricas están iluminadas, <br />el carrillón suena en lo alto. <br />Por fin estamos juntos, aunque lejos uno de otro. <br /><br />(de The Ecclesiast) <br /><br />Este último verso está muy bien escogido por el novelista inglés, pues el lector comprobará que va como anillo al dedo para describir la situación de los jóvenes protagonistas al final de la obra y de la trilogía. Estar juntos, pero lejos..., eso es algo que yo también sé bien: el amor es misterioso si hay una distancia que separa a los amantes, aunque en estos tiempos la tecnología ayuda bastante a limar ese abismo físico... Ya no en diferentes mundos, en regiones por las que una ventana pone en comunicación a los que no pueden dejar de pensar el uno en el otro. Esa parte final de la novela de P. desde luego está inspirada en versos e incluso diría que la obra entera de Ashbery, el poeta de la sugerencia, la magia, el toque efectivo, la descripción exacta. Sin esto, ¿qué puede decirse que valga la pena, que haga sentido? Lo que cuenta es el sentimiento, el goce estético, no "entender". En el amor, es algo que viene, pero que no podemos comprender. Como el roce del ala del ángel, y el diálogo en ese banco del Jardín Botánico, sólo una hora al año, pero que puede ser suficientemente intenso; o el encuentro dentro de un año, en esa misma estación, que se prometen los enamorados de Antes de amanecer, el film de Richard Linklater. <br /><br /><br />Líneas del desierto <br /><br />What Is Poetry <br />John Ashbery <br />-------------------------------------------- <br />The medieval town, with frieze <br />Of boy scouts from Nagoya? The snow <br />That came when we wanted it to snow? <br />Beautiful images? Trying to avoid <br /><br />Ideas, as in this poem? But we <br />Go back to them as to a wife, leaving <br /><br />The mistress we desire? Now they <br />Will have to believe it <br /><br />As we believed it. In school <br />All the thought got combed out: <br /><br />What was left was like a field. <br />Shut your eyes, and you can feel it for miles around. <br /><br />Now open them on a thin vertical path. <br />It might give us--what?--some flowers soon? <br />----------------------------------------------------- <br /><br />Leyendo algunos de sus poemas en la Red, uno se da cuenta enseguida de esa lógica lúgubre (Lautréamont) que es marca de la casa, esa dificultad para entender lo que nos dice Ashbery, que en muchos momentos es decididamente hermético, aunque luego diga lo contrario... Hay tal acumulación de elementos, y colocados de tal forma, que es imposible deslizarse por las resbaladizas líneas, y es como en esos cuartetos de Carter, sobre todo el primero, con el desierto en donde lo compuso al fondo, en donde cada instrumento lleva su parte de forma independiente, cada uno conversa consigo mismo en una suerte de monólogo-con-otro, que es también la sensación que presta Ashbery, el Encantador. Cuando acaba el discurso, sin embargo, queda una sensación fuerte de algo áspero que nos roza e incluso nos provoca una desazón extraña, porque se abrió una zona más oscura allá en la parte de atrás... Como Carter, con sus melodías extrañas y sus homenajes a todo el mundo del pasado, Ashbery sostiene un fragmento, un recuerdo fugaz, y nos lo coloca en la línea, como si formara parte del mismo universo, cuando en realidad ha estallado en otro sueño, en una primavera distinta. <br /><br />*** <br />At North Farm <br /><br />Somewhere someone is traveling furiously toward you, <br />At incredible speed, traveling day and night, <br />Through blizzards and desert heat, across torrents, through narrow passes. <br />But will he know where to find you, <br />Recognize you when he sees you, <br />Give you the thing he has for you? <br /><br />Hardly anything grows here, <br />Yet the granaries are bursting with meal, <br />The sacks of meal piled to the rafters. <br />The streams run with sweetness, fattening fish; <br />Birds darken the sky. Is it enough <br />That the dish of milk is set out at night, <br />That we think of him sometimes, <br />Sometimes and always, with mixed feelings? <br />----------------------------------- <br />John Ashbery <br /><br />Este magnífico poema aparece al comienzo de la antología Una ola. <br /><br />Sigo pensando que en poesía como ésta reside el secreto de la fascinación que la poesía ejerce--sobre mí--. Y le doy la razón también a Brodsky, cuando habla de tres clases de críticos, los ignorantes, los conchabados con alguna editorial o grupo de intereses, y los que crean con sus reseñas o artículos, al punto de que bastaría leer ese escrito en vez del libro, jeje... En esta última categoría entra el propio B., Andrés Ibáñez y Juan Francisco Ferré, todos ellos creadores, poetas, a su manera... <br /><br />La obra que lo dio a conocer, Autorretrato... también está en Visor, y Diagrama del flujo en Cátedra, 1994. Leed y disfrutad: es sólo un sentimiento. <br /><br />Juan Antonio RamírezMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-8644223457568650342012-03-15T11:38:00.001-07:002012-03-15T11:40:41.676-07:00Uno de Brecht por dos de Poesía Inconexa<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1G7pjZuObIOcYpN_6H8LvxoiRCB47MLp6-lUqRIXdO-rrvTWorwQG6gO-a-SAWNVVbHA0T_xxeyeKgiNg1CiCb7FVt22YFocerso6ZvbjQl3-KH-HS0jCIe9RTjbgAeWg1HukqPskqOK4/s1600/brecht.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 192px; height: 262px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1G7pjZuObIOcYpN_6H8LvxoiRCB47MLp6-lUqRIXdO-rrvTWorwQG6gO-a-SAWNVVbHA0T_xxeyeKgiNg1CiCb7FVt22YFocerso6ZvbjQl3-KH-HS0jCIe9RTjbgAeWg1HukqPskqOK4/s320/brecht.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5720195531758941410" /></a><br /><br /><br />Bertolt Brecht/ Uno de dos de tres: Diálogos desde 1921 con la Poesía Inconexa:<br /><br /><br />Para los poetas con miedo que siempre han existido y que siguen existiendo y que piden con voz temblorosa: “No lo hagas, no cambies nada, ¿para qué pelear? mejor dedícate a tus poemas…” contesto como si platicara con Brecht: <br /><br /><br />Los ritmos irregulares dan la oportunidad al poema de que adopte su propia forma, la forma que le dicta su emoción. Yo nunca sentí que apartarme de los ritmos regulares significara que me estaba apartando de la poesía. La estética prevaleciente quería restringir la poesía a ser una mera expresión del sentimiento y, la verdad, no me impresionaba mucho lo que leía de mis contemporáneos, ni tenía en mejor estima a la estética de mi tiempo. El resultado fue que aparecieron nuevos caminos…<br /><br /><br />Esos caminos son los que la Poesía Inconexa ha encontrado sanos y salvos, afortunadamente, y que la poesía del estado con su estética inamovible no han logrado obstruir. Es increíble como durante tantos años los poetas del erario público no han dejado respirar libremente a poetas como Ramón Martínez Ocaranza, Juan Martínez, Orlando Guillén, José Vicente Anaya, Jesús Arellano, algunos infrarrealistas y otros poetas mexicanos que andan por esos viejos vicios de los descubridores de Raros o como yo los llamo: Los Yacientes. Así nos daríamos cuenta que con estos poetas se inicia una verdadera estética que podríamos llamar Poesía Mexicana. <br /><br />Un poema de Bertolt Brecht:<br /><br /> <br />Malos tiempos para la poesía<br /><br /><br />Sí, lo sé: sólo el hombre feliz<br />Cae bien. Su voz<br />Es dulce al oído. Su rostro es agradable.<br /><br />El árbol del jardín<br />Muestra que la tierra es pobre y sin embargo<br />Los paseantes lo maldicen por esto mismo.<br />Y con razón.<br /><br />Nadie nota los barcos verdes ni las velas bailarinas<br />Del estrecho. Y de todo esto<br />Sólo miro la vieja red del pescador.<br />¿Por qué sólo me acuerdo<br />De una campesina encorvada a los cuarenta?<br />Los pechos de las jovencitas<br />Son tan cálidos como siempre.<br /><br />(El silbido del viento entre los alisos<br />Sería más que suficiente.<br />¿Por qué, entonces, sólo puedo pensar en la guerra?)<br />En el poema, una rima<br />Me parecía casi una insolencia.<br /><br />En mí combaten<br />El placer ante un manzano en flor<br />Y el espanto por lo que dice el pintor de brocha gorda.<br />Pero sólo el segundo<br />Me hace volver a mis tareas.<br /><br /><br /><br />Pintor de brocha gorda, poeta de brocha gorda, no tengas miedo ni sufras temores porque exista otro tipo de poema. La libertad creativa no es un derecho, la libertad creativa es la existencia misma, es el todo. Y esa libertad se vive y ¡ya!. Así presenciar el nacimiento y que se manifieste todo tipo de voces y estilos no es ningún peligro para la poesía, por el contrario es el humus que la nutre. Den paso caballeros de los ojos policiales a que anden los poemas y los poetas que quieran estar desnudos y sucios. Todo, ya lo deberían de saber, es pasajero. Relajación por el resto de nuestros días.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-76253088654615596062012-03-06T11:28:00.001-08:002012-03-06T11:30:28.184-08:00Roberto Bolaño/ un poemaPara aquellos y aquellas que alguna vez quisieron ser poetas y todavía son miedo:<br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZX8d7-M4erQqP6Gmz2UZOy2Vhs5sGtPzJv4fzz69v82QLPPGED8dipvJMtLZWegGcACfei3iRAgLg5QU96LqDTDJ3jsi-csWB1a29Ppuc3pWGiMvKRP_aifynaCX2ndVrDlJFIdrJPTnG/s1600/bola%25C3%25B1o.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 286px; height: 176px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZX8d7-M4erQqP6Gmz2UZOy2Vhs5sGtPzJv4fzz69v82QLPPGED8dipvJMtLZWegGcACfei3iRAgLg5QU96LqDTDJ3jsi-csWB1a29Ppuc3pWGiMvKRP_aifynaCX2ndVrDlJFIdrJPTnG/s320/bola%25C3%25B1o.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5716868373402527250" /></a><br /><br /><br />Generación de los párpados eléctricos<br />/ Irlandesa No. 2<br />Constelación Sanjinés<br /><br />ese halo de luz naranja pudo haber sido una gran poeta<br />esa muchacha que estudia el último semestre de Biología y cena<br />en el Maxim´s del subdesarrollo y fornica a media noche<br />en un edificio de cristal y vomita en la madrugada con sudores<br />pudo haber sido una gran poeta<br />pudo haber sido una amazona y pudo galopar en cierta manera<br />libre hasta que la hubieran derribado de un balazo entre los senos<br />-esa mujer que vive con su esposo un paisaje de barrios cercándolos<br />agradable monotonía de los desayunos americanos<br />envejeciendo irremediable entre la dureza del lirismo nazi<br />y sagas que cantan nuevas juventudes –chicos picados de viruela<br />o atomic morphine<br />esa mujer que llora en el laboratorio mientras las calles<br />arden y yo caigo, pudo haber sido una poeta<br />estamos muertos, nosotros somos los muertos<br />se oirá en esos días<br />su cuerpo blanco se mecerá se mecerá<br />mientras un falo va abriendo su vagina se mecerá se mecerá<br />sus ojos serán un desierto<br />-dios mío, sálvate<br />esa mujer de 30 años nunca tendrá un hijo, esa mujer<br />de 35 años irá al supermarket con un vestido de flores azules<br />-¿pero venderán mis poemas en la sección libros<br />y mi carne destazada en conservas, en verduras,<br />en ropas-para-el-invierno?<br />esa mujer de 40 años blasfemando y riendo incrédula<br />mira, se acabó la menstruación, se acabó<br />oh multitudes de los grandes funerales niños de los grandes<br />acontecimientos deportivos muchachos de las futuras<br />concentraciones en campos de rock<br />una nube roja se fragmenta por ustedes<br />esa mujer detenida en una silla<br />sin duda recuerda por última vez a su primer compañero<br />-los adolescentes de diamante<br />y aunque su psicoanalista, su esposa, la esposa del psicoanalista<br />y su madre conversen sobre la pacificación de los días<br />la desaparición de la peste<br />ella siente<br />que los motines volverán que la han vencido<br />esa vieja ocupada en su manicomio<br />sintiendo próxima su muerte y que en realidad<br />quisiera volver atrás, a una verdadera cama<br />ese halo de luz naranja que se apaga<br />sin alegría ni sufrimiento<br />pudo haber sido una gran poeta<br />la más amorosa<br />amada<br />mía<br /><br /><br />Roberto BolañoMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-83577188310457461292012-02-26T10:35:00.002-08:002012-02-26T10:38:01.119-08:00Iván Oñate/ Poeta visto por Salvador García<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggGJiH4XurEUvBn3Pl2LurZ-zRgYVm-nkUELUe_7nrDFiITyF_XLSgZBRuh9-e382spZd3tS_oxRsAKGMbSe0NXJO_o9n4V0GGKAkvKXx9BAayQciC0wyIi1H1zkw9PXtU_qJb5fgC7Fa7/s1600/MyPicture%255B1%255D.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggGJiH4XurEUvBn3Pl2LurZ-zRgYVm-nkUELUe_7nrDFiITyF_XLSgZBRuh9-e382spZd3tS_oxRsAKGMbSe0NXJO_o9n4V0GGKAkvKXx9BAayQciC0wyIi1H1zkw9PXtU_qJb5fgC7Fa7/s320/MyPicture%255B1%255D.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5713515329937693634" /></a><br /><br /><br /><br /><br />Vientre de Cabra<br /> <br />Iván Oñate: poesía de infierno y amor<br /><br /> <br /><br /> <br />Salvador García<br /> <br /> <br />Hablar de Iván Oñate (Ambatao, Ecuador, 1948) es hablar de una de las voces más importantes de la literatura en castellano. Con más de una docena de libros publicados, muchos de ellos traducidos a diversos idiomas, y con una carrera académica que lo ha llevado a impartir cátedra, conferencias y clases magistrales en múltiples universidades de Estados Unidos, México y Europa, el poeta ecuatoriano muestra una extraordinaria labor desde la palabra, donde el misterio, el dolor y la alegría del mundo pueden convivir sin menoscabo.<br />No hay casualidades en sus versos: el amor y la poesía comparten la misma alma. El amor y la poesía son reflejos del mismo enigma en el hombre. Así lo percibe Oñate y lo muestra de manera nítida en su obra La nada sagrada (Mayor Books, Ecuador, 2010), cuyo itinerario de viaje estará marcado por la presencia de Malcolm Lowry.<br />“El faro trae a la tormenta y la ilumina”, es el prefacio con el que abre el poemario. Por supuesto, la referencia no podría ser otra: Lowry. Para posteriormente regalarnos el primer apartado del libro donde la ideología y los parámetros literarios entre el autor inglés y el poeta ecuatoriano terminan por fusionarse hasta las entrañas. El primer capítulo se llama “La precisión del infierno”. Aquel lugar, oscuro y silencioso, donde tantas veces se perdió Lowry.<br />Pero el infierno nunca estará completo sin el amor. ¿Hace cuánto no se llora simplemente porque es necesario? Desde su palabra Oñate no desconoce los rincones oscuros y gélidos de ese amor que es nada, de ese amor que es todo en la nada y nada en la eternidad. <br /> <br />Toma al único enamorado que castigaron los dioses por un amor prohibido, prohibido como tan ingenuo y grotesco. Es así que la figura de Edipo le sirve para hablarle al viajero, al enamorado. ¿Qué enamorado no es viajero? ¿Hubieras preferido a Ulises? Claro, pero recuerda que Ulises, en tanto viajero, rehúye el canto de las sirenas y que no es el amor, si no un dulce, transgresor y consciente engaño para el que ama. En el poema titulado “Edipo” menciona:<br />“Viajero/ Tú que tantas preguntas/ acercaste a los dioses// Esta noche/ por fin/ algo te han respondido:// Aquel día/ de estremecida luz/ no entrabas en una mujer// Ingresabas a tu destino”. Pero si la mujer esa vista como ese destino, como ese viaje, inmediatamente el poeta expresa que el viaje ya lleva implícita la partida. En el poema “Posteridad” señala: “Cuando el rayo cese/ y ella parta/ nunca volverás a ser el mismo.// Enfermo de eternidad/ deambularás/ por entre los mortales de este mundo.// Asustados/ huirán de ti/ negándote espacio para una tumba”.<br />Infierno y amor se unen en La nada es sagrada. Esta nada como un desierto de palabras. La nada que es el todo, sin fin ni principio. Recordemos que para que algo se vuelva sagrado debe existir el sacrificio. Y qué más sacrificio que descender a los infiernos, como Lowry, como lo sugiere el propio Oñate. Qué más sacrificio que vivir en el infierno y descender al amor. Posiblemente la tumba de Lowry de la que nos habla el poeta no sea más que una continuación de esa nada que es el infierno, que es el amor.<br />salvadorgarci@yahoo.com.mxMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-124384347378038182012-02-23T11:32:00.001-08:002012-02-23T11:34:34.839-08:00Iván Oñate en San Luis Potosi, México Conferencia<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7uTAWAbATLq9_GOCOus6AEgHoofpByZAX5Uo2Ii8quLDKUKgEtiUY15B_hSCcAkNoADgrLChyphenhyphen2XmkxIzYKvEQoxPjrbRcn67p1qbo9jRiOoH-I-8Dr56qfaw6r1z-SPdtE81SCvLEO-Xr/s1600/o%25C3%25B1ate.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 180px; height: 135px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7uTAWAbATLq9_GOCOus6AEgHoofpByZAX5Uo2Ii8quLDKUKgEtiUY15B_hSCcAkNoADgrLChyphenhyphen2XmkxIzYKvEQoxPjrbRcn67p1qbo9jRiOoH-I-8Dr56qfaw6r1z-SPdtE81SCvLEO-Xr/s320/o%25C3%25B1ate.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5712416562146361762" /></a><br /><br /><br /><br />Conferencia de Iván Oñate/ Poeta <br />San Luis Potosí, México.<br /><br />Desde la salvaje lengua del lenguaje, sueño que tuvo alguna vez la boca, se escuchará el brillo en las tierras de San Luis Potosí a través de la voz y presencia del poeta Iván Oñate, quien dictará una conferencia sobre Civilización y barbarie en la literatura latinoamericana. El encuentro de ambas naturalezas del ser humano será el viernes 24 de febrero del presente año a las 11:00 hrs. en el auditorio de la coordinación de ciencias sociales y humanidades de la UASLP. <br />Será prodigio y grato el ver y conocer en persona a tan querido poeta y escuchar desde su espíritu la historia de la tribu latinoamericana para compartir visiones y fuegos sagrados, ciudades vanguardistas o chozas exóticas en las páginas del imaginario de los poemas o novelas de nuestro continente.<br />El autor de los poemarios: La nada sagrada, El país de las tinieblas y su reciente título: Cuando morí (en el pabellón de incurables), publicado por Ediciones sin Nombre y que será presentado en la Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería el próximo 3 de marzo, nos hablará de esas dos vías extrañas y comunes que son la barbarie y la civilización: qué tanto tenemos todavía de una y de otra y qué nos hace creer que dejamos de ser bárbaros y que ahora somos civilizados.<br />La literatura latinoamericana es ahora más que en otros tiempos la que da un giro importantísimo y la que ofrece un imaginario tan profundo que, desde hace unos años ha nutrido de forma casi total a la llamada literatura mundial.<br />En el poeta Iván Oñate tenemos un excelente ejemplo de lo que la poesía latinoamericana ofrece como uno de sus mejores representantes. Oñate pertenece a una generación de poetas que comparten el resurgimiento y fortalecimiento de la poesía ecuatoriana, y felizmente de la latinoamericana y mundial.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-39999393203399706192012-02-23T11:32:00.000-08:002012-02-23T11:34:34.636-08:00Iván Oñate en San Luis Potosi, México Conferencia<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7uTAWAbATLq9_GOCOus6AEgHoofpByZAX5Uo2Ii8quLDKUKgEtiUY15B_hSCcAkNoADgrLChyphenhyphen2XmkxIzYKvEQoxPjrbRcn67p1qbo9jRiOoH-I-8Dr56qfaw6r1z-SPdtE81SCvLEO-Xr/s1600/o%25C3%25B1ate.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 180px; height: 135px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7uTAWAbATLq9_GOCOus6AEgHoofpByZAX5Uo2Ii8quLDKUKgEtiUY15B_hSCcAkNoADgrLChyphenhyphen2XmkxIzYKvEQoxPjrbRcn67p1qbo9jRiOoH-I-8Dr56qfaw6r1z-SPdtE81SCvLEO-Xr/s320/o%25C3%25B1ate.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5712416562146361762" /></a><br /><br /><br /><br />Conferencia de Iván Oñate/ Poeta <br />San Luis Potosí, México.<br /><br />Desde la salvaje lengua del lenguaje, sueño que tuvo alguna vez la boca, se escuchará el brillo en las tierras de San Luis Potosí a través de la voz y presencia del poeta Iván Oñate, quien dictará una conferencia sobre Civilización y barbarie en la literatura latinoamericana. El encuentro de ambas naturalezas del ser humano será el viernes 24 de febrero del presente año a las 11:00 hrs. en el auditorio de la coordinación de ciencias sociales y humanidades de la UASLP. <br />Será prodigio y grato el ver y conocer en persona a tan querido poeta y escuchar desde su espíritu la historia de la tribu latinoamericana para compartir visiones y fuegos sagrados, ciudades vanguardistas o chozas exóticas en las páginas del imaginario de los poemas o novelas de nuestro continente.<br />El autor de los poemarios: La nada sagrada, El país de las tinieblas y su reciente título: Cuando morí (en el pabellón de incurables), publicado por Ediciones sin Nombre y que será presentado en la Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería el próximo 3 de marzo, nos hablará de esas dos vías extrañas y comunes que son la barbarie y la civilización: qué tanto tenemos todavía de una y de otra y qué nos hace creer que dejamos de ser bárbaros y que ahora somos civilizados.<br />La literatura latinoamericana es ahora más que en otros tiempos la que da un giro importantísimo y la que ofrece un imaginario tan profundo que, desde hace unos años ha nutrido de forma casi total a la llamada literatura mundial.<br />En el poeta Iván Oñate tenemos un excelente ejemplo de lo que la poesía latinoamericana ofrece como uno de sus mejores representantes. Oñate pertenece a una generación de poetas que comparten el resurgimiento y fortalecimiento de la poesía ecuatoriana, y felizmente de la latinoamericana y mundial.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-65450600610082660362011-12-15T10:14:00.000-08:002011-12-15T10:16:35.303-08:00Adriano Rémura: Autonomía o del por qué hacer un proyecto civil<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLsoT6RUBREisr9ePkL9KFLwovtVkWbvat40NdWVKyXmmPnFLjBJIgSKk6NDdr3vLbRCrROhApONQ0bWYOEBaYgwu3ePfybgYcBBFDTZO0nGD9dnGgbHRWJeEDBK_dA2zK9gtarRJ87VqM/s1600/versodestierro.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 182px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLsoT6RUBREisr9ePkL9KFLwovtVkWbvat40NdWVKyXmmPnFLjBJIgSKk6NDdr3vLbRCrROhApONQ0bWYOEBaYgwu3ePfybgYcBBFDTZO0nGD9dnGgbHRWJeEDBK_dA2zK9gtarRJ87VqM/s320/versodestierro.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5686420297648207730" /></a><br /><br /><br /><br />Autonomía o del por qué hacer un proyecto civil.<br /><br /><br /><br />Versodestierro es un proyecto que tiene como propuesta el conflicto, y se ha cumplido cabalmente. Desde su creación ha generado controversias, y ha sido fuente de inspiración para nuevos proyectos, también con tendencias conflictivas. Versodestierro promueve la poesía a través de libros, plaquetes, separatas, carteles, volantes, una revista, lecturas, críticas, El Torneo de Poesía Adversario en el Cuadrilátero [este año en su quinta edición], el Semanario Deportivo de Poesía RING y su más reciente propuesta: I Premio Latinoamericano de Poesía Transgresora Verso Destierro. La poesía de poetas nuevos en México, no es de los principales géneros que consuman los lectores en las librerías (pues nadie, o casi nadie, va en busca de poetas desconocidos), por eso Versodestierro se ha dedicado a la difusión de mano en mano, y hasta la fecha (a siete años de su creación) Esta por llegar a los 90 libros publicados y 10 números de la revista del mismo nombre, en donde se han incluido también a poetas con trayectoria (que se han sumado a este trabajo) como Enrique González Rojo, Max Rojas, Raúl Renán y la fallecida Norma Bazúa, entre otros. Ha vendido más de 75 mil ejemplares. La poesía está viva en México y tiene con qué meter las manos. Versos de filo y belleza variable. Versodestierro es una editorial especializada en poesía, dan cuenta de ello sus 8 diferentes colecciones, próximamente se unirá una 9ª colección de poesía para niños bajo la poética de esta editorial, colecciones en donde los contenidos y formatos del libro son trascendentes para una lectura diversa. Paralelo a la poesía se edita cuento, novela, minificción y ensayo. Versodestierro también investiga en cuanto a la producción, distribución y discusión del panorama poético, principalmente de las diversas poéticas asentadas, dentro o fuera de una corriente. Localizar poetas de otras tradiciones, excluidos del marco histórico en la literatura mexicana, como también de autores que en la actualidad estén generando una obra no sólo escrita con oficio, sino con hondura intelectual, reflexión crítica y propuesta estética. Ejemplo de lo anterior es el libro Cuarenta Barcos en Guerra, Antología de Poesía y sus Editoriales. El proyecto ha sido aceptado tanto por cafeteros, como por promotores culturales y otros sectores (con la intensión de que si el lector no va a la poesía, la poesía vaya al lector). <br /><br />La poesía en México se ha arraigado en la idea de "una tradición". La mayoría de las sociedades se han generado en la idea de una tradición, como en la idea de un origen humano del cual devenimos todos. Sin embargo el mundo no es una humanidad, sino una serie de variantes, siendo exactos, un mundo de posibilidades o posibles variaciones. Son muchos mundos; deltas de un mismo río que se traducen en nuevos ríos, nuevas formas de ser y hacer, según el contexto, la época y la geografía. Esta es la idea que mueve la evolución: la capacidad de transformarse. Por el otro lado está el pensamiento (que hasta ahora ha sido el que rige nuestras acciones) de la permanencia sea de la forma que sea.<br /><br />Estamos todavía en la época de los apegos. La idea de hogar y trabajo obedece a un orden de rango y escalonamiento dentro de organismos incompatibles a los individuos. La individualidad se convierte en una "paso a seguir", en una réplica de un ser que debería ser esto o aquello para realizarse. Y aunque halla otros medios de realización (y realidad), otras posibilidades del ser; son reprobadas por el halo mental que rige todavía el mundo social que nos determina y absorbe. Esa ha sido la lógica, y esta ha provocado una crisis editorial, en la cual, es lamentable, que incluso proyectos contraculturales terminen siendo financiados por el Estado. Y no porque asumamos que los apoyos "no sean necesarios" o porque pensemos "que no hay una responsabilidad del Estado en promover la cultura". No. Sino porque la naturaleza de la ideas obedece a una ética y una lógica operativa. Esto quiere decir: que en la contradicción obedecemos solamente al apego, y no al desarrollo. ¿Hasta qué grado los proyectos literarios, culturales que prevalecen ahora no son corrientes de un mismo delta? ¿Y de qué forma se dan posibilidades al ser cultural de diversificarse, de crearse una identidad? Se piensa que porque hay muchas publicaciones (que aun así son pocas), hay muchas opciones, y no es así. Lo que hay es una tendencia a hacer la misma revista o a editar a los mismos autores rentables que son inversiones seguras bajo el confort de no arriesgarse a otras posibilidades estéticas, la apuesta altenativa es difundir a un autor que se circula y se vende per se. Nos encontramos con fórmulas prescritas de lo que se supone es una revista. Y vemos que se materializa una y otra vez. Se habla de proyectos independientes, cuando en realidad dependen de una ideología reciclada, y por otra parte, tampoco son capaces de generar una posibilidad de supervivencia propia. Pensar en esto para la mayoría resulta "utópico". Cómo "sobrevivir" sin las becas (los apoyos) que da tal o cual institución. ¿Cómo sobrevivir de mi poesía: de mi trabajo como poeta, como editor? La respuesta para la mayoría han sido los talleres, las conferencias o las plazas. Estamos hablando de que la cultura se convierte en una rama del Estado. Lo cual tampoco es una deshonra, sino una incongruencia de quienes se auto-nombran Independientes cuando en realidad son proyectos alternativos, variaciones del catalogo de escritores del conaculta La libertad está sujeta a la decisión del individuo (del artista en este caso) . Pero las opciones creadas son nulas porque el mismo artista devalúa su trabajo pensando que si las instituciones no lo apoyan, esto quiere decir que su trabajo no vale nada. Se piensa que las opciones son las que hay, y si no se elige una de estas, quedas fuera de la lógica cultural del país. Cuando se crea una nueva opción, lo que procede en el pensamiento general, es el acto de aparentar como si esa otra opción no existiera, o fuese una posición "inferior" de enfrentar la realidad, surge el ninguneo o el indiferentismo. Por ejemplo, cuando se propone variar tanto los contenidos como los conceptos editoriales, y generar medios alternos de distribución y promoción (como venta de mano en mano y la libre circulación en todos los espacios culturales, o no culturales) la actitud, ante esta posibilidad de promulgar la cultura de una manera "personal", es la subestimación. Pareciere que el pensamiento lógico siguiese la idea de que una forma prescrita de enfrentar la realidad es superior a una todavía no efectuada. La posibilidad se presenta entonces como un error, si lo decimos más claramente.<br />Este ha sido el punto por el cual los proyectos no sobreviven. Los que no han seguido la fórmula creada, han sucumbido. Los demás han aprendido a acoplarse, a moverse en el fuego. El costo: su autonomía. Su individualidad. Con individualidad y autonomía nos referimos a la capacidad de un ser autogestivo, que sea en sí mismo una posibilidad en el mundo editorial, de fondo sería encontrar y proponer una estética y una poética, propias. Las preguntas son: "Hoy en día, ¿qué proyecto es capaz de sobrevivir y crecer sin el apoyo del Estado?, y ¿qué proyecto es capaz de sobrevivir cuando termina el apoyo del Estado?". El que levante la mano es porque ha engendrado la posibilidad del desapego. Una vez trascendida esa parte, ese conflicto medular, el complejo de los de arriba y los de abajo es lo de menos. Entonces, efectivamente, se generaría una igualdad, una posibilidad de confrontación creativa y sobre todo de cooperación. A fin de cuentas la idea de independencia es un acto primario de destetamiento; después lo único que deriva es la autonomía, la cual se enfrentará a todos los avatares de la existencia misma como ser, y de la cual puede generarse una opción posible; una alternativa sólo visible para quien de algún modo ha realizado ese mismo proceso, y que como un ser de igualdad, entrará y saldrá de este espacio con posibles variantes para sus propias acciones. Es ahí donde se gesta la verdadera confrontación de ideas y valores, generando fluidez, agilidad, al agua estancada de la mente. La aparente calma de la tolerancia (en la que se supone vivimos) lleva a fin de cuentas al encubrimiento, a la complicidad e imponderablemente a su explosión. La tolerancia real es la plenitud de la razón en conflicto, y no la sujeción al dogma, al ideal o a la verdad absurda. En concreto, la incertidumbre (como un proceso generativo de realidades) es el alimento de lo posible.<br /><br />Entonces, ¿cómo vivir de la poesía? ¿Cómo hacer real aquella idea expresada por Luis Rius, en la que el poeta pueda vivir de su trabajo? Algunos piensan el camino es auspiciarse en los grandes nombres de la literatura. Los cuales mucha gente ha escuchado, pero muy poca realmente conoce. Esas son lecturas primeras que garantizan un público expectante. Otros plantean un núcleo, y a partir de un mito en torno a este, generan una nueva idea de grandeza; un rumbo total para la poesía. Esto basado también en la estructura misma de competencia por los recursos que se lanzan para que los artistas se lancen al anzuelo. Las cubetas de pescados son pocas. Pero el hambre es mucha, y el que sobrevive es el más apto, y que los otros se dediquen a otra cosa. Los más aptos hasta ahora han sido los poetas que conocemos. Todavía ahora se mide en preguntas como "¿quién es el mejor poeta vivo de México?" o "¿quién es el mejor poeta de tal o cual generación". El título de "El mejor" es el obsequio que se le da al poeta más poderoso. La poesía por otro lado queda en un lado secundario. El poeta político vive de lo que gana como político y no como poeta: la premisa de que la poesía sea la fuente de vida para el creador sigue siendo utópica. La poesía se vuelve o se traduce en alimento comercial, y los únicos poetas que pueden comer de su obra, son los poetas que ya están muertos. Shakespeare, Cervantes, Neruda, Pessoa. ¿Cómo viviría un poeta vivo de su obra? En principio habría que desmitificar la idea de que las librerías son el centro de los libros y perder el miedo a publicar en editoriales pequeñas (puesto que todo artista piensa que su obra debe ser publicada por editoriales de prestigio, pues de otra forma nadie creería que su obra es buena) y también generar medios alternos de difusión como sitios para la promoción y la venta, donde participen activamente los integrantes del proyecto editorial y puedan exponerlo a los posibles lectores, puesto que a falta de conocimiento de ¿qué son estas publicaciones? es que se quedan empolvadas en las librerías. Difundir de mano en mano, como es la estrategia de Versodestierro, borra de entrada al mediador, la librería, y pone en igual condición al lector, al escritor y al editor, el libro se materializa en vínculo y no en un estrado, un objeto de poder, en donde se monta el escritor para diferenciarse y ser superior al lector. Para Versodestierro las librerías han sido estrategias secundarias a la distribución de mano en mano, en lecturas, encuentros, ferias o en la calle. <br />Por otro lado se apuesta por buscar el apoyo de otros sectores, la poesía es un arma seductora para los cafés, restaurantes, museos, teatros, plazas, casas de cultura, incluso bares, cantinas y asociaciones civiles O el apoyo mismo de los lectores, adquiriendo estos productos exóticos, o de los poetas que, por qué no, también podrían promover su obra y la de otros, sin temor a los snobs o elitistas. De esta forma se generaría un sistema activo de difusión, un sistema en el que la poesía alcanzaría al lector en los lugares donde se "esconde". Sobre esto, como propuesta, Versodestierro se ha esforzado en llevar la poesía de mano en mano por las calles. Y también de boca en boca aunque se piense que la tradición oral quedó allá con los griegos, con los hombres medievales, y en las comunidades marginadas actuales del mundo. Y en esto el papel de los poetas editores ha sido sustancial.<br /><br />Enfrentarse a un comercio, que en teoría, obedece a un orden de igualdad, no es real porque existe (como en cualquier rubro) el monopolio que sujeta la ley a sus necesidades generadas de permanencia. Los demás entes comerciales, pequeños, micros, minis, o la próxima eclosión del mercado digital, se pelean entre sí el banquete de las sobras. El comercio macro dicta el punto de partida. La poesía obedece al marco mini del comercio. Y aunque su naturaleza, su lógica ética no es sujetarse a este, en su mayoría los editores miniempresariales tienden a reproducir el esquema, o sujetarse a este. La reproducción de este sistema no sólo es desde el núcleo editorial, sino también del poético, la mayoría de las veces. También la sentencia publicitaria u otros elementos del entorno comercial (al igual que los marcos bélicos) se integran al discurso poético de las productoras de la poesía. Su medio de difusión por otra parte está sujeto a los tiros cortos que se mueven en baja escala en librerías nacionales, que son contadas con los dedos y que restan un amplio porcentaje en la venta del libro. Producen varios títulos bajo ese precepto, regularmente de autores ya prestigiados buscando el reconocimiento editorial del medio más alto, y en otras ocasiones poetas extrajeros. En México la literatura está muy marcada por este procedimiento. La legitimización a partir de anexarse a proyectos ya formados, o a escritores de un prestigio ya sólido. En este sentido la difusión se vuelve un verdadero reto. Fuera de los núcleos poéticos, es casi imposible la difusión de la poesía, e incluso los núcleos mismos tienden a limitar el acceso de otras posibilidades.<br /><br />Tratando de fracturar este esquema, Versodestierro no generó un núcleo, sino un portal, espacio de conflicto para poetas inéditos o poco conocidos, dar al lector una idea del fenómeno ideológico que refleja su poesía y confrontar la postura de diversos artistas pretéritos que han dejado pautas en el arte. Se han agotado ediciones enteras, tanto de la revista como de los libros y otras publicaciones. Mediante sus ventas se han generado recursos y medios suficientes como para publicar más libros. La circulación de mano en mano ha sido el principio de un cause para complementar el medio convencional de venta (o promoción) de materiales de poesía. Se ha argumentado lo poco elegante que es ofrecerle a alguien en un café, o en un vagón, en un camión, un libro de poesía. Si fuésemos millonarios muchos de nosotros, quizá pondríamos a circular en la ciudad elegantes transportes que fueran regalando a precios casi invisibles, excelentes libros de poetas y pintores y dibujantes nuevos; pondríamos espectaculares con poesía. A lo largo del periférico entero se podría leer poesía nueva, y en la televisión la poesía de reciente creación aparecería en las series, en los noticiarios, en las mesas de discusión. (Pero si fuéramos magnates millonarios hacer algo así iría en contra de nuestra naturaleza, o de nuestros intereses, si lo vemos más claro). Sin embargo, la realidad es y ante ella los individuos (los poetas) toman una decisión, entre las dos opciones que tienen enfrente. La pregunta sería: ¿en qué momento empezará el poeta a crear su realidad? Para nosotros la decisión de independencia representa una opción de autonomía. Una decisión de desapego. Lo que alcanzamos a ver es que el río se quedó atrás, y que nosotros apenas somos una minúscula brecha que empieza a dibujar su delta fuera del río, y que es por ahí en donde correrá el agua para el beneplácito de los lectores.<br /><br /><br />Adriano Rémura<br />2006Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-21935814175017959692011-11-28T13:34:00.000-08:002011-11-28T13:36:42.860-08:00¿Por qué una MesAlterada? por Iliana vargas<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrPsLJu1uTtjdEvksDFE20VuSBMnh1ddFLmNBMvZzu7s5eURl60wwkzc4Zu1Wu500HndHynSDVgv0qJGF-zAaQtKK3wM3eAatvegVW7-_smSwXWUhYt5WukuFfyB2iJPQdUjbHXIdT7d-0/s1600/Sun+ra+027.JPG"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 240px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrPsLJu1uTtjdEvksDFE20VuSBMnh1ddFLmNBMvZzu7s5eURl60wwkzc4Zu1Wu500HndHynSDVgv0qJGF-zAaQtKK3wM3eAatvegVW7-_smSwXWUhYt5WukuFfyB2iJPQdUjbHXIdT7d-0/s320/Sun+ra+027.JPG" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5680163638930817794" /></a><br /><br /><br /><br /><br /> Resulta que un día estábamos platicando sobre la manera en que los mexicanos somos tan dados a recibir, muy amablemente, lo que se produce en el extranjero: alimentos, ropa, accesorios de uso cotidiano como ipods y computadoras, películas, música, exposiciones, literatura, etcétera. Por supuesto no es nuestra intención dejar de consumir lo que nos guste de todo ello y mucho menos hacernos una capa con la bandera mexicana y enarbolarnos el cuerpo de nacionalismos férreos. En realidad lo que ocurrió fue que nos preguntamos: ¿Y la producción mexicana, a dónde llega, quién la compra, quién la pide, quién la necesita?<br />Particularmente en las cuestiones literarias –que son nuestras prioridades puesto que a ellas nos dedicamos en tanto que creadores, lectores, investigadores y difusores– nos preguntamos: ¿A quién influye o ha influenciado un autor, una corriente, un movimiento, una propuesta literaria mexicana en el extranjero? Porque una cosa es, nos respondimos, que algunos escritores extranjeros mencionen en algún prólogo, artículo o entrevista a Octavio Paz, Juan Rulfo, Carlos Fuentes, José Emilio Pacheco, Amado Nervo y Sor Juana; pero de ahí a que alguien haya aceptado alguna vez que ha leído, no un poema o una novela de los autores mexicanos “más reconocidos”, sino por lo menos la mayor parte de su obra y que ello les haya influenciado de alguna manera en su trabajo creativo, no tenemos noticias o registros.<br />Y curiosamente, los escritores mexicanos no se cansan de enlistar a los extranjeros de distintos países, épocas y corrientes literarias. A ellos les dedican estudios académicos, ensayos, artículos, reseñas e incluso hacen traducciones de su obra. Aquí es donde cabe volverse a preguntar: ¿y de los mexicanos, cuándo, cómo, en dónde, quién, se ha afanado de la misma manera? Por supuesto que ha habido encuentros internacionales de poesía; intercambios promocionales/literarios en el sentido de “yo te publico y tú me publicas en mi revista o en una antología”; ferias de libro en el extranjero donde se dan a conocer las “novedades literarias de los autores más renombrados en México”; pero, un diálogo verdadero, a fondo, creemos que no se ha dado.<br />¿Y por qué?, nos volvemos a preguntar. Pues porque, para empezar, quizá los escritores y estudiosos extranjeros no encuentran en México una “oferta” literaria que valga la pena de estudiarse, no se diga ya leerse, lo cual no debería sorprendernos si tomamos en cuenta que nuestro país –tal vez sin que lo notemos de manera consciente– se ha forjado a partir del reciclaje y de la reproducción de modelos económicos, políticos, culturales y artísticos de otros países.<br />Esto no tendría que ser terrible si hubiera una retroalimentación equilibrada de lo que se importa y se exporta, esto es, que así como en México el mercado editorial está abierto a autores y editoriales extranjeras, ocurriera un exacto visceversa. El problema es, y volvemos a la literatura, que la poesía y la narrativa mexicana (por mencionar sólo los géneros más “populares”) se han impregnado tanto de influencias extranjeras, que hasta el día de hoy no se ha registrado una propuesta estética literaria lo suficientemente fuerte, capaz de ser un referente más allá de las visiones circunstanciales –todo aquello que testimonia un momento histórico/social específico–; institucionales –todo aquello que se enlista en alguna de las nóminas de los grupos que se distribuyen el poder y los erarios públicos–; mediáticas –todo aquello que se muestra como “lo más representativo de México a nivel internacional” y alternativas –todo aquello que se produce de manera autogestiva y se distribuye de mano en mano, en el mercado underground o en donde se les permite previo acuerdo. En este caso la producción literaria es, en cantidad, igual o mayor a la institucionalizada, pero en ocasiones se vuelve repetitiva en el afán de dejar en claro su marginalidad, y difícilmente plantea una propuesta estética concreta. <br />Entonces, volvimos a preguntarnos, ¿qué ha pasado con los creadores de la literatura mexicana; por qué en la historia literaria hay un punto de fuga en el que los movimientos que trataban de surgir y plantear alguna estrategia esquemática distinta en el siglo XX no lograron tomar fuerza y cimentarse (pero no para instituirse permanentemente, sino para dar paso a su natural transformarción/ derivación/ oposición); por qué, cuando la década de los setenta parecía ir marcando un buen camino en cuanto a pluralidad de propuestas estéticas en diversas disciplinas artísticas, de pronto hubo un tope, una especie de pausa, como un cohete que se arrepiente de culminar en explosión (como si alguien se hubiera dado cuenta de que la pluralidad es muy difícil de controlar y más vale jalar la cuerda y engavetar bajo llave todo lo relativo al concepto propositivo)? ¿Por qué seguir permitiendo que se avale la homogeneización, los métodos y modos a seguir, los cánones oficiales, el reciclaje?<br />Marco ya había planteado, en dos textos, gran parte de estas cuestiones (“Por una poesía evolucionaria” http://elojollenodedientes.blogspot.com/2011/03/por-una-poesia-evolucionaria.html<br />y “Poética de la inconexión” http://elojollenodedientes.blogspot.com/2011/08/poetica-de-la-inconexion.html); sin embargo, quienes se interesaron por el tema y lo apoyaron diciendo que había que escribir y platicar mucho sobre ello, nos fueron dando pauta para que esta mesa surgiera, pues una de las opiniones constantes era: “el problema con los escritores y estudiosos es que no se dejan cuestionar, o se niegan a responder”. <br />Y tantas preguntas no pueden contestarse entre dos personas que comparten experiencias, críticas y visiones al respecto. Por ello decidimos abrir un diálogo con creadores, investigadores y comunicadores que tienen en común la diversidad de sus perspectivas. Y aceptamos la iniciativa de uno de ellos, Ángel Carlos, de que la discusión y el cuestionamiento se hiciera en la mesa de la casa, de forma tan natural como estábamos discutiendo sobre varios temas aquella tarde, pues no sería necesario un mantel de paño verde ni un señalador con nuestros nombres y mucho menos estar sobre un estrado para hablar, preguntar, escuchar, encontrar puntos en común y divergencias; proponer.<br />Finalmente, ¿por qué Alterada? No es que estemos planeando discutir a tal punto que todo derive en una gran pelea argumentativa. No. Lo que queremos es darle su lugar a la alteración en el sentido de búsqueda de un diálogo libre de prejuicios, inteligente, sin agresiones pero capaz de defender sus puntos de vista sin temor a ser reprimido.<br />Alterada, porque es necesario dar un salto de página y alterar, en el sentido creativo, crítico y de estudio, a la literatura mexicana y a todo el aparato que la rodea y de distintas maneras la manipula.Marco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3332581591285175057.post-68707256694611413312011-11-15T10:22:00.000-08:002011-11-15T10:26:28.701-08:00Carlos Edmundo de Ory un diálogo peregrino<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-ClVsI37vh9dhbnTuvnEIGtMAUcETOnFkBdCL4smOJDJOWcdl-roj-5l_ZjNbAceXrEQoE06oTEKLoD5ts_K1Ov9iYYS0tQzKdZ1zsuqe_R4ICzztSvxLdqjjCpXGjoHyaiEtDoJp8rlv/s1600/collage+y+ory.JPG"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-ClVsI37vh9dhbnTuvnEIGtMAUcETOnFkBdCL4smOJDJOWcdl-roj-5l_ZjNbAceXrEQoE06oTEKLoD5ts_K1Ov9iYYS0tQzKdZ1zsuqe_R4ICzztSvxLdqjjCpXGjoHyaiEtDoJp8rlv/s320/collage+y+ory.JPG" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5675290046156554514" /></a><br /><br /><br />Un diálogo peregrino<br /><br /> <span style="font-style:italic;">Para Laura Lachéroy de Ory</span><br /><br /><br />Tomados del brazo, caminamos por entre las tumbas del cementerio de La Madeleine. Después de visitar la tumba de Julio Verne, que en ese momento hervía de flores. Carlos comentó que era extraño, que nunca habían sacado una foto en esas circunstancias. Carlos Edmundo de Ory era un hombre que gustaba de los mágicos rituales mágicos y uno de ellos era llevar a sus invitados a tomarles una foto, junto a él y Laura, en la tumba del viejo Verne. Caminamos y continuaba el diálogo del día anterior, diálogo lúdico y lleno de misterio y de sonrisas. Sonreír era el otro gusto del poeta. Jugar, platicar, mostrar lo invisible. Preguntaba, todo el tiempo preguntaba, interesado en todos los temas posibles. Compartía, otro gusto de Ory, compartir. <br />Si me imagino de lleno a un poeta humano, humanamente humano, vendría a mi imaginación la figura luminosa de Carlos Edmundo de Ory. No gustaba de los premios, ni de las entrevistas y tampoco de los homenajes, aunque asistió a alguno. Le gustaba querer pero no gustaba de los huecos aduladores o fanáticos de su persona u obra. Se alejaba del mundo para querer al mundo y para crear sus mundos y ofrecerlos cálidamente.<br />Creador de uno de los “ismos” más extraños y controvertidos de los últimos que surgieron en Europa y el menos difundido. El Postismo. El movimiento postista llegó a México en el año del 2008, en una coedición de Editorial Andrógino y Ediciones sin nombre. Carlos recibió emocionado el libro La mano en la espalda, que reúne los cuatro manifiestos postistas. El primero de ellos se publicó en Madrid en 1945. Año del lanzamiento del Postismo.<br />La relación de Ory con México siempre estuvo presente: “Pues, yo mismo, Carlos, sé mucho de México y su poesía desde mi niñez gracias a mi padre Eduardo de Ory. Cuando estuvisteis en casa, "el otro día", no se me ocurrió poner ante vuestros ojos el precioso libro de oro de mi padre, edición de M. Aguilar, Madrid 1936, titulado como tenía que ser ANTOLOGÍA DE LA POESÍA MEXICANA. Por orden alfabético desde Acuña (Manuel) n.1849, hasta Zayas Enrique (Rafael) n. 1848. La dedicatoria dice: "A la memoria del inmortal poeta AMADO NERVO mi inolvidable y gran amigo.<br />E de Ory"” <br />Efraín Huerta y Octavio Paz, enviaban sus libros a Carlos. Él gustaba más de la poesía de Efraín Huerta. Para mí fue muy grato encontrar en la biblioteca de Huerta cuatro libros de Ory dedicados al poeta mexicano, con esa forma tan llena de colores y de figuras que tenía costumbre hacer en la portadilla de sus libros dedicados. Otros poetas mexicanos que conocía Ory eran: Pedro Damián, Víctor Monjarás, Mario Santiago Papasquiaro. Incluyendo el gusto por la poesía de Roberto Bolaño y de Bruno Montané, que vivieron un tiempo en México. Gran lector de poesía, recomendaba leer un poemario no como se revisa un almanaque, sino había que practicar el brinco de poema a poema, en diferentes días y a distintas horas. Leer uno o dos, cerrar el libro, acomodar el poema en el espíritu y después volver al poemario, abrirlo y dejarse llevar por la luz o la oscuridad del poema en turno. Y así hasta concluirlo en algún momento.<br />Cuando lo busqué en su casa de Thézy, él estaba solo y abrió la pequeña ventana de su puerta, y después de identificarnos, comentó: que era, yo, más inteligente que los gaditanos. Por haber dado con él, con Laura y la dirección de su casa sólo siguiendo la intuición y los mapas cósmicos de los vasos comunicantes. Le observé sentado en su sillón y comenté que al verle tenía unas ganas inmensas de llorar de gusto y él me dijo que: “si Homero no censuraba a los hombres que lloran tampoco él lo haría” después me pidió que leyera uno de mis poemas. Le gustó. Después me bautizó como un: extriste o como el ogro inteligente. Palabras, era un excelente malabarista de palabras e imágenes. Y como Byron un gran coleccionista de palabras y también de caballos, juguetes y otros objetos de magia o de arte.<br />No podría elegir a uno de sus libros como favorito. Todos me hablan, todos me seducen de forma distinta. Sus cuentos, poemas, ensayos, todo tiene ese algo especial de lo magnífico. Pero existe algo muy particular y casi embrujante, en sus diarios. Sus diarios son poesía pura de donde nace la vida y la muerte. Tal belleza sólo puede pertenecer al jardín de un genio. Y lo digo con la certeza y seguridad de que es verdad. Un genio humilde. Sus diarios, que detalladamente nos muestran paso a paso, hora a día, las vicisitudes que el poeta tuvo que pasar para encontrarse y cumplir su hermosa misión aquí en la tierra y en la literatura. <br />Una vez le escribí quejándome de la indiferencia de algunos poetas mexicanos hacia diversos temas o quejándome sobre la corrupción de ciertos poetas, él me contestó: “La poesía si verdadera se paga. Platica más con los poetas muertos que con los vivos.” <br />Dormí junto a los cuadernos forrados de negro en donde escribía su diario. Los originales que cargaba de un lado a otro, de un país a otro, de un estado de ánimo a otra visión. Hasta que por fin se instaló en Thézy: “Vivo en Francia desde hace mucho tiempo. En París, ya lo sabéis por el Diario. De París me trasladé a la capital de Picardía, Amiens desde 1967 y con Laura mi compañera, pintora, desde 1972. Vivimos desde 1990 en una aldea llamada Thézy-Glimont a 13 km de Amiens en casa propia.” <br />Cádiz, Madrid, París, Perú, Amiens, vieron ir y venir al poeta en alegre y a veces trágico, desde la visión poética, periplo. Lo constante era su poesía, su sino, su genialidad jocosa. Su amor por los amigos, siempre rodeado de amigos y gente que le quiere. Y él a su vez queriéndolos a todos. Como el mar abraza, como la tierra recibe, como el cielo dignifica la claridad de la frente. Carlos Edmundo de Ory era un mundo de entrega. En lo personal pasear por entre las tumbas y jugar a decir palabras serias, alegres, apesadumbradas, luminosas, fue una lección de vida y de literatura. Jugar para saborear el lenguaje. La bella pronunciación de las cosas junto a un demiurgo.<br />Con Carlos y Laura compartimos libros, poemas, viajes, collages, e intercambiamos visiones, gustos, sueños, palabras. En el 2004 comenzamos un diálogo que Carlos llamó, en uno de sus mensajes, diálogo peregrino. Y eso es nuestra larga plática. Un diálogo peregrino. Que afortunadamente continúa. Seguimos conversando: Laura, Carlos y yo. Continuamos con el ir y venir del mensaje, de poemas, de pulsaciones que imagino, compartirán los muchos otros lectores. Quien se acerque a su obra comenzará, como yo lo hice en algún momento, a conversar con este bello poeta. Poeta humanamente humano que me sonrió un día y que no ha dejado de hacerlo. Poeta que me abrió su casa, su poesía y su corazón. Que me presentó a mí mismo como poeta, que me enseñó que siempre se puede mostrar uno de muchas formas pero que sólo se puede ser uno mismo de una sola manera: Fiel a la pulsación creativa, fiel al poema.<br />Carlos y Laura escribieron: Sabed, ojos míos, ajos míos, hijos míos, que Karl Borromäus y Laura de Noves, novios diarios y nocturnos, paganos de la luna y el sol y el arco iris, os quieren <br /> mucho<br /> mecha<br /> macho<br /><br />y esperan que nos veamos el día siempre pensado<br /> <br /><br />Carlos y Laura<br /><br /><br /><br /><br /><br /> Marco Fonz<br /> Marzo, 2011, MéxicoMarco Fonzhttp://www.blogger.com/profile/13202683820700629432noreply@blogger.com0